Zema Ribeiro

24 de fevereiro de 2018

O embaixador

Radicado há mais de três décadas em São Paulo, onde mantém as tradições maranhenses com o Bumba meu boi de Cupuaçu, no Morro do Querosene, o que lhe ensejou o merecido título de cidadão paulistano, outorgado há alguns anos pela Câmara Municipal da capital paulista, Tião Carvalho, maranhense de Cururupu, subiu ao palco do Buriteco Café (Rua Portugal, Praia Grande), ontem (23), para um show em que passeou por repertório autoral e clássicos de autores maranhenses.

“Muito obrigado pela presença de todos vocês”, agradeceu Tião, reafirmando o prazer de cantar no Maranhão, para maranhenses, após abrir sua apresentação com Dona tá reclamando (Domingos Minguinho), gravada pelo Cupuaçu em Toadas de bumba meu boi [Núcleo Contemporâneo, 2000].

Tião estica sua presença na ilha: ele veio participar do desfile do bloco Bota pra moer, na segunda-feira gorda de carnaval (12), capitaneado pelo Criolina, formado por Alê Muniz e Luciana Simões, em cujo Radiola em transe, disco mais recente da dupla, sua A menina do salão dialoga com A mulher mais bonita do mundo (Tião Carvalho), lançada por Tião em seu solo de estreia, Quando dorme Alcântara [Por do Som, 2003], também presente ao repertório de ontem. Além de ontem no Buriteco, ele anunciou nova apresentação na próxima sexta (2 de março), às 22h, no Laborarte (Rua Jansen Müller, 42, Centro).

Quando cantou De Teresina a São Luís (João do Vale e Helena Gonzaga), a flauta de Zezé Alves puxou O trenzinho do caipira (Heitor Villa-Lobos) como incidental. O flautista deixou seu microfone às pressas para salvar o óculos – que Tião Carvalho carregou mas não usou durante o show –, de ser pisado, enquanto o músico trocava o cavaquinho pelo triângulo.

A banda se completava com João Simas, que tocava sua guitarra com as pernas em posição de lótus na cadeira, a gaúcha Mariele Costa (percussão) e Erivaldo Gomes (percussão) – este o único abrigado ao lado de Tião no pequeno tablado do Buriteco.

Com um disco inteiramente dedicado à obra de João do Vale [Tião Canta João, Por do Som, 2006], o pedreirense foi dos mais presentes ao set list da noite: Baião de viola (João do Vale e Flora Matos) evoca as belezas (e de forma poética as misérias) de sua cidade natal, trazendo em si a típica sabedoria que lhe valeu o epíteto de “poeta do povo”.

Quando cantou a toada Itamirim (Chico Saldanha), Tião lembrou-se que foi ele quem gravou a música no elepê de estreia de Chico Saldanha, de 1988. “Se não me engano é Itamirim o nome do elepê”. O disco leva apenas o nome do compositor, mas o equívoco é compreensível: a última faixa do lado A foi o maior êxito do disco e é, até hoje, um dos maiores da carreira do rosariense.

Tião cantava e contava histórias: o samba Pantanal (Tião Carvalho) alude a um bar que frequentava, e Canção de ninar (Tião Carvalho), que começa como anuncia o título e torna-se um samba, foi feita para sua filha, “quando ainda estava na barriga”.

Sapaiada (Xavier Negreiros e Marquinhos Mendonça), com seu refrão envolvente, botou o público para acompanhar nas palmas, um dos grandes momentos do show – não foram poucos. Quando dorme Alcântara (Tião Carvalho) evoca outro bar, em São Luís, onde Tião e uma turma iam tocar e à meia noite viam as luzes da cidade, do outro lado da baía, se apagarem, quando o gerador era desligado, à época. Invariavelmente ouvia-se o comentário: “Alcântara dormiu”. “Com essa música eu participei do último grande festival promovido pela Rede Globo. Estive em três, primeiro acompanhando Giordano Mochel, depois acompanhando Ubiratan Sousa, e por último já com uma música minha”, contou, revelando parte da nobre linhagem artística a que pertence.

Cantou o Fogo de palha de Josias Sobrinho. Quando lembrou que dele havia gravado Dente de ouro em Quando dorme Alcântara – à venda ontem, bem como Tião canta João –, o público pediu o clássico. “Não estava no roteiro, mas nós vamos ter que fazer”, nem Tião nem a banda titubearam e o público cantou junto.

De sua irmã Ana Maria Carvalho, parceira do Boi de Cupuaçu, trouxe Até a lua, que emendou com Lua cheia (Bulcão e Godão), clássico de outro boizinho, o Barrica. O passeio musical de Tião foi até Cajapió (Erivaldo Gomes). Na sequência atacou com um medley de inéditas: Coco da minha sinhá (Tião Carvalho) e Coco das meninas (Graça Reis).

“Vamos fazer a saideira, lembrando essa figura que foi muito importante pra minha carreira, é pra mim uma espécie de madrinha musical. Todas as gravações que ela fez dessa música”, começou, referindo-se a Cássia Eller, que popularizou o samba Nós (Tião Carvalho).

Aos insistentes pedidos de “mais um”, Tião virou-se para a banda, sinalizando que atenderia. A noite foi fechada com um medley de João do Vale: Uricuri (Segredos do sertanejo) e Carcará, ambas em parceria com José Cândido.

Embaixador da cultura popular do Maranhão em São Paulo, onde vive, e por onde andar, ontem Tião Carvalho contrariou o dito popular: santo de casa faz milagre, era o que atestavam os rostos satisfeitos do público, mesmo a parte que ficou em pé, na calçada, do lado de fora do Buriteco.

23 de fevereiro de 2018

Terra musical de todo mundo: um papo com Vitor Ramil

Este mês, na Emaranhado, coluna que assino mensalmente no site do Itaú Cultural, escrevi sobre o ótimo Campos neutrais [Satolep, 2017], disco novo de Vitor Ramil, com quem conversei sobre.

A seguir, a íntegra da entrevista.

Homem de vícios antigos – Campos neutrais dialoga com outras fases de tua carreira, mas não soa saudosista, embora revisite ídolos confessos como os Beatles e Bob Dylan, entre outros. É um disco aberto, embora a milonga ainda seja o eixo central. Você concorda? Como o definiria?
Vitor Ramil – À parte a citação explícita a Strawberry Fields Forever, Beatles sempre aparecerá subliminarmente na minha música, bem como na música de todo mundo, porque eles foram fundamentais, estruturantes. Dylan é um compositor que às vezes eu gosto de versionar. É um desafio prazeroso para mim, que gosto de lapidar e me excito com o aspecto lúdico desse tipo de trabalho. A milonga está menos presente como gênero que como atmosfera e conceito em Campos Neutrais. Tens razão, o disco remete a algumas experiências dos meus discos anterior, mas o vejo fundamentalmente como um ponto a que cheguei depois de muita reflexão e muita prática. Considero o mais bem produzido, tocado, cantado, gravado etc. Fui muito criterioso, inclusive ao me sentir o mais livre e espontâneo possível durante as gravações. Trabalhei com figuras muito afinadas com a minha linguagem. A unidade é marcante no resultado. Tudo soa muito coeso, os arranjos, as performances.

É também o disco em que você mais se abre a parceiros. Como é colecioná-los e trabalhar com cada um/a deles/as? Da conterrânea Angélica Freitas, passando pelos nordestinos Chico César e Zeca Baleiro, até o paraense Joãozinho Gomes e o português António Botto, entre outros: a diversidade percebida no repertório de Campos neutrais se deve também a este leque de parceiros, não?
Sim, certamente. Essas parcerias foram acontecendo naturalmente ao longo do tempo. Com o Zeca já compus uma três musicas, com o Chico umas cinco. Mas são as primeiras colaborações nossas gravadas. Gosto muito do que conseguimos fazer juntos. Com a Angélica é um pouco diferente. Venho musicando a obra dela com o objetivo de gravar um disco dedicado à poesia dela, que é sensacional. O poema do Joãozinho musiquei depois de estar com ele em Macapá, e a canção nasceu pedindo tambores, aqueles tambores melancólicos do marabaixo. António Botto, quem diria, me fez compor um samba de corte clássico. É o inesperado das colaborações. Todas essas enriqueceram muito o disco e, de certa forma, justificaram a ideia dos campos neutrais como conceito do trabalho.

Em texto distribuído à imprensa você fala do projeto de gravar um disco inteiramente dedicado à poesia de Angélica Freitas, uma das poetas contemporâneas mais originais do Brasil. Sei que é cedo para falar em novo disco, Campos neutrais ainda tem uma estrada a percorrer e torço por que o show passe pelas terras de todos os parceiros, mas há previsão para a realização deste trabalho em parceria com ela?
Só não gravei ainda o álbum com a Angélica porque, depois de délibáb, dedicado às poesias de Jorge Luis Borges e João da Cunha Vargas, e de Foi no mês que vem, em que regravei 32 canções por ocasião do lançamento de um songbook, achei que precisava retomar minha trajetória autoral. Agora acho que o disco com poemas da Angélica pode ser a melhor escolha para um próximo trabalho, até porque o público já teve uma prova dessa colaboração com a música Stradivarius que está em Campos Neutrais, ou seja, nossos mundos já estão conectados.

Outro diálogo perceptível em Campos neutrais é o travado entre a estética do frio e certo calor nordestino, nortista, sobretudo a partir das parcerias com Chico César, Joãozinho Gomes e Zeca Baleiro. Você acredita que isto ajuda a te libertar de rótulos como os de “artista do frio” ou “dos pampas”, apesar de você ter inventado Satolep e viver nela?
Para quem olha superficialmente, talvez sim. O fato é que para mim não há essa oposição frio-calor. A estética do frio, em última instância, trata-se não de tentar estabelecer um conflito, mas de afirmar o sul-brasileiro através da imagem do frio, do frio tratado como símbolo de um lugar, do nosso clima de estações bem definidas (afinal de contas o Brasil, que se vê como “tropical”, nos associa ao frio) e como elemento de aproximação do sul do Brasil com Uruguai e Argentina. Quando falo em frio não estou defendendo uma racionalidade ou ausência de emoção. Longe disso. Falar em rigor, por exemplo, não é falar em rigidez. Há rigor em João Gilberto, há rigor em Elomar ou em João Cabral.

Você volta ao Dylan de Desire, vertendo Sara em Ana, como fez com Joey (Joquim), em Tango [1987]. O Dylan de 1976 é o seu preferido entre sua vasta discografia?
Sim, Desire é meu disco favorito do Dylan. Gosto também de Slow train coming, da fase religiosa, de onde versionei Um dia você vai servir a alguém (Gotta serve somebody). Costumamos escutar Dylan nas viagens de carro. Dylan, Miles [Davis], Alberta Hunter, Radiohead, Chet Baker ou Glenn Gould estão sempre conosco na estrada.

Palavra desordem é sobre os dias atuais, embora o verso “façam a revolução” evoque o oitentista RPM. É uma citação proposital? Você comprova a possibilidade de cantar sobre política sem soar panfletário. É um caminho urgente, possível e necessário no atual momento por que passa o Brasil?
Eu não me lembrava do “façam a revolução” do RPM. Se lembrasse, talvez não tivesse usado na música. Um sobrinho me chamou a atenção para isso e rimos muito. De fato, a retórica dessa música é revolucionária e ela pode ser interpretada desse modo, mas como um chamado à revolta profunda, não apenas política, feito às novas gerações. No entanto, o significado íntimo dela para mim é o de um chamado ao desassossego que fiz para mim mesmo. Eu tinha escrito uma letra que me pareceu muito obscura para um tema tão pungente e já um tanto complexo musicalmente. Achei a letra um pouco acomodada diante do desafio que a música exigia de mim. Então me indignei e cantei pra mim mesmo: “queimem os navios”…

Você canta em três línguas em Campos neutrais, o que tem a ver com a própria característica fronteiriça do Rio Grande do Sul evocada no título do álbum. O Brasil, vizinho de países de língua espanhola, em geral prefere cantar no inglês de terras distantes. Como você avalia esse distanciamento cultural do Brasil e seus pares do Mercosul, no sentido de que bandas argentinas, uruguaias etc., serem bem menos conhecidas por aqui que astros ingleses e americanos etc.?
O português e o espanhol respondem por essa fronteira do extremo sul. O inglês aparece como nas canções de toda parte. Os Beatles e a presença de sempre da cultura norte-americana e inglesa entre nós nos fazem volta e meia cantarolar em inglês. No caso do rock gaúcho, realmente o inglês é muito presente, ou foi. Algumas bandas ou artistas quando cantam português o fazem como se fossem estrangeiros cantando, com um certo sotaque. Acho engraçado. É que a influência do rock inglês dos anos 60 é imensa por aqui. Por que? Não sei. Talvez por ser uma região mais conservadora, onde o rock desde sempre aparece como afirmação e contraposição das novas gerações. Quando ao distanciamento do Brasil em relação aos países de língua hispânica, é mesmo muito grande. Lembro de quando vivíamos no Rio, nos anos 80. As pessoas lá achavam engraçado ouvir rock em castelhano, Charly Garcia, Fito Paez e poucos outros que chegavam. Riam. Enquanto isso, no Rio Grande do Sul, os mesmos artistas eram ídolos. A língua e a cultura nos afastam mutuamente. E também o preconceito, o aculturamento, esse eterno bater cabeça para o que vem dos países de prestígio. Na Argentina não é muito diferente. Lá um artista norte-americano obscuro e fraco tem muito mais chance de despertar interesse da mídia que um artista brasileiro obscuro e genial. Igualzinho ao Brasil.

A exemplo de Foi no mês que vem, seu disco anterior, Campos neutrais também tem um respectivo songbook e foi financiado a partir de crowdfunding, o financiamento coletivo pela internet. A seu ver, o songbook facilita a apreensão de seu repertório por músicos que se interessem por tocá-lo? E o financiamento coletivo é uma saída nestes tempos sombrios que o Brasil atravessa, não apenas no campo cultural?
No meu caso, o songbook se mostrou de extrema importância, porque poucos conseguiam tocar as minhas músicas. Meus acordes em geral não são convencionais e ainda uso afinações preparadas. Muitas vezes, tocar uma música minha com os acordes simplificados fere a essência da composição de um modo que não parece ser a mesma música. Depois dos songbooks tenho ouvido muita gente tocar super bem as minhas canções, mesmo que essas versões incorporem novidades. Quanto ao financiamento coletivo é uma grande alternativa de produção. É bom para o público e para o artista. Uma espécie de resistência. Nesses tempos em que o disco já não vende e que montar um grande espetáculo é coisa apenas para artistas muito populares que arrastam multidões, o financiamento coletivo ajuda a viabilizar trabalhos de qualidade. E como observaste, essa forma de resistência não se limita à cultura. Se espraia pela sociedade de muitas maneiras, atendendo a inúmeras demandas.

Você é de uma família de músicos, irmão de Kleiton e Kledir, pai de Ian Ramil. Este disco tem a participação de sua sobrinha Gutcha, cantando um samba – e aqui voltaríamos ao tema da diversidade, já abordado. Qual a sensação de ser um elo desta genealogia musical?
É uma sensação muito boa, de toda a vida. Não sei como seria viver numa casa sem “muita” música. Estamos montando agora um show em família, homenagem à minha mãe, Dalva, de 92 anos. Vão estar todos os que citaste acima, mais o Thiago Ramil, irmão da Gutcha e o João Ramil, filho do Kledir. Fui muito influenciado pelos meus irmãos e adoro o que estão fazendo Ian, Gutcha, Thiago e João. Quero envelhecer vendo a gurizada tocando na minha volta.

21 de fevereiro de 2018

Uma DJ sem firulas: a música em estado puro

A DJ Vanessa Serra em foto de Zeqroz Neto

Na seara ilhéu dos disc-jóqueis, cena majoritariamente dominada por homens em São Luís do Maranhão, Vanessa Serra adentrou qual Leminski em seu conhecido poema: “com os dois pés/ no peito dos porteiros/ dizendo pro espelho/ – cala a boca/ e pro relógio/ – abaixo os ponteiros”.

Jornalista e produtora cultural, com anos de atuação na ilha, Vanessa Serra coleciona vinis desde a adolescência, tendo ao longo do tempo engordado seu acervo com aquisições e heranças da família, em que pai, mãe, tios e avós sempre foram apreciadores de boa música.

O DNA explica parte do talento, que começou a ser treinado nas festas da família: invariavelmente era Vanessa Serra quem escolhia a trilha sonora de aniversários, churrascos de fim de semana e esticas de farras em Copas do mundo, por exemplo, o que a torna uma DJ brasileiríssima de talento nato.

O que era apenas um hobby há algum tempo tornou-se uma espécie de segunda profissão de Vanessa. Em vez do aparelho de som caseiro, aprendeu a manusear a parafernália necessária para botar um som e logo prestigiar seu riscar de agulhas nos bolachões de cera deixou de ser privilégio somente de familiares e amigos mais chegados.

Começou a discotecar profissionalmente – embora seja uma “amadora”, no sentido do amor pelo ofício – em 2016. Muito rápida e merecidamente ela conquistou o respeito e o reconhecimento do público, da crítica e de seus pares. Nem ousarei citar os nomes mais frequentes a seu repertório, para não cometer injustiças. Devo dizer que alia qualidade e ginga. Música para dançar e pensar, para não fugir do clichê – cá no texto, que este não tem vez na discotecagem de Vanessa, de espírito libertário: dança quem quer, pensa quem quer, alguns fazem ambos, mas a certeza é que todo mundo se diverte, a começar pela própria DJ, esbanjando charme enquanto procura e limpa o próximo vinil que tocará, dançando com um fone no ouvido e o outro livre, atenta à música com que está presenteando o público, para não haver falhas, uma espécie de um olho no gato outro no peixe.

Vanessa Serra não é DJ de firulas: toca a música em estado puro, como se estivesse no quintal de sua casa, entre amigos, entre um gole e outro. Talvez por isto mesmo seja tão bom vê-la/ouvi-la tocar: sentimo-nos em casa, com uma amiga a mostrar, entusiasmada, os novos discos que comprou ou as raridades que conseguiu arrematar num sebo ou na coleção de alguém que se desfez por um motivo ou outro, ou ouvindo um programa de rádio com selo de qualidade total, sem a voz dos locutores ou anúncios a interromper a sequência perfeita, já que pensada.

Pelas mãos, capricho e seleção de Vanessa Serra a música volta a cumprir seu importante papel de comunhão, tornando-nos mais humanos, mais irmãos e mais felizes. Ao menos enquanto durar a festa.

Acompanho com entusiasmo a rápida evolução da queridamiga Vanessa Serra no universo dos DJs e, baita honra, escrevi o release acima, inspirado pela alegria de já tê-la visto/ouvido trabalhando (e se/nos divertindo) algumas vezes. Quem quiser conferir o trabalho da moça, aí está o serviço para hoje:

16 de fevereiro de 2018

Cardume de talentos

O espírito libertário da poeta Hilda Hilst ronda a Casa do Sol, em Campinas/SP. O espírito libertário de Hilda Hilst e de seus 150 ou 160 cachorros, ninguém sabe ao certo.

A Casa do Sol abrigou uma residência artística, capitaneada por Angeli e Laerte, dois de Los Tres Amigos, grupo de quadrinhistas que a seu modo reinventou o panorama das HQs no Brasil entre o final da década de 1970 e início da de 80, com revistas como Chiclete com Banana e Piratas do Tietê, na ativa até hoje – Glauco, el tercer amigo, foi assassinado, junto a seu filho Raoni, em 2010.

A residência artística reuniu, além dos pais de Bob Cuspe e Muriel, artistas dos traços e das letras. 10 participaram da residência, e a eles se somaram os editores e outros escritores e poetas. A escalação completa: André Sant’Anna, Anna Cláudia Magalhães, Bruna Beber, Daniel Galera, Diego Gerlach, Fabio Zimbres, Gabriel Góes, Guazzelli, Ilan Manouach, Juliana Russo, Laura Lannes, Mariana Paraizo, Mateus Acioli, Paula Puiupo, Pedro Franz, Powerpaola, Rafael Sica e Zed Nesti.

Esse timaço deu na Baiacu [Todavia, 2017, 320 p.; R$ 84,90], bonito livro (ou revista?), batizada pelo peixe (venenoso) que “tem essa propriedade de inchar e ficar maior e assustar o tubarão que vem devorá-lo”, como afirma Laerte no editorial, um texto adaptado da abertura da residência artística, em 2017. “Mas o baiacu tem uma outra coisa, que é maravilhosa. O bicho faz uma mandala. No fundo do mar. Ele fica raspando a barriga na areia, horas e horas… Depois, visto de cima, é uma mandala, um círculo perfeito, com linhas geométricas indo para todos os lados. E ele faz aquilo por quê?… Por tesão”, continua.

Ou seja: a revista (ou livro?) já transpira arte desde o batismo, desde a capa (de Zed Nesti).

Na Baiacu a noção de autoria está diluída: são poucos os trabalhos assinados. É claro que há um índice ao final e você não é obrigado a lê-la (ou lê-lo?) na sequência. É possível saltar artistas, ir direto ao/à seu/sua predileto/a. Ou tatear às escuras: ler sem saber quem desenha ou escreve (é claro que, por exemplo, Angeli e Laerte, entre outros/as, têm traços característicos), tentando adivinhar.

Há cadernos de esboços, estudos, Mauricio de Sousa desquarado, ilustrações da casa, prosa, poesia. Arte e ficção dialogam e, imitando a vida, debatem, aqui e ali, o Brasil contemporâneo. A função da arte (ou sua inutilidade), o deslumbramento de novos ricos, o empoderamento de mulheres, negros/as e homossexuais, a violência, o Brasil sob a égide do golpe político-jurídico-midiático e machista que toma o país de assalto há quase dois anos, ideais de consumo como sinônimo de felicidade (enquanto humanos perdem empregos para máquinas), a própria dificuldade com os processos criativos ao longo da residência, direitos humanos, drogas, religião, vasto leque, sem abrir mão da ironia e do bom humor.

Gerações e vozes distintas numa encruzilhada artística cada vez mais rara. Não é todo dia que se vê um livro (ou revista?) tão volumoso(a), com (tanto) conteúdo (de qualidade), se inchando contra o vazio, o mau gosto, o bom mocismo, a isenção e nossas tristes mazelas. O agradecimento a Toninho Mendes, entre muitos/as outros/as, é mais que justo.

E a Baiacu ainda traz encartado o hilariante zine Pirarucu, argumento e arte de Diego Gerlach, complemento à altura, outro peixe poderoso, tirando onda com a residência, o ofício do artista de quadrinhos, o governo ilegítimo, sem poupar sequer o editor André Conti.

Após a/s leitura/s, a pergunta que não quer calar é: terá a revista (ou livro?) uma segunda edição? Quando?

15 de fevereiro de 2018

Legado beatle

How the Beatles changed the world. Frame. Reprodução

O fim dos Beatles caminha para meio século e a banda segue das mais – se não a mais – influentes no planeta em todos os tempos. Provas disso são suas músicas continuarem sendo regravadas ao redor do mundo e qualquer coisa que leve seu nome/marca vender como água (o que começou a acontecer ainda enquanto estavam juntos), sejam edições remasterizadas de seus discos de carreira, gravações inéditas ou raras ou até mesmo brinquedos.

Nada mau para um grupo cuja união durou menos de uma década.

Ao longo deste tempo os Beatles operaram algumas revoluções no fazer artístico, elevando a música pop à categoria de obra de arte. John Lennon, Paul McCarney, George Harrison e Ringo Star foram, sem dúvida, dos artistas mais documentados em todos os tempos. Em meio ao turbilhão, difícil um filme, uma reportagem, ou o que quer que seja, dizer algo novo sobre os fab four.

Não parece ser a intenção de How the Beatles changed the world [EUA, Inglaterra, 2017; disponível na Netflix], documentário de Tom O’Dell, que localiza a importância do fenômeno Beatles para a compreensão da década de 1960 e de tudo o que viria depois, em termos de música, cultura e comportamento – mesmo Rolling Stones, quase sempre apontados como rivais dos Beatles, num Fla x Flu musical sem sentido, The Doors e Beach Boys, para citar (apenas) outras bandas surgidas na mesma década, aconteceram a reboque do protagonismo beatle.

Através de entrevistas com críticos de música, pessoas próximas ao quarteto de Liverpool e trechos de entrevistas dos próprios Beatles, O’Dell aponta-os como precursores em se tratando da relação música e lisergia, de aproveitar ao máximo o que os estúdios oferecem (as limitações técnicas eram enormes nos anos 1960, sabemos) e no componente político: em visita aos Estados Unidos os Beatles foram pioneiros em abordar assuntos espinhosos à época, como a guerra do Vietnã, além de tirar onda com a própria rainha da Inglaterra.

A cena é conhecida, mas nos faz rir novamente: a um auditório lotado, Lennon manda: “para o próximo número precisamos da ajuda de vocês. As pessoas nos assentos mais baratos batam palmas; as demais, basta chacoalhar suas joias”. Close numa constrangida rainha da Inglaterra, volta a imagem a um John qual criança pego em travessura.

Outras revoluções beatle: a transmissão em cadeia mundial de tevê de All you need is love (com Mick Jagger e outros famosos na plateia), o fim das aparições públicas enquanto banda (quantas, hoje, não vivem de separar e juntar de acordo com as necessidades, sobretudo financeiras), as guinadas artísticas em discos fundamentais como Rubber soul, Revolver e Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band, além dos primeiros solo de John Lennon (uma trilogia com Yoko Ono, sua segunda esposa) e Paul McCartney – se hoje são corriqueiros discos solo de integrantes de bandas, nisso os Beatles também foram pioneiros, como haviam sido, no começo da carreira, ao decidirem gravar material autoral (o que não era padrão na época).

Recentemente Quincy Jones deu uma entrevista afirmando que os Beatles eram os piores músicos do mundo. Lembrou o Lobão da época em que vivia falando mal de Caetano e Gil. Ver How the Beatles changed the world lembrou-me o Oscar Wilde de A alma do homem sob o socialismo: “não é a obra de arte que tem que aspirar a se tornar popular; o povo é que tem que se tornar artístico”. Sob a égide do “mas é isso o que o povo gosta”, muitos artistas acomodam-se e ofertam mais do mesmo (ou menos do mesmo, se a ideia é facilitar); com os Beatles era diferente.

How the Beatles changed the world pode não trazer novidades, sobretudo aos beatlemaníacos mais ferrenhos; mas localiza o legado beatle num contexto de profunda transformação da cena pop no mundo. Para sempre.

10 de fevereiro de 20189 de fevereiro de 2018

Maria, carnaval e palavrões

CESAR TEIXEIRA*

Maria Aragão em foto de autor desconhecido

Neste sábado carnavalesco é essencial lembrar o aniversário da médica e militante comunista Maria José Camargo Aragão, nascida em 10 de fevereiro de 1910, no povoado de Engenho Central (hoje Pindaré-Mirim). Era a terceira dos sete filhos do guarda-fios Emídio Aragão e da dona de casa Rosa Camargo Aragão, que cantava e tocava violão.

Talvez por isso Maria gostasse tanto de música e festa.

Não hesitou em participar do desfile da Favela do Samba, quando foi homenageada com o enredo “A Peleja contra o Dragão da Maldade: o Sonho de Maria Aragão”. O samba daquele ano foi da autoria do compositor José Henrique Pinheiro Silva, conhecido nas rodas boêmias por “Escrete”.

Maria mantinha uma convivência saudável com os artistas locais e curtia muito Gonzaguinha, Milton Nascimento, Taiguara, Baden Powell, Violeta Parra e Mercedes Sosa, mas não deixava de ouvir Tchaikovsky, Carlos Gomes ou Wal Berg e sua Grande Orquestra.

Adorava cerveja, vinho e caipirinha, que dividia com os amigos depois da “Boca Livre” que organizava em sua casa sempre às quintas-feiras, ou então nos barzinhos após as reuniões de caráter político, quando não estava em seu consultório e nos hospitais públicos.

Sua vida foi inteiramente dedicada à medicina e à política. Abandonou cedo a carreira de professora e pegou um navio para o Rio de Janeiro com a sua mãe, que lá faleceu vítima de câncer. Especializou-se em Pediatria e Ginecologia, adotando o Partido Comunista em 1945, inspirada por um comício de Luís Carlos Prestes, que acabara de sair da prisão.

Retornou ao Maranhão em 1949, orientada a reforçar o PCB local.

Aqui publicou e vendeu pelas ruas jornais considerados subversivos, fez discursos nas portas das fábricas e no interior do Estado, onde foi tratada como prostituta e besta-fera por padres que também espalhavam que “comia criancinhas”, chegando a ser apedrejada na cidade de Codó.

Faleceu em São Luís no dia 23 de julho de 1991, aos 81 anos, depois de ter sido presa mais de cinco vezes dentro e fora do Maranhão, numa luta incansável contra as ditaduras, a corrupção política, a repressão policial, a discriminação contra as mulheres e a falta de políticas públicas, sobretudo na área de saúde.

Quando os blocos e artistas convidados passarem pela Beira-Mar, junto ao Memorial Maria Aragão, provavelmente nenhum folião recordará as batalhas dessa velha guerreira; ninguém lhe prestará homenagem pelo seu aniversário nos rituais de Axé. Na camisa-de-força dos seus abadás, certamente não ouvirão os palavrões de Maria.

*Cesar Teixeira é jornalista e compositor

9 de fevereiro de 2018

Machado presente

Máximas, pensamentos e ditos agudos. Capa. Reprodução

Máximas, pensamentos e ditos agudos [Penguin Classics Companhia das Letras, Coleção Grandes Ideias, 2017, 102 p.; R$ 24,90; leia um trecho] “é composto de trechos selecionados da correspondência, das crônicas e dos textos críticos escritos por Machado de Assis durante meio século, de 1858 até as vésperas de sua morte, em 29 de setembro de 1908”, conforme anuncia o texto de apresentação, assinado pelo organizador Hélio Guimarães, respeitado machadófilo, enfatizando que a seleta não inclui a ficção machadiana.

No ano (eleitoral) de 2018, quando se completam 110 anos do falecimento do bruxo do Cosme Velho, o livro, lançado ano passado, soa bastante atual em mais trechos do que gostaríamos. “Muitas das frases são de uma espantosa atualidade, não porque o escritor previsse o futuro, mas porque entre o seu tempo e o nosso muita coisa permaneceu intacta, no Brasil e no mundo”, continua Guimarães, professor da Universidade de São Paulo, editor da Machado de Assis em Linha – Revista Eletrônica de Estudos Machadianos, autor de Machado de Assis, o escritor que nos lê [Unesp, 2017] e Os leitores de Machado de Assis: o romance machadiano e o público de literatura no século XIX [Nankin/Edusp, 2012].

Separado em 12 pequenas seções, o livro perpassa comentários de Machado de Assis sobre si mesmo, o Rio de Janeiro, a política, costumes, livros, o ofício de escrever, vícios e virtudes, a posteridade e a glória, além de revelar admirações do escritor, entre outros temas.

“Em nosso país a vulgaridade é um título, a mediocridade um brasão” [“Comentários da Semana”, Diário do Rio de Janeiro, 1º. de novembro de 1861] não é uma frase que parece talhada hoje, sob o regime golpista de Michel Temer e companhia?

Outros exemplos:

“Todas as crenças se confundem neste fim de século sem elas” [“A Semana”, Gazeta de Notícias, 19 de março de 1893].

“Pode dizer-se que o nosso movimento literário é dos mais insignificantes possíveis. Poucos livros se publicam e ainda menos se leem […] [“Comentários da Semana”, Diário do Rio de Janeiro, 24 de março de 1862].

“[…] As instituições existem, mas por e para 30% dos cidadãos. Proponho uma reforma no estilo político. Não se deve dizer: “consultar a nação, representantes da nação, os poderes da nação”; mas – “consultar os 30%, representantes dos 30%, poderes dos 30%”. A opinião pública é uma metáfora sem base; há só a opinião dos 30%. Um deputado que disser na Câmara: “Sr. Presidente, falo deste modo porque os 30% nos ouvem…” dirá uma coisa extremamente sensata. [“História de Quinze Dias”, Ilustração Brasileira, 15 de agosto de 1876].

E uns conselhos (carapuças que caem bem a escritores e jornalistas, mas não só):

“A primeira condição de quem escreve é não aborrecer”. [“Ao Acaso”, Diário do Rio de Janeiro, 10 de março de 1864].

“Se és feliz, escreve; se és infeliz, escreve também”. [“Ao Acaso”, Diário do Rio de Janeiro, 22 de novembro de 1864].

“Estilo, meus senhores, deitem estilo nas descrições e comentários; os jornalistas de 1944 poderão muito bem transcrevê-los, e não é bonito aparecer despenteado aos olhos do futuro” [“A Semana”, Gazeta de Notícias, 13 de janeiro de 1895].

Até quando seguirá Machado sendo atual?

8 de fevereiro de 2018

“A vida tá pouca e eu quero muito mais”

O cantor Marconi Rezende. Foto: Anfevi Criação e Fotografias

Marconi Rezende comanda amanhã (9), a partir das 19h, o Bloco do Prazer, baile de carnaval batizado pela música de Moraes Moreira e Fausto Nilo, cujo verso “muito mais que o som da marcha lenta” é o slogan.

Mais conhecido por suas interpretações do repertório de Chico Buarque, Marconi Rezende, em entrevista exclusiva a Homem de vícios antigos, adianta o repertório da festa: “Não vão faltar as canções clássicas de carnaval, não só as marchinhas tradicionais, de salão, que vão ser executadas, uma boa parte só de forma instrumental pela banda. Eu vou cantar algumas delas, O teu cabelo não nega [de Lamartine Babo, João Victor Valença e José Raul Valença], Alá-lá-ô [de Haroldo Lobo e Nássara], as tradicionais, como a própria música que dá título à festa, Pombo correio [de Moraes Moreira, Dodô e Osmar Macedo], Coisa acesa [de Fausto Nilo e Moraes Moreira], Balancê [de João de Barro e Alberto Ribeiro]. Tem canções que eu adaptei para o carnaval, Proibida pra mim [do grupo Charlie Brown Jr., regravada por Zeca Baleiro] fica muito boa em levada de frevo, algumas canções de Chico eu adaptei, outras canções do rock nacional, como Exagerado, do Cazuza [parceria com Ezequiel Neves e Leoni]. [O baile] Tem uma característica de adaptação. Vou cantar umas de Zeca Baleiro e de outros maranhenses”.

Pergunto-lhe se a inauguração do Clube do Chico [Rua Uirapuru, 17, Calhau; entrada do Grand Park, primeira à esquerda], que abriga a festa de amanhã, melhora as perspectivas para produções dele e de artistas com quem mantém relações. “A intenção é essa, está sendo. Inauguramos, ainda é uma fase de observação, existem questões como a vizinhança, é uma área residencial. As perspectivas são sem dúvidas de melhoras, para mim e outros artistas, a intenção é juntar”.

A inauguração do Clube do Chico aconteceu com um show em homenagem aos 76 anos que a cantora Nara Leão teria completado no último dia 19 de janeiro, com a atriz Gisele Vasconcelos – que a interpretou em João do Vale – O musical, no Teatro Arthur Azevedo, no fim do ano passado. Marconi aponta para o futuro e anuncia produções que a casa receberá em breve. “O Clube do Chico é essencialmente Chico Buarque, mas não é uma coisa fechada, não é um Chico hermético [risos]. É um referencial, para outras coisas musicais que fazem parte de um contexto daquilo que eu acredito. Muita coisa pode caber no Clube do Chico. Minha intenção para essa fase atual é poder desenvolver projetos. Já temos algumas coisas quase agendadas, como por exemplo Zé Renato, praticamente fechado, para fazer em março, estamos acertando com Paulinho Pedra Azul”, revela.

No musical em que Gisele Vasconcelos interpretou Nara Leão, Marconi Rezende debutou no teatro: interpretou Chico Buarque e outros seis papéis. Pergunto-lhe sobre a experiência. “Foi exatamente essa palavra: uma experiência. Eu entrei como uma cobaia. Não que tenham me feito de cobaia, mas meu coração me fez sentir assim. Me entreguei às cegas a um negócio novo. Novo entre aspas, interpretar no sentido teatral é uma novidade, mas não deixa de ser algo que já estava vislumbrado na minha mente. Ao interpretar canções de fora da nossa realidade, a gente se transporta. Dessa forma, quando eu entrei, quando eu me inscrevi, a minha intenção era fazer Chico Buarque e cantar, somente. Mas o diretor me deu seis papéis, acho que ele queria que eu desistisse [risos]”.

Mas tu és motense ou só teu personagem?, pergunto-lhe, lembrando de uma cena ao final do musical, em que ele aparece trajando a camisa do rubro-negro maranhense. “Eu sou MAC [risos]”.

No Bloco do Prazer Marconi Rezende (voz e violão) será acompanhado por Adriano Cortez (trombone), Cláudio Lima (sax), Fernando Japona (contrabaixo), Ribão (bateria) e Ronaldo Rodrigues (bandolim). A noite terá ainda a discotecagem de Vanessa Serra. Os ingressos custam R$ 30,00. Reservas antecipadas podem ser feitas pelo telefone (98) 99988-9186.

6 de fevereiro de 2018

Suave, excitante, empoderada e livre

Estas quatro palavras figuram nos agradecimentos que a baiana Marcia Castro faz no encarte de Treta [Joia Moderna, 2017], quarto álbum de sua carreira, o mais diferente entre todos.

A baiana é uma das vozes mais interessantes surgidas na música popular brasileira deste início de século – estreou em disco em 2007, com Pecadinho –, e quando falo em “voz” não me refiro exclusivamente a timbre, mas à persona artística como um todo, ao conjunto da obra.

Dizer, portanto, que Treta é o mais diferente entre seus álbuns, é dizer antes de tudo que Marcia Castro nunca fez um disco igual ao outro, mas, além disso, é dizer que é e se percebe artista – e mulher – livre para fazer o que quiser, como a protagonista de Ela é pan (Marcia Castro/ Marcos Vaz/ Rafa Dias/ Oz/ Chibatinha/ Raoni): “vou dar a letra/ a mina que chegou na parada/ não sabe se quer homem ou gata/ só quer ser o que é”, apresenta.

Livre para fazer um disco mais autoral – sozinha ou em parceria, assina seis das 10 faixas – e posar (para o fotógrafo Gui Paganini, sob direção do ítalo-brasileiro Giovanni Bianco) em ensaio sensual em preto e branco no encarte, sem tirar o foco da música. Alicerçado nas bases eletrônicas (beats, synths e arranjos) de Marcos Vaz, é um disco que certamente incomodará puristas de plantão.

É o disco mais feminista de Marcia Castro, com o repertório inteiramente voltado às liberdades da mulher, sem soar panfletário.

Marcia Castro não é de meias palavras, metáforas ou eufemismos. Os recados são claros, as mensagens explícitas. Em Noites anormais (Rafa Dias), que abre o disco: “esse seu balanço é de matar, maluca/ vem cá, não me faz pirar/ eu já tô na tua/ basta tu se entregar”. Na seguinte, Vulgar (Marcia Castro), que tem trecho da letra em inglês (e versão remix fechando o disco): “quero sua pele/ em minha pele/ quero sua boca/ tão vulgar/ vai ser assim/ que seja/ não tem ninguém/ tem pra ninguém/ só tu e eu aqui sentadas/ nesse mesmo sofá”.

Desce bum (Rafa Dias/ Oz/ Chibatinha/ Raoni), com percussão de Gustavo Di Dalva, flerta desbragadamente com a axé music: “ó menina linda/ favor não se esqueça/ pega na cintura/ pega na cabeça/ (…)/ desce assim sem vergonha/ desce bumbum”. Em Boneca (Marcia Castro/ Luciano Salvador Bahia) e Tensão (Marcia Castro/ Rafa Dias/ Oz/ Chibatinha/ Raoni), histórias de amores (marginais?), ambas emolduradas pela guitarra de Juninho Costa e percussão de Gustavo Di Dalva. “Na sua dança febril/ ela me impõe um compasso/ o que eu faço e não faço?/ não sei o que quer de mim/ mas sou do tipo que quer/ o que pro mundo é bagaço”, começa a letra da primeira; e “o meu cabelo duro/ desejo me domina/ senti um batimento forte/ me jogou pra cima”, a da segunda.

“Cada disco brota de um jeito. Esse surgiu da vida. Da minha vida”, entrega Marcia Castro também nos agradecimentos. E continua: “De histórias pessoais. De encontros, almas, acertos, desacertos. De tudo que nos torna demasiadamente humanos”.

Treta virou sinônimo de discussão, em geral infrutífera, sobretudo nas redes sociais. Intitulando este disco, ganha outro significado, com temas importantes trazidos à tona, embalados em uma guinada musical ousada de Marcia Castro. Quem não arrisca, não petisca, diz o dito popular.

Veja o clipe de Baba no quiabo (Ava Rocha/ Gui Calzavara/ Mariana de Moraes/ Luciano Salvador Bahia/ Marcia Castro), performado por Aretha Sadick e dirigido pelo DJ Zé Pedro:

5 de fevereiro de 2018

Mais que uma declaração de amor ao cinema

A forma da água. Frame. Reprodução. © 2017 Twentieth Century Fox Film Corporation

Antes de tudo, A forma da água [The shape of water, 2017], de Guilhermo del Toro, é uma declaração de amor ao cinema. Pelas qualidades próprias do filme – elenco, roteiro (Guilhermo del Toro e Vanessa Taylor), fotografia (Dan Laustsen) e trilha sonora (Alexandre Desplat), coalhada do jazz de nomes como Benny Goodman e Glenn Miller, impecáveis – e pelas várias citações que aparecem ao longo das duas horas da trama – que se passam sem que percebamos.

Para começo de conversa, é difícil classificar A forma da água. Estão ali elementos de comédia romântica, thriller, policial, aventura, cinema mudo (como a protagonista), fábula e musical.

Conta a história de Elisa (Sally Hawkins, em destacada atuação), faxineira de um laboratório americano em plena Guerra Fria, que acaba se apaixonando por um estranho ser (Doug Jones), uma bela espécie de homem-peixe, criatura fisgada em águas amazônicas, onde era tratado como um deus pelo povo do lugar. A criatura começa a ser estudada a fim de ser usada na corrida espacial – os russos (no meio disso tudo há um espião) já haviam colocado um cachorro em órbita.

Eis o mote para o desenrolar da trama. Elisa é uma garota simples. Muda, ajuda Giles (Richard Jenkins) um vizinho pintor, homossexual e seu confidente – e também a voz do narrador que aparece aqui e acolá. Enquanto ele pinta e conversam, a televisão em preto e branco está sempre ligada em musicais.

Os apartamentos em que moram, localizam-se sobre o Orpheum, um decadente cinema de rua, enorme, que já não angaria espectadores para suas sessões, mas que segue firme graças à paixão (e teimosia) de seu proprietário. Em uma das cenas os funcionários estão colocando os nomes dos filmes que entrarão em cartaz: A história de Rute [filme de Henry Koster, de 1960] e As noites de Mardi Grass [de Edmund Goulding, de 1958].

O filme homenageia O monstro da lagoa negra [de Jack Arnold, de 1954, também protagonizado por uma estranha criatura]. Há várias outras, mas identifiquei citações a Bonanza, Mr. Magoo, Cinderela, Uma noite no Rio [de Irving Cummins, de 1941, que abre com Carmen Miranda interpretando Chica chica boom chic (Harry Warren/ Mack Gordon)], A mascote do regimento [de David Butler, de 1935, a cena do sapateado na escada, que Elisa e Giles imitam batendo os pés no chão], além da dupla Fred Astaire e Ginger Rogers, na cena em preto e branco em que Elisa e a criatura dançam, quando A forma da água se transforma mais especificamente em um musical.

A melhor amiga de Elisa é a colega de trabalho Zelda (Octavia Spencer), que comete pequenos delitos como fumar em local proibido (fora do alcance da vigilância das câmeras de segurança) e não hesita em embarcar na aventura da amiga.

De forma hábil, ao ter como protagonista uma criatura quase humana, A forma da água discute temas demasiadamente humanos como crueldade, racismo, machismo, misoginia, homofobia, intolerância, hierarquia (sobretudo a militar; o coronel Strickland, interpretado por Michael Shannon, é uma caricatura com fortes traços de outros temas desta lista), entre outros. Quem são mesmo os monstros?

A forma da água deve levar, merecidamente, diversas estatuetas do Oscar para casa – foi indicado em 13 categorias [Filme, Diretor, Atriz (Sally Hawkins), Roteiro original, Ator coadjuvante (Richard Jenkins), Fotografia, Atriz coadjuvante (Octavia Spencer), Direção de arte, Figurino, Edição, Trilha sonora, Mixagem de som e Edição de som]. O filme é uma celebração ao respeito às diferenças e ao amor, sobretudo o amor ao cinema, mas não só. Perceberá quem tiver olhos – e coração – para ver.

Assista ao trailer:

5 de fevereiro de 2018

Criolina lança clipe antecipando o carnaval

O carnaval vem aí e o Criolina solta novo videoclipe na rede. A menina do salão (Alê Muniz/ Luciana Simões) ainda nem esfriou e eles já saem com Bota pra moer (Celso Borges/ Alê Muniz/ Luciana Simões), música que batiza o bloco (ou vice-versa?) que o casal Alê Muniz e Luciana Simões comandará na segunda-feira de momo (12).

O nome do bloco homenageia Bota pra moer, um dos “doidos antológicos” de São Luís, catalogado pelo saudoso e múltiplo Lopes Bogéa no igualmente antológico Pedras da rua [Sioge, 1988]. Antonio Lima, seu nome de pia, pernambucano de Caruaru, viveu na capital maranhense, onde protagonizou histórias hilárias. Era hábil em matemática, conseguindo dizer, de cabeça, em poucos segundos, quantos dias, meses e anos a pessoa tinha vivido até ali, a partir de sua data de nascimento. Outra habilidade sua era ler naturalmente um jornal. De cabeça pra baixo.

Mas folclórica mesmo ficou a história de quando se tornou porta-bandeira da famosa Greve de 51. São Luís ficou paralisada pela revolta popular contra a posse do governador Eugênio Barros. Bota pra moer puxava o bloco dos descontentes até o Palácio dos Leões, quando viu o aglomerado de policiais montados a cavalo e passou a bandeira a quem estava a seu lado, dizendo: “até aqui eu trouxe. Daqui pra frente, vocês arranjem um mais doido do que eu”.

O novo clipe do Criolina antecipa o clima do que o bloco promete para este carnaval. Bota pra moer, o bloco de Alê Muniz e Luciana Simões não é oportunista: o casal tem balançado o coreto desde que optou por viver em São Luís e produzir a partir daqui, dando uma contribuição fundamental para a organização e a profissionalização da cena musical, com o advento do Festival BR 135, produzido anualmente por eles. Homenageia uma figura folclórica da cidade. Garante o diálogo multicultural durante a folia, algo já destacado no carnaval recifense e inaugurado cá por estas plagas ano passado com o Bloco do Baleiro, sucesso absoluto de público e destaque incontestável do reinado de Momo de ano passado. E realizaram dois ensaios abertos e gratuitos do bloco, na Avenida Beira-Mar, no Centro da cidade.

“Queremos circo, queremos pão/ queremos a libertação”, começa a letra, que traz também a epígrafe da Akademia dos Párias: “loucos somos todos em suma/ uns por pouca coisa/ outros por coisa alguma”. E para não esquecer que o carnaval é também um momento político: “vai querer, vai querer/ bota pra moer/ vai querer, vai querer/ pra gente poder/ sem temer sem temer sem temer”, segue a letra, entre explícita e sutil.

Para o corredor da folia, o Criolina terá como convidados a Bateria da Favela do Samba, o bloco Fuzileiros da Fuzarca, a cantora Rosa Reis e o DJ Pedro Sobrinho, além da participação especial a cantora Elza Soares, entre o estrondoso sucesso de A mulher do fim do mundo [2015] – uma das faixas é intitulada Pra fuder (de Kiko Dinucci, de algum modo antecipando o diálogo com Bota pra moer) – e as gravações de Deus é mulher, novo disco que lançará este ano.

Para o videoclipe, o Criolina contou com as participações especiais de Rosa Reis, Lucas Santtana (que participaram do BR 135 ano passado), Chico César e Zeca Baleiro (que animaram o Bloco do Baleiro ano passado), acompanhados de João Simas (guitarra), Sandoval Filho (teclado) e Thierry Castelo (bateria). A direção do clipe é de Arthur Rosa França, com imagens (em São Luís) de Laila Razzo e direção de estúdio de Rovilson Pascoal (em São Paulo) e Alê Muniz (em São Luís).

Assista o videoclipe de Bota pra moer (Celso Borges/ Alê Muniz/ Luciana Simões):

4 de fevereiro de 2018

Hilário e comovente

Goste-se ou não do ABBA, o grupo sueco está nos escaninhos da memória coletiva mundial: basta tocar um de seus hits no rádio para fazermos uma viagem particular no tempo, lembrando da infância, dos discos que nossos pais ouviam, ou de versões como Fernando, sucesso no Brasil com a paraguaia Perla.

É a este universo que nos conduz Mamma Mia!, “o musical baseado nos hits do ABBA”, como anuncia o programa. A peça tem direção musical de Paulo Cardoso, direção geral de Josué da Luz e coreografia de Rebeca Carneiro.

Com grande elenco – são 26 atores no palco – a Vertu Casa de Artes, após êxitos de público com A bela e a fera (três sessões esgotadas no Teatro Arthur Azevedo em 2015) e A família Adams (duas em 2016), encenou ontem (3), também para um TAA lotado, o musical com composições de Benny Andersson e Björn Ulvaeus – a metade masculina do ABBA, autores dos hits do roteiro. O grupo que se completava com Anni-Frid Lyngstad e Agnetha Fältskog, sendo o nome do grupo um acrônimo com as iniciais dos nomes de seus integrantes –, e versão brasileira de Claudio Botelho para o libreto de Catherine Johnson, já adaptado ao cinema em 2008, com direção de Phyllida Lloyd e Meryl Streep no papel de Donna Sheridan.

São duas horas de espetáculo, em dois atos, com a memória afetiva passeando por versões em português (são raros os números cantados na língua original) de sucessos radiofônicos como I have a dream, Honey, honey, Money, money, money, Chiquitita, Dancing queen, S.O.S., The winner takes it all e Waterloo, além da música que dá nome ao espetáculo, entre muitas outras.

Entre os números musicais costura-se a trama da comédia, de não poucos momentos de gargalhadas gerais: Sophie (Lara Sabbag), de 20 anos, mora com a mãe, Donna Sheridan (Jéssica Monteiro), dona de um pequeno hotel nas ilhas gregas, onde se passa toda a história. Lendo o diário da mãe, descobre que esta teve relacionamentos com três homens – Sam Carmichael (Leonardo Fernandes), Bill Austin (João Carvalho) e Harry Bright (Nestor Fonseca) – e, por conta própria, convida os três para seu casamento, a fim de descobrir qual deles é seu pai e ser levada até o altar.

Também merecem destaque as atuações hilariantes de Kerlys e Bricia Queiroz, que interpretam Tanya e Rosie, amigas de Donna, com quem tiveram uma banda na juventude, além dos Pedros Monteles (Sky, noivo de Sophie) e Danilo (Pepper, empregado do hotel de Donna).

Entre as angústias em torno da descoberta da paternidade de Sophie, muitas lembranças do passado vêm à tona, nesta comédia romântica que emociona e faz sorrir – nunca em doses pequenas.

Serviço

A Vertu Casa de Artes apresenta hoje (4), às 19h, no Teatro Arthur Azevedo (Rua do Sol, Centro), a última sessão de Mamma Mia! Os ingressos, à venda na bilheteria do teatro, custam entre R$ 25 e 40.

1 de fevereiro de 2018

Lições de um guará

2017 foi um ano de descobertas para Cláudio Lima. Artista sempre apontado como cantor talentoso, revelou-se compositor ao assinar, sozinho ou em parceria, a metade das faixas de Rosa dos ventos, seu terceiro disco. O ano que findou revelou ainda outra faceta de Cláudio Lima: a de escritor, autor do infanto-juvenil Esplêndido: o guará que não conseguia ficar vermelho [Gwará/ Sesc/ Oca/MA, 2017, 48 p.], ilustrado por Rosiane Bastos.

Claudio Lima não coloca no papel algo ouvido da tradição oral, nem reconta uma lenda ou algo que o valha. Ele parte de um argumento original e seu livro debate questões urgentes e fundamentais, todas pautadas em direitos humanos, como a preservação do meio ambiente, sabedoria indígena, solidariedade, bullying, igualdade, amizade, adoção, alimentação adequada etc.

Livro para ser lido por crianças de todas as idades, com o perdão do clichê, Esplêndido conta a história de um guará que é muito mais que um guará que não conseguia ficar vermelho. É a história de um guará que cai do ninho ao nascer, se perde de sua família original, se afeiçoa a um caranguejo chama-maré (base da alimentação da espécie) e é adotado por uma siricora.

Fábula de formação – acompanha os passos do guará do nascimento aos ensinamentos que nos deixa ao longo da leitura –, sua moral vem em forma de poesia, com referências sutis (à cantora Maysa, rainha da fossa, gênero a que Cláudio Lima já dedicou um disco) ou escancaradas (à poeta Cora Coralina, que empresta o nome à Siricora Coralina, mãe adotiva de Esplêndido).

O quanto temos em comum com o protagonista, muitas vezes querendo ser isto ou ter aquilo sem entender o sentido de determinadas buscas?

“Às vezes a gente tenta maquiar os problemas, achando que as aparências são o mais importante. Se tu quer uma transformação, ela tem que vir de dentro”, ensina-lhe/nos Pedro Bó, um macaco amigo. “Tu realmente acreditas que só os pássaros vermelhos são felizes? A felicidade tem tantas cores!”, disseram-lhe/nos árvores e nuvens em uníssono durante um sonho.

Viva a diversidade!, outro tema abordado por Cláudio Lima em seu livro de estreia, recheado de ensinamentos, longe da autoajuda que costumeiramente vira best-seller. Aquela voz (das nuvens e árvores no sonho), volta a se pronunciar: “às vezes o mundo com suas provocações te deixa desamparado e buscas alguma ilusão que te cega e deixas de tirar proveito da tua própria angústia. Vou te dar apenas dois conselhos: 1. Busque o amor dos outros do jeito que eles te sabem amar e retribua; 2. Busque conhecimento em todos os lugares onde tiveres acesso. Assim tuas dúvidas poderão transformar-se em sabedoria”.

Vale usar o próprio título do livro para elogiá-lo?

31 de janeiro de 20181 de fevereiro de 2018

Conflitos maranhenses

Com grata satisfação, vi hoje (31), mais uma vez, o Cine Praia Grande (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande) lotado para a exibição de mais um documentário produzido no Maranhão. Desta vez, Em busca do bem viver, com roteiro, edição e direção de Murilo Santos, papa do cinema documental maranhense, tendo sido mesmo um de seus pioneiros. O filme foi realizado por encomenda das Pastorais Sociais do Maranhão, braços sociais da Igreja Católica.

O filme remonta à 12ª. Romaria Estadual da Terra e das Águas, realizada em Chapadinha/MA, em 2015. Este é o ponto de partida para um passeio nada agradável por todo o Maranhão, em todas as suas regiões. Situações de conflito e luta pela terra, com a batalha desigual de comunidades contra o capital, seja o agronegócio, as irmãs mineração e siderurgia ou a exploração de gás, entre outras.

Em busca do bem viver traça um panorama do Maranhão desde que grandes projetos começaram a se instalar no estado – por exemplo o Projeto Grande Carajás, com a estrada de ferro homônima –, sob as bênçãos da Lei Sarney de Terras, promulgada pelo governador de plantão, que não à toa dá nome à lei, que acabaria por transformar a zona rural do Maranhão numa terra sem lei, gênese de grande parte das questões que sobreviveriam às décadas seguintes.

Perpassa ainda as histórias de mártires como Flaviano Pinto Neto, liderança da comunidade quilombola de Charco, em São Vicente Férrer, ou Elias Zi, liderança sindical do município de Santa Luzia, ambos assassinados a tiros, em 2010 e 1982, respectivamente. Este, tema do documentário curta-metragem Quem matou Elias Zi? (1986), de Murilo Santos, o que o torna uma autoridade em se tratando de conflitos agrários – e do uso do cinema como ferramenta de documentação e denúncia – no Maranhão, sendo autor de pelo menos mais um filme fundamental sobre o assunto: o clássico Bandeiras verdes (1988), narrado por Paulo César Pereio.

Por falar em narração, quem empresta a voz aos relatos de Em busca do bem viver é a cantora Lena Machado, que divide o tempo entre a carreira artística e o Secretariado Executivo na Cáritas Brasileira Regional Maranhão. Na trilha sonora, o filme de Murilo Santos une Joãozinho Ribeiro, compositor cuja vida e obra são marcadas pela denúncia de arbitrariedades, e Zé Vicente, poeta popular fortemente ligado ao catolicismo.

No entanto, nem tudo é tragédia ao longo dos 52 minutos de Em busca do bem viver. Estão postas ali as estratégias de resistência, avanços e a conquista da terra e de direitos de algumas comunidades. Que, como de resto o próprio filme, sirvam de exemplo para a continuidade das lutas das demais.

Serviço

O dvd Em busca do bem viver pode ser adquirido nas sedes da Conferência Nacional dos Bispos do Brasil (CNBB) Regional Nordeste 5 (Rua do Rancho, Centro), Cáritas Brasileira Regional Maranhão (Rua do Alecrim, 343, Centro), Conselho Indigenista Missionário (Cimi/MA, Rua do Pespontão, 99, Centro) e Comissão Pastoral da Terra (CPT/MA, Rua do Sol, Centro), em São Luís/MA.

30 de janeiro de 2018

O poder transformador

Mulheres que transformam a ilha. Cartaz. Reprodução

A estreia do documentário Mulheres que transformam a ilha lotou duas sessões no Cine Praia Grande (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), na noite de hoje (30). Não é pouca coisa.

Temas urgentes, empoderamento, autonomia e protagonismo femininos são levados à tela de maneira didática, com pitadas de bom humor e muita sabedoria: em um filme majoritariamente feito por mulheres, as mulheres têm vez e voz.

Filme feito por mulheres, mas não (apenas) para mulheres: nós, homens, temos muito o que aprender ali. O documentário de 32 minutos é tecido a partir das percepções e falas de empreendedoras sociais que atuam em São Luís, em diversos segmentos.

“Ser mulher e ser negra é ser vista por dois véus: o véu do machismo e o véu do racismo”, aponta, de cara, uma das entrevistadas. Outra comenta o risco pedagógico da desistência: se uma empreendedora desiste, não está apenas desistindo, pode estar fazendo outras mulheres desistirem, deixarem de acreditar em seu potencial. “Eu estou com 66 anos, eu faço o que eu quero, o que eu gosto, eu me governo”, afirma outra.

Há relatos tristes, como o de uma mulher, em um município do interior do Maranhão, que foi impedida pelo marido de continuar em uma atividade nos moldes das reveladas pelo filme, pois isto estaria prejudicando os afazeres domésticos. O equilíbrio na divisão de tarefas advogado pela representante da ONU entrevistada poderia resolver essa questão, realidade infelizmente ainda mais comum do que se imagina.

Mulheres que transformam a ilha tem direção e roteiro de Monique Moraes, bacharel em Administração pela UFMA. A equipe técnica do filme se completa com Quilana Viégas (fotografia), Ingrid Barros (fotografia) e Luiza Fernandes (edição e roteiro).

A exemplo das mulheres, negócios e histórias trazidos à tela, Mulheres que transformam a ilha envolveu uma rede de colaboradores para sua realização, incluindo parcerias. A TV Assembleia (uma das parceiras) deveria exibi-lo, ampliando seu alcance (o filme será disponibilizado no youtube, no canal Su casa, mi causa), pois é um filme que merece ser visto por mais gente.

Veja o teaser:

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