No labirinto da memória (em um país sem memória)

Tássia Dur e Cláudio Marconcine em cena de Ensaio sobre a memória. Foto: divulgação

 

Uma peça de Marcelo Flecha não é apenas uma peça, ou ao menos não pode ser reduzida a mero entretenimento. Mas isto nem de longe deve afastar o espectador da sede da Pequena Companhia de Teatro (Rua do Giz, 295, Praia Grande), em cujo palco estreia nesta quarta-feira (1º. de maio), às 19h, o espetáculo Ensaio sobre a memória – a temporada fica em cartaz até 6 de maio (sexta e sábado às 19h e 21h); ingressos: R$ 30,00 (meia: R$ 15,00). Serviço completo no cartaz ao final do post.

Não é mero entretenimento nem para a plateia e menos para o grupo, que faz jus ao nome apenas no número de integrantes: quatro atores em cena mais o diretor, que também cumpre os papéis de autor do texto da peça, sonoplasta e iluminador. O trabalho começa já na adaptação: depois de Franz Kafka e Gabriel García Marquez, Flecha agora transmuta Jorge Luis Borges do livro ao palco. É A outra morte, conto do argentino, o ponto de partida do novo espetáculo do conterrâneo, radicado no Maranhão há mais de 40 anos.

Ensaio sobre a memória tem pouco mais de uma hora de duração e quem conhece o conto original se perguntará como é que o dramaturgo preenche tanto tempo a partir de um conto tão curto. Mas quem conhece a obra de Flecha logo sabe que ele elimina qualquer possibilidade de comparação, algo do tipo “o conto é melhor que a peça?” ou vice-versa.

O conto foi publicado em O Aleph, de 1949. A adaptação de Flecha o traz a um tempo não definido, mas cujo resultado soa atual, num momento em que revisionistas querem negar ou atenuar as ditaduras militares brasileiras ou negar-lhes seus efeitos.

São três atores em cena – Cláudio Marconcine, Lauande Aires e Tássia Dur, mais as participações ligeiras de Kátia Lopes –, todos enormes, dando voz a uma crise de consciência de um escritor que, a partir do desejo de escrever sobre episódios de tortura ocorridos durante a ditadura militar argentina – vizinha de geografia e crueldade da brasileira de 1964 – enfrenta vários dilemas, a começar por sua legitimidade para tratar do assunto, tendo em vista que não foi vítima direta do regime (de crimes contra a humanidade todos somos vítimas de algum modo). Nós, espectadores, passeamos pelo labirinto mental de um escritor-pesquisador em conflito consigo mesmo e com duas versões da mesma história (memória, invenção ou esquecimento?).

Texto e interpretações brutais, cruéis, precisos, mas carregados de ironia e cerzidos por certa delicadeza. O debate sobre a memória está posto, urgente e necessário em um momento em que o governo brasileiro dificulta a identificação de corpos de vítimas de um Estado que nunca fez seu dever de casa quanto ao tema.

Ensaio sobre a memória é literalmente uma obra de arte que nos leva a refletir sobre o estado de coisas a que chegamos no Brasil justamente por não termos acertado as contas com o passado: teria o então deputado Jair Bolsonaro dedicado seu voto na sessão da Câmara Federal que deliberou pelo impeachment da presidenta Dilma Rousseff a Carlos Alberto Brilhante Ustra, notório torturador, se agentes da repressão (leia-se assassinos) tivessem sido punidos?

Uma das lições da peça de Flecha é que a memória precisa, além de ser preservada, construída: quem não viveu determinado período, precisa aprender sobre ele. Urgente, necessária e certeira, Ensaio sobre a memória ensina e leva a refletir. É tudo de que não querem sequer ouvir falar os ditadores de plantão.

Ensaio sobre a memória. Cartaz. Reprodução

Poesia no meio do expediente

Filarmônica para fones de ouvido. Capa. Reprodução

 

Jornalista de reconhecida elegância no texto, com atuação no mercado publicitário, Félix Alberto Lima, firmado também no universo da poesia, lança hoje (25), às 19h, em noite de autógrafos na Livraria da Associação Maranhense de Escritores Independentes (Amei), no São Luís Shopping, o livro Filarmônica para fones de ouvido [7Letras, 2018, 113 p.; R$ 38].

Seu livro anterior, O que me importa agora tanto [7Letras, 2015], trazia ecos de Paulo Leminski, sobretudo os poemas mais curtos e bem humorados, uma das marcas do curitibano – que também atuou no mercado publicitário.

Os universos se misturam, carregados de referências, na obra que Félix Alberto Lima constrói, em constante evolução. Estão lá Bob Dylan, o balé Bolshoi, Led Zeppelin, The Police e a Movelaria Guanabara. O próprio Leminski comparece, com sua Dor elegante, transmutado em Backup: “sofrer/ será teu próximo post”.

O livro é organizado em 10 sessões, mas o autor não é um burocrata da poesia. Poemas essencialmente urbanos, versam sobre temas atuais. Oratório se insufla contra a homofobia: “ora/ tanto faz/ se a moça é rapaz”, finaliza.

Obituário, dedicado ao poeta Nauro Machado, começa: “desapareceu ontem/ das ruas do centro/ na cidade velha/ o poeta prateado/ com seu machado e lenha”, para arrematar lembrando o “cuspo azul tiquira” de seus dias embriagados.

Félix Alberto Lima sabe brincar/jogar (não à toa ambos os verbos têm a mesma tradução em inglês, o play com que se escreve playground) com as palavras, e em Cantiga de roda arma “a ciranda do poema”.

Tudo é combustível/conteúdo para sua poesia: “essa canção que toca no rádio agora”, o “primeiro bilhete deixado no guardanapo” (em Tudo era quimera), “aquele senhor/ na fila do banco” (Um gole de cinzano), “aquele mar ali/ que lança a cidade” (Mágoas de mar) e “uma névoa rara de saudade/ com cheiro de manga e solidão/ que vem de dentro das ladainhas” (A sombra das carpideiras).

No poema-título, Félix Alberto Lima rememora e celebra a tradição dos poetas-funcionários públicos a exercer o ofício da poesia em meio ao expediente na repartição, entre o prazer e o ganha-pão, a poesia como uma necessidade vital que não tem hora para acontecer.

*

Leia o poema-título:

FILARMÔNICA PARA FONES DE OUVIDO

no meio do expediente escrevo cartas
para desconhecidos que moram distante

componho meu primeiro rock inglês
e quase pinto um american gothic a guache

no meio do expediente ponho os fones
de ouvido e embarco na filarmônica de viena

carimbo ofícios na terça e ouço a voz de yoko
por entre as árvores no inverno do central park

entro e saio da comissão interna de prevenção
de acidentes de trabalho sem que ninguém me veja

leio as horas na estampa de um blusão de couro
e ainda não anoiteceu no sertão de nova iorque

é no meio do expediente que tiro férias
para não lembrar que moro longe das cartas

sou um desconhecido sincero de alma cigana
que vez por outra ronda o infinito da repartição

O bluesman brasileiro

Ao vivo 2. Capa. Reprodução

 

Quando completou 40 anos de carreira, em 2016, Edvaldo Santana colocou na rua o petardo certeiro Só vou chegar mais tarde, apontado pela crítica como o melhor álbum de uma carreira pautada pela coerência.

Alicerçado sobre o repertório daquele disco, mas também relendo faixas de trabalhos anteriores, Santana, acompanhado de uma verdadeira big band, subiu ao palco do Sesc Pompeia para um show memorável: eram 12 músicos em cena, incluindo o próprio Edvaldo (voz e violão) e a cantora Alzira E (vocais).

O show foi gravado e, antes tarde do que nunca, virou disco: Ao vivo 2 atesta que Santana é o grande bluesman brasileiro – embora disso já soubesse quem acompanha sua trajetória há algum tempo.

Filho de piauienses, nascido, criado e moldado artisticamente em São Miguel Paulista (lembrada em Ruas de São Miguel, parceria com Roberto Claudino, e Sou da quebrada), Edvaldo Santana é o artista brasileiro que melhor encarna o blues americano, sem abrir mão de sua brasilidade. Se Raul Seixas foi pioneiro ao mesclar rock com baião, Santana é a própria encarnação brasileira do blues. Gênero musical quase sempre associado à tristeza, a obra do bardo é pautada pela alegria, como canta em Quem é que não quer ser feliz, que fecha o disco ao vivo à guisa de bis.

Naipe de metais com o elegante reforço de uma tuba (de Eliezer Tristão, que também toca trombone), o show registrado em disco tem ainda o luxo de um gaitista exclusivo – isto é, não é um músico que toca outro instrumento e aqui e ali encara a gaita: Bene Chireia. A banda se completa com Ubaldo Versolato (clarinete e saxofone tenor), Claudio Faria (trompete), Gó (trombone), Reinaldo Chulapa (contrabaixo), Daniel Szafran (teclado), Leandro Paccagnella (bateria), Ricardo Garcia (percussão) e Luiz Waack (banjo e guitarra).

Mesmo os sambas de Santana têm inclinações blueseiras, casos de Gelo no joelho (parceria com Luiz Waack) e Dom, a primeira, autobiográfica, repassando a carreira de craque peladeiro em campos de várzea – outro talento do músico –; a segunda uma comovente homenagem a Sócrates, líder da democracia corintiana. Ambas, como se percebe, devotadas ao futebol, podendo fazer frente a qualquer clássico de Chico Buarque, Jorge Benjor ou Skank quando o assunto é o esporte bretão.

Citações explícitas ou implícitas em sua obra, aproximam-no também de Belchior, afinal de contas, outro bluesman de mão cheia. A Ao vivo 2 comparecem homenagens a parceiros, gente de seu convívio e ídolos. A título de exemplo, apenas em 40 figuram Beatles, Arnaldo Antunes, Ademir Assunção, Tom Zé, Paulo Lepetit, Matsuo Bashô, Haroldo de Campos e, entre outros, a banda Matéria-Prima, na qual começou a carreira, em 1976.

Cabral, Gagarin e Bill Gates (parceria com Ademir Assunção) perpassa evoluções tecnológicas e frustrações, também com citações sutis (por exemplo a Chão de estrelas, o clássico de Orestes Barbosa e Silvio Caldas) e O retorno do cangaço cita Antonio Conselheiro e Virgulino Ferreira da Silva, o Lampião, ao criticar a corrupção como instituição consolidada (e em pleno funcionamento) no Brasil.

O disco foi gravado em dezembro de 2016, poucos meses depois do impeachment da presidenta Dilma Rousseff, bem antes, portanto, das eleições, da chegada de Bolsonaro ao poder, e da propina de 40 milhões por deputado pela aprovação da reforma da previdência. O que demonstra que o blues de Edvaldo Santana é também afiado e antenado.

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Veja o clipe de Gelo no joelho (Edvaldo Santana e Luiz Waack):

“Vai-se o homem do baixo”

Facebook. Reprodução

 

Faleceu ontem (22) em São Paulo, vítima de um infarto fulminante, o músico Gerson da Conceição. Tinha 52 anos e deixa uma folha extensa de relevantes serviços prestados à música brasileira, em especial o reggae – entre muitos outros feitos fundou a banda Manu Bantu, referência no gênero.

Tocou em discos de, entre outros, Banda Black Rio, César Nascimento, Marquinhos Mendonça, Rita Benneditto e Zeca Baleiro, além de ter deixado parcerias com o duo Criolina (Alê Muniz e Luciana Simões) e os poetas Celso Borges e Fernando Abreu.

Assim se manifestou o último em uma rede social: “Tenho muita alegria de todas as minhas parcerias musicais. Todas elas me fizeram ir um pouco mais longe, me deram e me dão um pouco mais de gás. Entre elas, um cara que era pura energia chamado Gerson da Conceição. Agora ele se vai, de repente. Está acima de minha compreensão como a vida pode abrir mão de alguém como Gerson. Ele que transpirava vida, a pura vibe que emanava dos seus dreads antenados. Fica a alegria de tê-lo conhecido, construído algo com ele mas, acima de tudo, de saber que seu contrabaixo poderoso continuará eternamente açoitando a Babilônia. Gerson Vive!”.

“Faz tempo que não convivo com Gerson diretamente, desde que ele mudou pra Sampa. Mas meu carinho, admiração e respeito por ele permanecem intactos até hoje. Adoro a voz, as canções, a energia positiva, a paixão pela música e todo amor que ele sempre me passava. A morte é inevitável a todos nós, mas ela sempre nos surpreende e nos deixa assim, quase sem vida também, por que dói demais”, declarou a cantora Rita Benneditto, de quem o contrabaixista foi um dos primeiros Cavaleiros de Aruanda [banda que acompanhou a cantora].

Foram inúmeras manifestações de pesar e, ante a vitalidade e juventude, reações de surpresa com a notícia, nas redes sociais. O compositor Josias Sobrinho lembrou-se de um episódio pouco conhecido, de quando Gerson estava iniciando a carreira. “Era um cara super do bem. Conheço desde os tempos do [bar] Risco de Vida. Quando ele saía do trabalho no Banco Real passava por lá para dar uma canja com as primeiras levadas que fazia”, rememorou.

Ao receber a notícia em um grupo de whatsapp desconfiei: há alguns anos Gerson havia sofrido um AVC do qual escapou sem sequelas. Minha reação automática foi tentar contato com pessoas próximas a ele, na esperança de que me dissessem se tratar de alarme falso, boato, fake news, qualquer coisa… Infelizmente não era. Confirmada a notícia, pedi um depoimento ao jornalista e dj Otávio Rodrigues, amigo comum. No áudio enviado é possível perceber a voz embargada, o esforço em conter as lágrimas. A última vez em que eles se apresentaram juntos foi em São Luís, em 2015, no palco do projeto BR-135, no show Poesia Dub, que tem como frontman o poeta Celso Borges. A dose seria repetida na próxima Virada Cultural, em São Paulo, mês que vem. Infelizmente não deu tempo.

“Quando a gente se conheceu eu morava em São Luís, tinha acabado de chegar, e logo percebi esse músico, ele chamava atenção. Logo ele montou a banda Conexão Rasta, e eu tinha uma esperança de ver no reggae do Maranhão uma inclinação mais jamaicana, mais radioleira, e o baixo no reggae é uma coisa especial, um item essencial, e há modos de se tocar. O reggae engana muitas vezes, muitos músicos acham que é fácil, que são poucas notas etc., mas o baixo especialmente mostra que não e o Gerson logo chamou minha atenção nesse aspecto. Ficamos amigos, quis o destino que eu voltasse de São Luís para São Paulo, depois ele também, o que só fortaleceu nossa relação, a presença do Celso Borges aqui também. Eu e CB começamos o Poesia Dub, esse nosso projeto, e logo na primeira apresentação ao vivo a gente sentiu falta de uma coisa mais forte, um live p.a., uma coisa que funcionasse mais visualmente, tivesse mais peso, e o chamamos para participar, o que ele vinha fazendo desde sempre. Assim foi no Itaú Cultural, depois no Tim Festival. Trocamos mensagens semana passada, por conta dessa gig mês que vem, ele me veio com planos de inovação, que tinha umas bases novas para me mostrar, coisas que a gente podia desenvolver juntos até essa apresentação… “sim, sim, vamos, vamos”, me chamando no estúdio. Em suma vão ficar as incontáveis lembranças, das nossas baladas por aí, em São Luís, aqui em São Paulo, entre shows juntos – a gente sempre se contatava, “vamos lá juntos!”, um chamava o outro –, e as tardes e noites imensas e sem fim, que passamos juntos, eu, ele, ou eu, ele e CB, ensaiando, bebendo pinga, catuaba, música, alegria, risada e fumaça. Um músico espetacular e um bom gosto musical absurdo. Era sempre uma delícia sentar e ouvir música com ele. Fica aí o curso da vida pra nós que ficamos, essa saudade sem fim. Vai-se o homem do baixo e deixa a gente aqui chorando baixinho”, declarou o não à toa alcunhado Doctor Reggae.

O corpo de Gerson da Conceição será velado e sepultado em São Paulo.

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Relembre Down down, com a Manu Bantu:

Choro e Praia Grande: patrimônios nossos

Foto: Rose Panet

 

O Instrumental Pixinguinha se apresenta hoje (22), às 19h, no Restaurante Flor de Vinagreira, na Rua da Estrela, Praia Grande – o local é o antigo Antigamente e piadas internas em grupos de whatsapp acendem debates sobre o nome do bairro, tal qual citado, e o nome Reviver, pelo qual também ficou conhecido, desde um inacabado projeto de revitalização que já conta mais de três décadas.

Formado por professores da Escola de Música do Estado do Maranhão Lilah Lisboa de Araújo (Emem), vizinha de rua do restaurante, a ideia do Instrumental Pixinguinha é iniciar uma temporada, sentando praça no novo point todas as segundas-feiras – o Expoentes da Música, às quintas-feiras, no mesmo horário, com a dj Vanessa Serra, me parece já estar firmado.

O Pixinguinha é formado por Domingos Santos (violão sete cordas), João Neto (flauta), Juca do Cavaco, Nonatinho (pandeiro) e Raimundo Luiz (bandolim). O grupo toma emprestado o nome de Alfredo da Rocha Viana Filho, cuja data de nascimento (em 1897) foi transformada em Dia Nacional do Choro – pela lei federal nº. 10.000, de 4 de setembro de 2000, sancionada pelo então presidente Fernando Henrique Cardoso. No Maranhão, a lei 10.996, de 7 de dezembro de 2018, sancionada pelo governador Flávio Dino, institui o Dia Estadual do Choro, a ser celebrado na mesma data.

É, portanto, simbólica a data escolhida pelo Instrumental Pixinguinha para esta apresentação – que esperamos marcar o início de uma longeva temporada: poderá ser considerada a abertura de uma semana de comemorações do Dia Nacional e Estadual do Choro, que amanhã (23), às 19h, como já é tradição, terá grande festa, na Galeria Valdelino Cécio (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), sendo o grupo o anfitrião, mas com diversos convidados se apresentando ao longo da noite e a homenagem ao cavaquinhista Paulo Trabulsi – único remanescente da primeira formação do Regional Tira-Teima, mais antigo grupamento de choro em atividade no Maranhão.

A semana deve brindar chorões iniciados e neófitos com outras iniciativas, com palcos, grupos e instrumentistas distintos, atestando a relevância de São Luís como praça brasileira de choro, ao lado de cidades como Brasília/DF, Fortaleza/CE Recife/PE, Rio de Janeiro/RJ e Santos/SP, entre outras.

Que a estas iniciativas se somem outras, num esforço de preservação e ocupação do centro histórico ludovicense. Afinal de contas é sempre mais fácil e cômodo apenas reclamar, enquanto empresários optam por abrir negócios do outro lado da ponte e grupos por tocarem em locais mais chiques ou “blindados”. Choro e Praia Grande são patrimônios nossos e patrimônios não se fazem apenas com pedras, mas sobretudo com gente.

O canto forte, delicado, poético e político de Manu Saggioro

Clarões. Capa. Reprodução

 

Há 20 anos Ceumar estreava no mercado fonográfico com Dindinha, produzido pelo maranhense Zeca Baleiro. Agora é a vez de a mineira devolver a gentileza, assinando a direção artística e dividindo a produção musical com Manu Saggioro em Clarões [2019, distribuição: Tratore], disco de estreia da paulista.

Delicado como não poderia deixar de ser, com tal encontro, o disco é sensível ao tocar em temas de nossos tempos, como, por exemplo, o uso excessivo de tecnologia, sobretudo o telefone celular, em Um dedo de prosa (Levi Ramiro), cuja letra graceja, séria: “vai de cabeça baixa sem ouvir a ninguém/ sem olhar pros lados, parecendo quem/ tá no mundo da lua”.

Se Ceumar demorou a revelar-se talentosa compositora, Saggioro apresenta logo suas credenciais: sozinha ou em parceria assina seis das 14 faixas de Clarões – a faixa-título leva a assinatura de Tetê Espíndola e Tavinho Limma – inclusive Moda de viagem, parceria dela com Ceumar, que cantam juntas fechando o disco, sua beleza aproximando-a tematicamente de clássicos como A vida do viajante (Luiz Gonzaga/ Hervê Cordovil) e Cantiga do estradar (Elomar), mas por um prisma feminino: “essa é minha natureza/ viajar é minha cura/ andar solta e sem rumo/ liberta do que me anula/ sentindo pulsar nas veias/ a vida fluindo pura”.

As paisagens sonoras de Saggioro evocam a brejeirice mineira de Titane, ao canto pantaneiro de Tetê Espíndola e à música de protesto latino-americana, irmanando-a a nomes como Violeta Parra e Mercedes Sosa. Das primeiras, o disco é completamente permeado; das últimas, bons exemplo são Aguita (Ana Beatriz Pereira Rolando), cantada em espanhol, e Pachamama (Osvaldo Borgez) – “Terra, quem me dera contê-la, guardá-la/ no vaso de minhas mãos/ pudera, cuidava, zelava/ num bonsai, mas cabe não”, lamentam alguns versos urgentes.

Soma de tudo isso, Saggioro tem personalidade e é ótima instrumentista – toca os violões do disco, a cuja ficha técnica comparecem nomes como Adriana Holtz (violoncelo), Antonio Loureiro (bateria), Lelena Anhaia (contrabaixo), Webster Santos (violão, dobro, bandolim, banjo, cuatro venezuelano) e Ari Colares (percussão).

Saggioro presta também reverências a companheiras de ofício, registrando composições de mulheres que merecem ser mais gravadas, ouvidas e conhecidas, casos particularmente de Tata Fernandes (Graça) e Déa Trancoso (Só restarão as estrelas), ambas de talento indiscutível.

Disco de alma feminina mais que pela delicadeza, pelo conteúdo político que cerze seu tecido poético: “mais um morador de rua/ de um condomínio fechado/ quem compra contos de fada/ acaba em cantos de fado”, dispara em Cantos de fado (Levi Ramiro/ Carlinhos Campos), preci/o/sa em tempos de pós-verdade. Afinal de contas, “cadeia de pensamento/ serve pra libertar”, como canta em Graça.

Ouça a faixa-título:

Sebos unidos

Foto: Zema Ribeiro

 

Quando a Editora Autêntica começou a republicar a obra do monumental Campos de Carvalho (não confundir com o outro Carvalho, ideólogo de revisionistas), brincávamos, um grupo de amigos: éramos uma espécie de seita, descobrindo ou reencontrando a literatura do autor de Vaca de nariz sutil.

Íamos além, numa matemática maluca: se somos três leitores apaixonados por Campos de Carvalho em São Luís, isso faz da ilha a cidade brasileira com mais leitores do autor de A chuva imóvel. A equação é simples: a tiragem média de um livro no Brasil é de algo em torno de 3 mil exemplares, o que dá menos de um livro por cidade, pouco mais de meio.

E ríamos também de nossa própria falta de talento, já que talvez essa matemática tivesse alguma graça se proposta literariamente pelo próprio escritor de A lua vem da Ásia – ou Macedónio Fernandez (autor do Museu do romance da eterna).

Lembro da devoção ao mineiro Campos de Carvalho, de saudosa memória, por ocasião da inauguração, ontem (10), da 1ª. Feira do Livro Usado (vascaíno que sou, é melhor não inventar sigla), evento que acontece até amanhã (12), na Galeria Valdelino Cécio, no Centro de Criatividade Odylo Costa, filho (Praia Grande) – para quem não sabe, aliás, Valdelino e Odylo dois importantes escritores.

O acontecimento congrega diversos sebos que vêm configurando um corredor literário no centro da capital maranhense: estive na abertura, ontem, e por lá encontrei Natan Máximo, Riba da Feira da Tralha, Silvia do Paço Prosa e Arteiro – Riba do Poeme-se se somaria, me disseram.

Enquanto jogava conversa fora, tomava café cubano e amealhava exemplares, rato de sebo que sou, me deparei com a diversidade dos frequentadores, motivados pela paixão pelos livros, curiosidade e, às vezes, circulando por ali como quem não quer nada.

Certamente muitos dos passantes, quando acabar a Feira, voltarão a estes espaços em seus endereços fixos e eventos: sem periodicidade no Sebo do Arteiro e no Paço Prosa, às últimas quintas-feiras do mês no Poeme-se, e todo domingo na Feira da Tralha, um com discotecagem de vinil, outro com roda de choro ao vivo, alternadamente – a propósito, amanhã, na noite de encerramento da iniciativa, João Eudes (violão sete cordas) e Ronaldo Rodrigues (bandolim) se apresentarão.

Cumprimentei conhecidos, vi uma desconhecida catar um exemplar de bolso do On the road de Jack Kerouac, topei com um exemplar do Hemóstase de Bruno Azevêdo, volume de contos de que até então eu só ouvira falar, a primeira edição de O desatino da rapaziada de Humberto Werneck, uma conferência proferida por Josué Montello sobre o Arthur Azevedo contista e seu discurso de posse na Academia Brasileira de Letras, entre outros volumes de seus consagrados romances.

Eis uma das graças de sebos – e livrarias, em geral: entrar procurando uma coisa (ou nem procurando nada especificamente) e sair com várias coisas completamente diferentes e tudo bem, tudo certo. Aliás, ainda prefiro comprar livros e discos presencialmente, mais ainda conversando com alguém que entenda daquilo que está vendendo.

Em um tempo em que o desmonte da educação e da cultura é uma política pública do governo federal, não faltam motivos para visitar a 1ª. Feira do Livro Usado, ainda que São Pedro não colabore. É praticamente um ato de resistência.

Senti saudade de Moema de Castro Alvim, em cujo Papiros do Egito iniciei essa perambulação que espero que nunca termine.

A força das mulheres cantando o Brasil

Foto: Zema Ribeiro

 

São impressionantes a qualidade e o entrosamento da Orquestra Guajajaras, em atividade apenas desde agosto de 2018. O show apresentado ontem (9), no Teatro Alcione Nazaré (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), foi uma prova da vitória de um esforço coletivo que, embora recente, já mostra a que veio.

A Orquestra Guajajaras surge “da admiração pela consagrada formação instrumental das big bands e da paixão pela renovação estética empreendida pelas orquestras de baile brasileiras na primeira metade do século XX, das quais a Tabajara”, sua irmã de rima, “foi a mais conhecida e longeva”, em atividade até hoje – as aspas são do texto lido pelo mestre de cerimônias da noite, o cantor Fernando de Carvalho.

A Orquestra Guajajaras é formada por Ricardo Mendes, Emerson de Paula, Danilo Santos, Lucas Lima e Paulo Rafael (saxofones), Hugo Carafunim, Evandro Maia, Daniel Cavalcante e Gabriel Oliveira (trompetes), Elder Ferreira, Daniel Miranda, Adrian Ferreira e Sidney Diniz (trombones), Rafael Bruno (contrabaixo), Anselmo Rômulo (violão), Ronald Nascimento (bateria) e Wesley Sousa (piano).

A noite musical – dedicada inteiramente a repertório brasileiro – começou pela instrumental Brooklyn High (Nelson Faria), a única música que a orquestra tocou sem uma convidada no palco. O show chamava-se Orquestra Guajajaras e Elas e podia ser entendido como uma espécie de prolongamento das celebrações às mulheres pelo mês de março.

10 cantoras maranhenses de todas as gerações e timbres desfilaram um repertório impecável – difícil até elogiar pontos altos em uma apresentação que tampouco pode ser considerada uniforme diante das particularidades dos talentos de cada convidada. No fundo do palco, o telão exibia fotografias das cantoras e de outras grandes mulheres da história: Annah Harendt, Chiquinha Gonzaga, Janis Joplin, Malala Yousafzai, Maria da Penha, Maria Firmina dos Reis e Simone de Beauvoir, entre outras.

A primeira a subir ao palco foi Bruna Lussaray, que interpretou Maçã, de Djavan, o autor mais interpretado da noite, autor da peça seguinte, Açaí, interpretada por Adriana Bosaipo. Um problema técnico tirou o piano elétrico de Wesley Sousa de cena e enquanto isto se ajustava, ele continuou cumprindo seu papel de anunciar as próximas músicas e intérpretes, fazendo-lhes as devidas e merecidas referências e reverências.

A troca de elogios entre cantoras e orquestra era sincera. Elas eram unanimes em reconhecer a importância da iniciativa da orquestra e de o público prestigiar tal iniciativa – o Teatro Alcione Nazaré estava completamente lotado.

Após cantar Viagem de novembro (Erasmo Dibell), Regiane Araújo revelou o quanto foi difícil fazê-lo sem o piano de Wesley, que seria substituído na sequência. Ele chamou Anna Cláudia, paraense radicada no Maranhão há mais de 20 anos, recomendando: “ela tem um disco lindão no spotify, quem não conhece está pecando”, disse, referindo-se a Bons ventos, segundo disco da carreira da cantora, que interpretou Papel marché (João Bosco e Capinam).

Com o piano devidamente trocado, Wesley pode participar do momento seguinte, em que à sua exceção, todos os músicos da orquestra se retiram do palco e ele dueta com o violino de Thaynara Oliveira em Beatriz (Edu Lobo e Chico Buarque). “Ela sempre chora nessa música, vamos ver hoje”, provocou, mas ela aguentou firme, até seus agradecimentos.

Milla Camões arriscou uns passos de dança na síncope de Capim, de Djavan, cuja letra cita de raspão o “tronco do juremá” dO canto da ema de João do Vale (com Ayres Viana e Alventino Cavalcante), metáfora-síntese para as camadas descortinadas ao longo do espetáculo. Tudo isso antes de Gabriela Marques por toda sua exuberância à prova em Dindi (Tom Jobim e Aloysio de Oliveira), não perdendo o prumo nem na única (ligeira) microfonia da noite.

Ao revelar que a Orquestra Guajajaras está trabalhando em seu disco de estreia, antecipou que uma das faixas do repertório será Flanelinha de avião (Cesar Teixeira). Revelou ainda que não conhecia Milena Mendonça, tendo topado convidá-la por indicação de outros dois integrantes da orquestra: deve ter sido a cantora que mais causou reações no público, sendo aplaudida de pé no meio da música. A cantora interpreta Maria Bethânia no musical João do Vale – o gênio improvável e recomendou ao público valorizar a arte produzida no Maranhão, “para que a gente possa fazer aqui, para vocês, e não tenha que ir para lá, fazer só para eles”, afirmou, aludindo ao fluxo migratório a que Gianfrancesco Guarnieri e Carlos Lyra se referiam em Missa agrária – que Bethânia gravou junto ao Carcará (João do Vale e José Cândido) em seu disco de estreia – e que durante tanto tempo foi regra para o sucesso de artistas nascidos maranhenses.

A Célia Maria pediu aplausos e tratou de diva, tudo merecido. Engraçadíssima, chegou fazendo o povo rir, embora estivesse sendo apenas modesta, virtude das grandes: “maravilhosos são eles”, disse ao público, referindo-se aos músicos que a acompanhariam em As rosas não falam (Cartola) – nem errando a letra ela se apequena.

Tássia Campos brilhou em Ladeira da preguiça (Gilberto Gil), dançou e arrematou o discurso unânime: “todos nós estamos aqui por amor à música. Prestigiem e valorizem iniciativas como essa, por que nós, além de fazermos com profissionalismo, fazemos com amor”. Como dizem os tabeliães: o referido é verdade e dou fé.

Encerrando o espetáculo, Maria Maria (Milton Nascimento e Fernando Brant) foi entoada por todas juntas no palco, traduzindo a grandeza de cada uma, colocando a letra no plural: essas mulheres são dons, certas magias, forças, sons, cores, suores, as doses mais fortes.

Jazz até no escuro

Foto: Zema Ribeiro

 

​​”O doce é melhor”, respondeu-me Daniel Cavalcante (trompete e flugelhorn) quando eu disse que finalmente havia ido ver “se esse Buriti prestava”. Ambos brincávamos e eu me referia ao quarteto que ele forma ao lado de Ronald Nascimento (bateria), Wesley Sousa (teclado) e Mauro Sérgio (contrabaixo).

Ontem o Quarteto Buriti se apresentou no Buriteco Café (Rua Portugal, 188, Praia Grande) para um bom público, a despeito do rodízio: difícil entender como alguém consegue sair no meio de um show com um nível tão bom (tocaram pouco mais de duas horas).

Começaram com So what (Miles Davis), que abre o clássico Kind of blue (1959), quase sempre apontado por jazzófilos insuspeitos como o maior disco de jazz de todos os tempos. Seguiram-se Naima (John Coltrane) e All the things you are (Jerome Kern e Oscar Hammerstein II), sucesso de Ella Fitzgerald. Durante a execução de Corcovado (Tom Jobim) faltou energia. Com o apagão dos instrumentos elétricos, trompete e bateria duelaram no escuro, até o fim da canção.

Menos de meia hora depois a plateia aplaudiu o retorno da energia elétrica. Novamente tirei onda com Daniel: “difícil agora vai ser superar o aplauso da luz”. Ele riu e anunciou que tocariam Corcovado novamente. Para mim não precisava, dado o fecho incrível ante o inusitado. “Eu adoro!”, revelou-me antes do bis no meio do show, que puxou outra sequência instrumental de bossa nova. Seguiram-se Só danço samba (Tom Jobim e Vinicius de Moraes), Garota de Ipanema (Tom Jobim e Vinicius de Moraes) e Amazonas (João Donato e Lysias Enio).

Conhecedor dos talentos individuais dos integrantes do Buriti, não me restavam dúvidas sobre a qualidade do quarteto, embora uma constelação de craques nem sempre traga títulos, vide o time que o Flamengo montou quando de seu centenário em 1995. Não bastasse a enorme qualidade do grupo, afiado e despojado, entre execuções precisas, solos inspirados e improvisos idem, a noite ainda nos guardava uma surpresa.

Gabriela Marques subiu ao palco, apresentou os músicos e acabou esquecendo de se apresentar (ou eles a ela). Seu cartão de visitas, no entanto, foram as três canções que interpretou com bastante personalidade: Chega de saudade (Tom Jobim e Vinicius de Moraes), Desafinado (Tom Jobim e Newton Mendonça) e Autumn leaves (Joseph Kozma, John Mercer, Jacques Prevert e Jacques Enoch), que ganhou versão em português de Chico César, em 2006.

Ela canta tamborilando o microfone com os dedos, como se estivesse diante de um trompete imaginário. Ou um piano, já que ela, antes das canções que interpretou, armava acordes no teclado de Wesley antes de ditar o tom aos escudeiros da noite.

Após sua descida do palco, Mauro Sérgio foi temporariamente substituído por Davi Oliveira, na sequência formada por Wave (Tom Jobim), Isn’t she lovely (Stevie Wonder) e A rã (João Donato), executada em versão instrumental. A música tem letra de Caetano Veloso e me peguei imaginando como teria sido, na ocasião, se cantada por Gabriela Marques, mas já era querer demais. A essa altura havia se somado ao quarteto o guitarrista Júlio César, até então sentado num canto do bar, bebericando discretamente.

Um bom número de alunos da Escola de Música do Estado do Maranhão Lilah Lisboa de Araújo ocupava o recinto. Daniel e Mauro (novamente de volta ao palco) são professores da instituição; Ronald e Wesley, alunos – o trompetista Gabriel Oliveira, aluno de Daniel, chegou a dar uma canja.

O bis já havia rolado ao fim do apagão e a noite foi encerrada com Blue train (John Coltrane) e Doralice (Dorival Caymmi). O Quarteto Buriti se apresenta hoje (4), às 21h, no Talkin Blues (Rua Auxiliar II, quadra 9, nº. 16, Cohajap).