Ao descobrir o cinema de Fellini, Lucy tenta se corresponder com o ídolo. Frame. Reprodução
Federico Fellini (1920-1993) é como sarapatel: ou se ama ou se odeia.
Em busca de Fellini [In search of Fellini; EUA, drama/romance, 93 min; exibido esta semana no Cine Lume, Edifício Office Tower, Renascença] é uma linda homenagem ao cinema do italiano, autor de obras-primas como 8 ½, A doce vida, Amarcord, A estrada da vida e Noites de Cabíria, entre muitos outros – e por extensão, a música de David Campbell uma bela homenagem a Nino Rota, colaborador constante do homenageado.
O filme se passa em 1993, ano da morte de Fellini, e acompanha a viagem da americana Lucy Cunningham (Ksenia Solo) até a Itália, após descobrir o cinema felliniano e apaixonar-se pelo cineasta em um festival chamado Tutto Fellini – título de uma exposição ocorrida no Brasil em 2012 no IMS/RJ e Sesc Pinheiros.
Reverente, o filme não deixa de tirar onda: Claire (Maria Bello) e Kerri (Mary Lynn Rajskub), mãe e tia de Lucy, respectivamente, repetem o que comumente se ouve de quem não compreende o universo onírico de Fellini: “quem vê isso?”, perguntam-se, referindo-se aos filmes do diretor, tidos como “confusos”. É hilariante a cena em que uma diz: “essa é a parte que eu mais gosto”, enquanto a outra responde: “mas você ainda não viu isso”, e ouve de volta: “me refiro a ter chegado ao final”.
O filme de Taron Lexton é hábil ao entremear a obra de Fellini na jornada de Lucy, enquanto sua mãe definha, vítima de um câncer. “A vida é isso: seguir seus próprios sonhos”, diz um personagem a determinada altura. Mais felliniano impossível.
Aos 20 anos, Lucy deixa a bolha em que vivia, sob os cuidados da mãe superprotetora, para viver uma aventura idílica, recheada de atrasos, desencontros, fugas, perigos, paixões, fantasia e poesia.
“O visionário é o único realista”, nos ensina Fellini, em frase citada mais de uma vez em Em busca de Fellini. Mais do que nunca, nos tempos sombrios em que vivemos, o cineasta tem razão.
Os efeitos especiais são inversamente proporcionais à qualidade do roteiro. Como se uma dose exagerada daqueles pudesse sustentar a fragilidade deste.
De Uma dobra no tempo [Fantasia/ficção científica, EUA, 2018, 120 min.], megaprodução da Disney, salva-se apenas a mensagem para que crianças e adolescentes acreditem em seu potencial. E olhe lá! De resto, é uma mistura de ficção científica barata, aventura juvenil e autoajuda.
O argumento é frágil: o cientista Alex Murry (Chris Pine) desaparece ao descobrir a tal dobra no tempo do título do filme e fazer uma viagem no tempo e no espaço. Some sem deixar rastro, passando por pai desnaturado, deixando os filhos à mercê da gozação de colegas no colégio e diante do próprio sofrimento e da mãe, a também cientista Kate Murry (Gugu Mbatha-Raw).
É aí que, “acreditando em si próprios”, após visitas de estranhos seres mágicos dotados de erudição barata e nomes estranhos (Sra. Qual, interpretada por Oprah Winfrey; Quequeé, por Reese Witherspoon; e Sra. Quem, por Mindy Kaling), os filhos – Meg (Storm Reid) e Charles Wallace (Deric McCabe), um superdotado de seis anos –, mais o colega Calvin (Levi Miller), partem em busca do próprio pai embarcando também na tal dobra do tempo.
Baseado no livro homônimo de Madeleine L’engle, ao filme da diretora Ava DuVernay não faria mal meia hora a menos. Para quem ainda não descobriu dobras no próprio tempo, melhor aproveitá-lo de maneira mais útil.
O documentário Manuel Bernardino: o Lenin da Matta, da cineasta franco-brasileira Rose Panet, será exibido no Cine MIS, dia 24 de março (sábado), às 18h, evento do Museu da Imagem e do Som de São Paulo (Av. Europa, 158, Jd. Europa, São Paulo/SP) – entrada gratuita, retirada de ingressos uma hora antes da sessão, na recepção do MIS.
O telefilme, de 52 minutos, remonta a trajetória do líder camponês, socialista, vegetariano e espírita Manuel Bernardino, que ganhou a alcunha de Lenin da Matta dos jornais “Diário de São Luís” e “A Pacotilha”, na primeira metade do século XX.
A estrutura do roteiro é construída a partir do depoimento do protagonista em uma delegacia de polícia de São Luís em 1921 – o filme é narrado por Zeca Baleiro.
Personagem pouco conhecido, Manuel Bernardino arregimentou cerca de 200 homens para a Coluna Prestes quando da passagem das tropas do “cavaleiro da esperança” pelo Maranhão, talvez o maior contingente do movimento tenentista.
Em 2014 Manuel Bernardino: o Lenin da Matta foi selecionado em edital do Programa de Apoio ao Desenvolvimento do Audiovisual Brasileiro (Prodav), através do Fundo Setorial do Audiovisual (FSA), da Agência Nacional de Cinema (Ancine) e está à disposição das emissoras públicas de tevê do Brasil.
O filme foi finalizado e lançado em 2017, já tendo sido exibido pelas tevês UFPE, UFMA, Assembleia (MA) e Rede Minas (MG). Em abril estreará também na TV Senado. Manuel Bernardino: o Lenin da Matta também vem fazendo carreira em festivais: participou da mostra paralela Cinema contra o Golpe, na programação do Curta Canoa, em Aracati/CE, e recebeu menção honrosa no Mumbai International Film Festival, na Índia.
Sobre Rose Panet – Paraibana radicada no Maranhão, Doutora em Antropologia pela École Pratique des Hautes Études (Paris, França), professora da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Estadual do Maranhão (UEMA), a cineasta realizou mais de 15 curtas-metragens didáticos sobre a questão indígena para a Secretaria de Estado da Educação do Maranhão (Seduc). Finalizou recentemente o curta-metragem Amniogênese, sua estreia na ficção, filme convidado do 5º. Festival Internacional Lume de Cinema, encerrado ontem (21) no Cine Lume. Sua participação no debate após a sessão no Cine MIS tem apoio cultural da Secretaria de Estado de Cultura e Turismo do Maranhão (Sectur).
Sobre o Cine MIS – O Cine MIS tem por objetivo criar um espaço permanente de lançamento de filmes, de todos os gêneros, captados em qualquer formato, sem limite de duração (curtas, médias e longas-metragens), que ainda não tenham sido exibidos em circuito comercial. Mensalmente são selecionados e exibidos no MIS de dois a cinco filmes realizados por diretores brasileiros, em datas selecionadas pelo Museu.
Os poetas Severina Branca e Jorge Filó em cena de O silêncio da noite é que tem sido testemunha de minhas amarguras. Frame. Reprodução
As reações à palavra poesia podem ser as mais diversas. Muita gente pode lembrar uma não rara desastrada experiência escolar, quando professores tentam empurrar goela abaixo, e pior, fazer decorar versos que ao aluno e seu entorno fazem nenhum sentido. Outros pensam em coisa de iluminados, gente com inspiração divina para cometer versos ou coisa parecida.
Dessacralizar o universo da poesia é justamente o que faz o documentário O silêncio da noite é que tem sido testemunha de minhas amarguras [documentário, Brasil, 2016, 78 min.], do serra-talhadense Petrônio Lorena (que assina também a trilha sonora), que estreia hoje (22) no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença). Literalmente um baita título, síntese de dor e delícia de ser poeta.
Dessacralizar talvez nem seja bem o termo: a poesia continua sendo sagrada. O que o filme mostra, no entanto, é que pode ser fruto da cabeça (e coração) de qualquer reles mortal. Há uma cena em que um poeta, num bar (uma das locações mais constantes do documentário), advoga a favor do uso de álcool e outras drogas – em nome da poesia.
Geograficamente, o filme se localiza na divisa entre Paraíba e Pernambuco, em Ouro Velho e Prata, naquela, e São José do Egito, neste, lembrando mitos da poesia nordestina, entre vivos e mortos, privilegiando depoimentos de poetas em vez de especialistas – comparecem histórias de, entre outros, Lourival Batista e Biu de Crisanto.
Sobra bom humor em constantes exercícios de memória: não raro um poeta lembra uma glosa bem humorada, contextualizando a situação em que o verso foi composto, a tiração de onda de um repentista para com outro, a resposta deste àquele, e por aí vai. No fundo, a gente se sente bebendo entre amigos, a relembrar velhos causos, e rindo.
O longo e poético título é mote dado por Severina Branca a Didi Patriota. De poeta a poeta, ela também boêmia e prostituta, é uma das personagens mais interessantes do longa-metragem, considerada por muitos a Eleanor Rigby do Nordeste.
As reações à palavra poesia podem ser as mais diversas. Para alguns, ela significa a própria vida e sina.
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Veja o trailer de O silêncio da noite é que tem sido testemunha de minhas amarguras:
A prática não é recente mas, convenhamos, tornou-se recorrente mais recentemente: incêndios criminosos em favelas como método barato de desapropriação ou reintegração de posse. Higienização e gentrificação, a gente vê por aqui, poderia dizer o slogan de uma rede de tevê, onde certamente nunca se verá Limpam com fogo [documentário, Brasil, 2016, 84 min.], título mais direto impossível.
O documentário conta o drama de diversos moradores de várias favelas paulistanas vítimas de incêndios, cujas investigações, com a construção de um discurso midiático a serviço de imobiliárias, construtoras e incorporadoras patrocinadoras de jornais e políticos, sempre aponta cinicamente para curtos-circuitos em gambiarras, panelas em fogões improvisados, o material utilizado no erguimento dos barracos ou qualquer outra desculpa que sirva para desresponsabilizar o poder público ou tirar o foco da especulação imobiliária, a real interessada em determinadas áreas.
O filme conta com depoimentos de especialistas como Ermínia Maricato, ex-secretária municipal de Habitação e Desenvolvimento Urbano de São Paulo (1989-1992) e ex-secretária executiva do Ministério das Cidades (2003-2005), e Guilherme Boulos, coordenador do Movimento dos Trabalhadores Sem Teto (MTST), então ainda não alçado à condição de pré-candidato do PSol à presidência da república, colocando-os em diálogo com o drama das vítimas.
Em determinada altura, um dos entrevistados revela ter filmado um dos incêndios que consumiu a favela em que morava. Segundo ele, uma emissora de tevê ofereceu uma boa grana pelas imagens, mas ele preferiu não vender, por achar errado ganhar dinheiro em cima da tragédia alheia, no que o filme de Rafael Crespo, Conrado Ferrato e César Vieira também acerta: não há exageros, pieguice ou exploração gratuita da desgraça alheia. As vítimas são retratadas em seus papéis, de protagonistas de suas próprias histórias, agentes políticos, com sua organização, sua relação afetiva com as comunidades, projetando discussões sobre a função social da propriedade, entre outros temas de direitos humanos – direito à moradia, direito à cidade, transporte público, trabalho etc. O filme foi realizado com recursos obtidos através de crowdfunding.
Temporalmente o documentário se localiza nas gestões municipais do petista Fernando Haddad (2013-2016), que aparece no filme, e do então democrata Gilberto Kassab (2006-2012), hoje no PSD, que se negou a gravar entrevista.
Limpam com fogo é um instantâneo de Brasil, retratando alguns episódios de uma tragédia entre tantas possíveis, que todos os dias acontecem cada vez mais, infelizmente.
O filme foi exibido no Festival Internacional Lume de Cinema, encerrado hoje (21), no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença). Por iniciativa dos professores Raoni Muniz, Rose Panet e Débora Garreto, do Curso de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Estadual do Maranhão (Uema), Limpam com fogo será exibido novamente amanhã (22), às 10h, no Cine Lume, para estudantes da instituição – a sessão extra é aberta ao público em geral. Os ingressos custam R$ 12,00.
Antonio Pitanga e Osmar Prado durante as gravações de Bandeira de retalhos. Foto: divulgação
Sérgio Ricardo é mais conhecido como autor das trilhas sonoras de Deus e o diabo na terra do sol (1964) e O dragão da maldade contra o santo guerreiro (1969), de Glauber Rocha, e pelo episódio em que, ao interpretar Beto bom de bola, música de sua autoria em um festival da TV Record, em 1967, irritado, quebrou o violão e atirou pedaços do instrumento contra a plateia.
Um lado seu que pouca gente conhece é o de cineasta. Sua mais recente realização, após mais de 40 anos longe das claquetes, o longa-metragem Bandeira de retalhos [drama, Brasil, 2018, 90 min.] foi exibido ontem (15), no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença), na abertura do 5º. Festival Internacional Lume de Cinema.
O filme parte de um episódio real, a tentativa de despejo de moradores do morro do Vidigal, no Rio de Janeiro, em 1977. A partir deste mote, Sérgio Ricardo desenvolve um roteiro com elementos que mostram o quão pouco o Brasil mudou em quatro décadas.
A trama costura o típico morro para gringo ver, com seus encantos, roda de samba e alegria, com o morro típico de tragédias como a que recentemente vitimou Marielle Franco, vereadora do PSol no Rio de Janeiro.
Sérgio Ricardo é sagaz ao questionar “quem é bandido?”, se um perseguido pela polícia, cria daquela favela, que viu os pais serem assassinados, ou se os poderosos de terno e gravata (ou com a farda cheia de divisas), a extorquir e agir a serviço da especulação imobiliária e do poder político e econômico – quase sempre uma coisa só.
É uma obra de ficção (embora baseada em fatos reais), mas qualquer semelhança com a realidade, e com o Brasil sob a égide dos golpistas, não é mera coincidência – e justifica o retorno de Sérgio Ricardo, aos 85 anos, ao cinema.
O diretor resgata imagens em preto e branco do noticiário da época, com depoimentos de moradores e autoridades, mesclando-as à trama, em que os atores mais conhecidos são Antonio Pitanga (João da Lua, um cego que é a memória viva do morro) e Osmar Prado (o deputado Délio dos Santos). De baixíssimo orçamento, o filme foi realizado com recursos captados através de crowdfunding.
O roteiro é bem urdido e podemos dizer que se trata de um filme de final ao mesmo tempo feliz e triste. No campo social, a comunidade vence a batalha. Já ao terreno do amor o destino não reserva a mesma sorte.
Serviço
O 5º. Festival Internacional Lume de Cinema segue até a próxima quarta-feira (21). Veja a programação completa.
Amniogênese é o primeiro filme de ficção da cineasta
Amniogênese. Frame. Reprodução
Em meio à vasta e rica programação do Festival Internacional Lume de Cinema, a cineasta Rose Panet lança seu novo filme. Trata-se da estreia da diretora no universo da ficção, com o curta-metragem Amniogênese, que integrará a sessão de abertura do festival, ao lado do curta espanhol Ainhoa, de Ivan Sainz-Pardo, e do longa Bandeira de retalhos, de Sérgio Ricardo, autor de trilhas sonoras de filmes de Glauber Rocha, famoso por quebrar um violão e atirar pedaços do instrumento contra a plateia num festival de música popular brasileira.
Amniogênese, de Rose Panet, foi filmado na Biblioteca Pública do Estado do Maranhão Benedito Leite, como atividade de um curso na Escola Lume de Cinema de que a diretora e roteirista participou. O filme apresenta espíritos no limbo, em diálogo sobre nascer e não nascer, viver e morrer.
“Eu fiz a partir de um sonho que tive quando estava grávida de meu segundo filho. A ideia permaneceu comigo e levou anos até eu materializar”, revela Rose Panet. Sem diálogos, o filme tem trilha sonora do compositor russo Kai Engels – cuja música já comparecia à trilha sonora de Manuel Bernardino: o Lenin da Matta, documentário da diretora, que estreia em abril na TV Senado.
Amniogênese, segundo os dicionários médicos, é a formação do âmnio, a bolsa membranosa que contém o líquido amniótico onde flutua o bebê. “É um filme que também discute as dores e as delícias de ser mulher, com decisões às vezes difíceis, que precisam ser tomadas. Curioso também é que de forma não intencional, agora em uma ficção, a gente torna ao terreno do espiritismo, tema presente no documentário Manuel Bernardino: o Lenin da Matta”, revela.
Aminiogênese traz no elenco Daniel Costa, Dida Maranhão (assistente de produção e maquiagem), Domingos de Jesus, Fabíola Rocha, Fred Egyto, Guilherme Verde, Thiago Santos (assistente de direção) e Wilka Sales. Rose Panet assina direção, roteiro, produção e fotografia (com Beto Matuk e Denis Carlos). O filme tem montagem e sonorização de André Garros.
Serviço – A sessão inaugural do Festival Internacional Lume de Cinema acontece nesta quinta-feira (15), às 19h, no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença). Os ingressos custam R$ 12,00.
Torquato Neto – Todas as horas do fim. Cartaz. Reprodução
A voz de Jards Macalé em sua parceria com Torquato Neto em Let’s play that (1972) e a voz de Jesuíta Barbosa no poema Cogito, cujo último verso dá título a Torquato Neto – Todas as horas do fim [documentário, Brasil, 2017; em cartaz no Cine Lume, sessão diária às 20h30], abrem o filme de Eduardo Ades e Marcus Fernando, coalhado de referências, fazendo jus ao homem múltiplo e intenso que foi o tropicalista piauiense.
O primeiro anuncia: “quando eu nasci/ um anjo louco/ um anjo solto/ um anjo torto/ muito louco/ veio ler a minha mão”. E arremata: “vai bicho/ desafinar o coro dos contentes”. O segundo, voz que acompanhará o espectador por todo o filme, lê poemas, cartas e textos jornalísticos de Torquato Neto – cuja voz, de seu único depoimento gravado, de 1968, também é usada.
É um filme reverente, cuja montagem inteligente evoca todas as facetas de seu protagonista: poeta, letrista de música popular, jornalista, ator. Os depoimentos que ajudam a contar sua história são cobertos por trechos de filmes do cinema marginal e do cinema novo. As rápidas aparições de nomes como Gilberto Gil, Caetano Veloso e Tom Zé são filmadas em super oito, de modo a manter a estética da época e não destoar das imagens de arquivo – resultado semelhante ao de No, de Pablo Larraín.
Curioso é o depoimento de Moreira Franco, ex-governador do Rio de Janeiro, hoje ministro-chefe da secretaria-geral do governo do ilegítimo, nome ligado a escândalos na política nacional, apelidado pelo saudoso Brizola de Gato Angorá, primeiro amigo de infância de Torquato Neto.
Entre as inúmeras citações cinematográficas – uns mais conhecidos, outros mais raros – comparecem O bandido da luz vermelha (1968, de Rogério Sganzerla), Vidas secas (1963, de Nelson Pereira dos Santos), Macunaíma (1969, de Joaquim Pedro de Andrade), Deus e o diabo na terra do sol (1964, de Glauber Rocha), Nosferato no Brasil (1971, de Ivan Cardoso, em que Torquato atua), O demiurgo (1970, de Jorge Mautner, em que Caetano atua), Apocalipopótese (1968, de Raymundo Amado), e Hitler terceiro mundo (1968, de José Agripino de Paula).
Se Gal Costa (uma das grandes intérpretes de Torquato) e Jards Macalé (um de seus muitos parceiros) não comparecem em depoimentos, aparecem cantando Mamãe, coragem (parceria com Caetano Veloso), ele tocando violão na banda dela. Não faltam composições como Pra dizer adeus (parceria com Edu Lobo), Geleia geral, A rua e Marginália II (as três com Gilberto Gil) e Deus vos salve esta casa santa (com Caetano), a dar ideia do quão relevante foi Torquato, não apenas para o Tropicalismo, apesar do suicídio aos 28 anos.
A morte de Torquato Neto completou 45 anos em novembro passado e as homenagens que lhe têm sido prestadas ajudam a jogar novas luzes sobre sua obra. O piauiense foi o homenageado da última edição da Balada Literária, organizada pelo incansável Marcelino Freire – ano passado, além de São Paulo, seu território tradicional, chegou a Teresina, cidade natal de Torquato, e Salvador, para onde ele se mudou aos 16 anos e onde conheceu “o pessoal da Tropicália”.
A gaúcha radicada no Maranhão Isis Rost transformou seu trabalho de conclusão de curso em Ciências Sociais (UFMA) no livro O risco do berro – Torquato Neto: morte e loucura [ed. da autora, 2017], cujo projeto gráfico evoca a Navilouca, revista de número único editada por Torquato com Waly Salomão (1943-2003), que no filme sintetiza o amigo como uma atualização de Carlos Drummond de Andrade, Manuel Bandeira e Décio Pignatari. A autora foca, desde o título, em dois temas pouco presentes a Torquato Neto – Todas as horas do fim.
O documentário não especula, nem tira conclusões, mas faz bonito ao somar-se aos esforços de manter vivo o espírito de Torquato, protagonista da Tropicália, através de sua obra, vasta e diversa, para alguém que morreu tão jovem.
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Veja o trailer de Torquato Neto – Todas as horas do fim:
Quantas vidas alguém precisará viver para viver uma vida como a de Lou Andreas-Salomé [1861-1937]? Esta é uma das perguntas possíveis ao término de uma sessão de Lou [drama/histórico/biografia, Alemanha/Suíça; 113 min.; em cartaz no Cine Lume], de Cordula Kablitz-Post, cinebiografia da escritora e psicanalista que influenciou Sigmund Freud [interpretado por Harald Schrott], o pai da psicanálise – só dizer isto já dá ideia da grandeza da personagem.
Bem realizado na reprodução de cenários e figurinos da época, o filme parte da decisão da protagonista de escrever sua biografia, aos 72 anos. Entra em cena a figura de Ernst Pfeifer [Matthias Lier], então desempregado, que acabará por virar o administrador do espólio de Lou Andreas-Salomé [Nicole Heesters interpreta a personagem aos 72 anos; Katharina Lorenz, dos 21 aos 50; Liv Lisa Fries, aos 16; e Helena Pieske, aos seis], até sua própria morte, responsável pela redescoberta da mulher que se insurgiu contra os padrões então vigentes.
A história tem início em 1933, no período entre-guerras. Lou é uma senhora reclusa que já havia parado com os atendimentos. O filme se equilibra bem entre os diálogos entre a protagonista e seu datilógrafo – que acaba assumindo um papel misto de repórter e confidente –, que também acaba se apaixonando por ela, e no vaivém das histórias que conta, remontando à infância em São Petesburgo e ao mundo que ganhou ao desafiar a mãe e o status quo, após a morte do pai.
Numa época em que às mulheres não era dado o direito de estudar, é isto o que Lou faz, simplesmente por não aceitar a condição subalterna imposta ao sexo feminino. Seu primeiro livro é publicado com um pseudônimo masculino: os editores de então não acreditavam no sucesso de um livro escrito por uma mulher. Acabou por tornar-se pioneira da psicanálise e do feminismo; no primeiro campo dedicou-se à sexualidade feminina; no segundo, antecipou-se a sistematizações acadêmicas que só aconteceriam no século XX.
Em suas conferências é seguida por um devotado René Maria Rilke [Julius Feldmeier] que, por sugestão dela, adota o pseudônimo Rainer e vem a ser o poeta que conhecemos hoje, tantos anos depois. É ele quem irá quebrar sua repulsa ao casamento, que acreditava ser um sinônimo de perda de liberdade, após a dispensa de pretendentes do naipe dos filósofos Paul Rée [Philpp HauB] e Friedrich Nietzsche [Alexander Scheer].
Sua luta por liberdade tinha um quê de egoísmo, ela mesmo admite a determinada altura. “O que mudou para as mulheres?”, pergunta a seu privilegiado interlocutor noutro momento. Mas certamente inspirou a insurgência de outras mulheres e a (r)evolução que vemos, infelizmente ainda, mais lenta do que gostaríamos e do que o necessário.
A cinebiografia certamente ajudará a jogar luzes sobre esta personagem tão importante quanto desconhecida do grande público. O silêncio sobre ela e sua obra ajuda a compreender as relações de poder estabelecidas, contra as quais Lou dedicou toda a sua vida e obra.
Merecem destaque os grafismos em que Lou movimenta-se por estáticos cartões postais. Piegas é a forma como se apresenta o deus com quem conversa na infância e de quem se lembra no divã de Freud, o que nem de longe tira o brilho do filme, ousado como sua protagonista, ao decidir abarcar tantos aspectos da vida – ou das vidas? Quantas ela viveu numa só? – de Lou Andreas-Salomé.
Baseado no livro de Kent Haruf, o homônimo Nossas noites [Our souls at night; Companhia das Letras, 2017], o filme de Ritesh Batra [drama, 2017] leva vantagem: nem o leitor de imaginação mais fértil poderia pensar no casal protagonista sendo materializado por Robert Redford e Jane Fonda.
Esta seria a primeira vantagem do filme sobre o livro, para quem gosta de comparar expressões artísticas distintas – um livro é um livro, um filme é um filme, e mesmo que um seja adaptado do outro, cada qual é uma obra de arte a seu modo. Neste caso, o filme é fiel ao livro, mas nem sempre é ou deve ser assim. Produção da Netflix, a película é dedicada à memória do autor do livro.
Addie (Fonda) e Louis (Redford) são dois viúvos em na pacata Holt, Colorado. Um dia ela resolve ir à casa dele, convidá-lo para dormirem juntos, “ajudar a passar a noite. A noite é a parte mais difícil, não acha?”, ela pergunta ao encabulado vizinho.
Ele aceita a proposta e começa a frequentar a casa da vizinha, à noite, pela porta dos fundos, com medo da fofoca da vizinhança. Ela lhe serve vinho, eles começam a conversar desajeitadamente, buscando saber mais sobre si mesmos – apesar de vizinhos há décadas, pouco se falavam quando os cônjuges eram vivos, embora soubessem muito da vida um do outro.
A história dos dois não demora a ganhar outros contornos, com a visita do neto de Addie, seu filho que não aceita a relação, ao julgar Louis por seu passado. Não demora também para que a preocupação deste se mostre fundada: seu gesto de levantar-se e ir embora quando os colegas de terceira idade tentam começar a brincar com seus encontros noturnos é também uma declaração de amor, ainda que tardio.
Atores experientes, Redford e Fonda dão conta de sobra dos diálogos bem construídos e intensos. Nossas noites é uma bonita história de amor, que mostra que para este não há limites, amarras, proibições – entre as quais a idade ou outras convenções sociais. A uns, o filme poderá parecer lento demais ou mesmo dar a impressão que nada acontece. Como no amor, seu tema principal, o encanto está na sutileza, na delicadeza.
*uso aqui o mesmo título que dei ao texto sobre o livro no qual o filme se baseia.
Jovem mulher [Jeune femme, drama, França, 2017; em cartaz no Cine Lume], da estreante Léonor Serraille, vencedor da Câmera de Ouro em Cannes, é um filme que se explica pelas elipses: é no não dito que os espectadores têm que prestar atenção. Por exemplo: Paula [Laetitia Dosch] engravida, mas não há sequer uma cena de sexo explícito na película. Tampouco há a certeza se ela e Ousmane [Souleymane Seye Ndiaye], colega segurança da loja de calcinhas em que trabalha, transam.
Se nas primeiras cenas a protagonista parece uma fracassada, obcecada que rasteja em busca do homem que supostamente ama, aos poucos vamos nos afeiçoando à personagem de olhos bicolores e percebendo que ela é senhora de si, dona da situação.
Abandonada pelo namorado após uma década de relacionamento, Paula, sem dinheiro, abriga-se na casa de amigos, em hotéis baratos, até “fixar residência” num “buraco de rato”, como ela mesmo dirá. Zanza por Paris, com quem tem uma relação de ódio. Em Paris ou qualquer lugar temos que viver, é mais ou menos o que invariavelmente responde a quem pergunta por que então ficar na cidade.
O filme é carregado de bom humor, em tiradas sutis. Num encontro no metrô, por exemplo, ela finge ser quem não é; noutro, responde com certa agressividade a um passageiro que lhe alerta que o celular está tocando e que ela se esqueceu de tirar o crachá: “e você se esqueceu de tirar a gravata. A gravata é o crachá dos idiotas”.
Jovem mulher perpassa diversas situações e relacionamentos. As conturbadas relações de Paula com Joachim Deloche [Grégoire Monsaingeon], o professor e fotógrafo de quem engravida, e com sua mãe [Nathalie Richard], com Lila [Lila-Rose Gilberti], de quem se torna babá, e com a mãe da menina [Erika Sainte], que a contrata, numa inversão de sentimentos: quando a garota se afeiçoa à babá, a mãe perde a confiança, diante de deveres de casa mal corrigidos, serviços domésticos pendentes, horários não cumpridos e, sobretudo, guloseimas oferecidas à criança.
No meio disso tudo há uma bela gata, peluda e graúda, e uma cicatriz que acompanhará Paula por todo o filme, talvez simbolizando outras cicatrizes colecionadas em sua vida de jovem mulher.
How the Beatles changed the world. Frame. Reprodução
O fim dos Beatles caminha para meio século e a banda segue das mais – se não a mais – influentes no planeta em todos os tempos. Provas disso são suas músicas continuarem sendo regravadas ao redor do mundo e qualquer coisa que leve seu nome/marca vender como água (o que começou a acontecer ainda enquanto estavam juntos), sejam edições remasterizadas de seus discos de carreira, gravações inéditas ou raras ou até mesmo brinquedos.
Nada mau para um grupo cuja união durou menos de uma década.
Ao longo deste tempo os Beatles operaram algumas revoluções no fazer artístico, elevando a música pop à categoria de obra de arte. John Lennon, Paul McCarney, George Harrison e Ringo Star foram, sem dúvida, dos artistas mais documentados em todos os tempos. Em meio ao turbilhão, difícil um filme, uma reportagem, ou o que quer que seja, dizer algo novo sobre os fab four.
Não parece ser a intenção de How the Beatles changed the world [EUA, Inglaterra, 2017; disponível na Netflix], documentário de Tom O’Dell, que localiza a importância do fenômeno Beatles para a compreensão da década de 1960 e de tudo o que viria depois, em termos de música, cultura e comportamento – mesmo Rolling Stones, quase sempre apontados como rivais dos Beatles, num Fla x Flu musical sem sentido, The Doors e Beach Boys, para citar (apenas) outras bandas surgidas na mesma década, aconteceram a reboque do protagonismo beatle.
Através de entrevistas com críticos de música, pessoas próximas ao quarteto de Liverpool e trechos de entrevistas dos próprios Beatles, O’Dell aponta-os como precursores em se tratando da relação música e lisergia, de aproveitar ao máximo o que os estúdios oferecem (as limitações técnicas eram enormes nos anos 1960, sabemos) e no componente político: em visita aos Estados Unidos os Beatles foram pioneiros em abordar assuntos espinhosos à época, como a guerra do Vietnã, além de tirar onda com a própria rainha da Inglaterra.
A cena é conhecida, mas nos faz rir novamente: a um auditório lotado, Lennon manda: “para o próximo número precisamos da ajuda de vocês. As pessoas nos assentos mais baratos batam palmas; as demais, basta chacoalhar suas joias”. Close numa constrangida rainha da Inglaterra, volta a imagem a um John qual criança pego em travessura.
Outras revoluções beatle: a transmissão em cadeia mundial de tevê de All you need is love (com Mick Jagger e outros famosos na plateia), o fim das aparições públicas enquanto banda (quantas, hoje, não vivem de separar e juntar de acordo com as necessidades, sobretudo financeiras), as guinadas artísticas em discos fundamentais como Rubber soul, Revolver e Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band, além dos primeiros solo de John Lennon (uma trilogia com Yoko Ono, sua segunda esposa) e Paul McCartney – se hoje são corriqueiros discos solo de integrantes de bandas, nisso os Beatles também foram pioneiros, como haviam sido, no começo da carreira, ao decidirem gravar material autoral (o que não era padrão na época).
Recentemente Quincy Jones deu uma entrevista afirmando que os Beatles eram os piores músicos do mundo. Lembrou o Lobão da época em que vivia falando mal de Caetano e Gil. Ver How the Beatles changed the world lembrou-me o Oscar Wilde de A alma do homem sob o socialismo: “não é a obra de arte que tem que aspirar a se tornar popular; o povo é que tem que se tornar artístico”. Sob a égide do “mas é isso o que o povo gosta”, muitos artistas acomodam-se e ofertam mais do mesmo (ou menos do mesmo, se a ideia é facilitar); com os Beatles era diferente.
How the Beatles changed the world pode não trazer novidades, sobretudo aos beatlemaníacos mais ferrenhos; mas localiza o legado beatle num contexto de profunda transformação da cena pop no mundo. Para sempre.
Antes de tudo, A forma da água [The shape of water, 2017], de Guilhermo del Toro, é uma declaração de amor ao cinema. Pelas qualidades próprias do filme – elenco, roteiro (Guilhermo del Toro e Vanessa Taylor), fotografia (Dan Laustsen) e trilha sonora (Alexandre Desplat), coalhada do jazz de nomes como Benny Goodman e Glenn Miller, impecáveis – e pelas várias citações que aparecem ao longo das duas horas da trama – que se passam sem que percebamos.
Para começo de conversa, é difícil classificar A forma da água. Estão ali elementos de comédia romântica, thriller, policial, aventura, cinema mudo (como a protagonista), fábula e musical.
Conta a história de Elisa (Sally Hawkins, em destacada atuação), faxineira de um laboratório americano em plena Guerra Fria, que acaba se apaixonando por um estranho ser (Doug Jones), uma bela espécie de homem-peixe, criatura fisgada em águas amazônicas, onde era tratado como um deus pelo povo do lugar. A criatura começa a ser estudada a fim de ser usada na corrida espacial – os russos (no meio disso tudo há um espião) já haviam colocado um cachorro em órbita.
Eis o mote para o desenrolar da trama. Elisa é uma garota simples. Muda, ajuda Giles (Richard Jenkins) um vizinho pintor, homossexual e seu confidente – e também a voz do narrador que aparece aqui e acolá. Enquanto ele pinta e conversam, a televisão em preto e branco está sempre ligada em musicais.
Os apartamentos em que moram, localizam-se sobre o Orpheum, um decadente cinema de rua, enorme, que já não angaria espectadores para suas sessões, mas que segue firme graças à paixão (e teimosia) de seu proprietário. Em uma das cenas os funcionários estão colocando os nomes dos filmes que entrarão em cartaz: A história de Rute [filme de Henry Koster, de 1960] e As noites de Mardi Grass [de Edmund Goulding, de 1958].
O filme homenageia O monstro da lagoa negra [de Jack Arnold, de 1954, também protagonizado por uma estranha criatura]. Há várias outras, mas identifiquei citações a Bonanza, Mr. Magoo, Cinderela, Uma noite no Rio [de Irving Cummins, de 1941, que abre com Carmen Miranda interpretando Chica chica boom chic (Harry Warren/ Mack Gordon)], A mascote do regimento [de David Butler, de 1935, a cena do sapateado na escada, que Elisa e Giles imitam batendo os pés no chão], além da dupla Fred Astaire e Ginger Rogers, na cena em preto e branco em que Elisa e a criatura dançam, quando A forma da água se transforma mais especificamente em um musical.
A melhor amiga de Elisa é a colega de trabalho Zelda (Octavia Spencer), que comete pequenos delitos como fumar em local proibido (fora do alcance da vigilância das câmeras de segurança) e não hesita em embarcar na aventura da amiga.
De forma hábil, ao ter como protagonista uma criatura quase humana, A forma da água discute temas demasiadamente humanos como crueldade, racismo, machismo, misoginia, homofobia, intolerância, hierarquia (sobretudo a militar; o coronel Strickland, interpretado por Michael Shannon, é uma caricatura com fortes traços de outros temas desta lista), entre outros. Quem são mesmo os monstros?
A forma da água deve levar, merecidamente, diversas estatuetas do Oscar para casa – foi indicado em 13 categorias [Filme, Diretor, Atriz (Sally Hawkins), Roteiro original, Ator coadjuvante (Richard Jenkins), Fotografia, Atriz coadjuvante (Octavia Spencer), Direção de arte, Figurino, Edição, Trilha sonora, Mixagem de som e Edição de som]. O filme é uma celebração ao respeito às diferenças e ao amor, sobretudo o amor ao cinema, mas não só. Perceberá quem tiver olhos – e coração – para ver.
Com grata satisfação, vi hoje (31), mais uma vez, o Cine Praia Grande (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande) lotado para a exibição de mais um documentário produzido no Maranhão. Desta vez, Em busca do bem viver, com roteiro, edição e direção de Murilo Santos, papa do cinema documental maranhense, tendo sido mesmo um de seus pioneiros. O filme foi realizado por encomenda das Pastorais Sociais do Maranhão, braços sociais da Igreja Católica.
O filme remonta à 12ª. Romaria Estadual da Terra e das Águas, realizada em Chapadinha/MA, em 2015. Este é o ponto de partida para um passeio nada agradável por todo o Maranhão, em todas as suas regiões. Situações de conflito e luta pela terra, com a batalha desigual de comunidades contra o capital, seja o agronegócio, as irmãs mineração e siderurgia ou a exploração de gás, entre outras.
Em busca do bem viver traça um panorama do Maranhão desde que grandes projetos começaram a se instalar no estado – por exemplo o Projeto Grande Carajás, com a estrada de ferro homônima –, sob as bênçãos da Lei Sarney de Terras, promulgada pelo governador de plantão, que não à toa dá nome à lei, que acabaria por transformar a zona rural do Maranhão numa terra sem lei, gênese de grande parte das questões que sobreviveriam às décadas seguintes.
Perpassa ainda as histórias de mártires como Flaviano Pinto Neto, liderança da comunidade quilombola de Charco, em São Vicente Férrer, ou Elias Zi, liderança sindical do município de Santa Luzia, ambos assassinados a tiros, em 2010 e 1982, respectivamente. Este, tema do documentário curta-metragem Quem matou Elias Zi? (1986), de Murilo Santos, o que o torna uma autoridade em se tratando de conflitos agrários – e do uso do cinema como ferramenta de documentação e denúncia – no Maranhão, sendo autor de pelo menos mais um filme fundamental sobre o assunto: o clássico Bandeiras verdes (1988), narrado por Paulo César Pereio.
Por falar em narração, quem empresta a voz aos relatos de Em busca do bem viver é a cantora Lena Machado, que divide o tempo entre a carreira artística e o Secretariado Executivo na Cáritas Brasileira Regional Maranhão. Na trilha sonora, o filme de Murilo Santos une Joãozinho Ribeiro, compositor cuja vida e obra são marcadas pela denúncia de arbitrariedades, e Zé Vicente, poeta popular fortemente ligado ao catolicismo.
No entanto, nem tudo é tragédia ao longo dos 52 minutos de Em busca do bem viver. Estão postas ali as estratégias de resistência, avanços e a conquista da terra e de direitos de algumas comunidades. Que, como de resto o próprio filme, sirvam de exemplo para a continuidade das lutas das demais.
Serviço
O dvd Em busca do bem viver pode ser adquirido nas sedes da Conferência Nacional dos Bispos do Brasil (CNBB) Regional Nordeste 5 (Rua do Rancho, Centro), Cáritas Brasileira Regional Maranhão (Rua do Alecrim, 343, Centro), Conselho Indigenista Missionário (Cimi/MA, Rua do Pespontão, 99, Centro) e Comissão Pastoral da Terra (CPT/MA, Rua do Sol, Centro), em São Luís/MA.
Mulheres que transformam a ilha. Cartaz. Reprodução
A estreia do documentário Mulheres que transformam a ilha lotou duas sessões no Cine Praia Grande (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), na noite de hoje (30). Não é pouca coisa.
Temas urgentes, empoderamento, autonomia e protagonismo femininos são levados à tela de maneira didática, com pitadas de bom humor e muita sabedoria: em um filme majoritariamente feito por mulheres, as mulheres têm vez e voz.
Filme feito por mulheres, mas não (apenas) para mulheres: nós, homens, temos muito o que aprender ali. O documentário de 32 minutos é tecido a partir das percepções e falas de empreendedoras sociais que atuam em São Luís, em diversos segmentos.
“Ser mulher e ser negra é ser vista por dois véus: o véu do machismo e o véu do racismo”, aponta, de cara, uma das entrevistadas. Outra comenta o risco pedagógico da desistência: se uma empreendedora desiste, não está apenas desistindo, pode estar fazendo outras mulheres desistirem, deixarem de acreditar em seu potencial. “Eu estou com 66 anos, eu faço o que eu quero, o que eu gosto, eu me governo”, afirma outra.
Há relatos tristes, como o de uma mulher, em um município do interior do Maranhão, que foi impedida pelo marido de continuar em uma atividade nos moldes das reveladas pelo filme, pois isto estaria prejudicando os afazeres domésticos. O equilíbrio na divisão de tarefas advogado pela representante da ONU entrevistada poderia resolver essa questão, realidade infelizmente ainda mais comum do que se imagina.
Mulheres que transformam a ilha tem direção e roteiro de Monique Moraes, bacharel em Administração pela UFMA. A equipe técnica do filme se completa com Quilana Viégas (fotografia), Ingrid Barros (fotografia) e Luiza Fernandes (edição e roteiro).
A exemplo das mulheres, negócios e histórias trazidos à tela, Mulheres que transformam a ilha envolveu uma rede de colaboradores para sua realização, incluindo parcerias. A TV Assembleia (uma das parceiras) deveria exibi-lo, ampliando seu alcance (o filme será disponibilizado no youtube, no canal Su casa, mi causa), pois é um filme que merece ser visto por mais gente.
Homem de vícios antigos 