Um museu para a massa

A massa regueira em frente ao Museu do Reggae, durante sua solenidade de inauguração, ontem à noite. Foto: ZR

 

A expressão “massa regueira” parecia fazer mais sentido ainda ontem (18), por ocasião da inauguração do Museu do Reggae do Maranhão, o primeiro sobre o tema fora da Jamaica – há controvérsias, afinal de contas, estamos falando da Jamaica brasileira, São Luís do Maranhão, ilha de tantas alcunhas, esta, provavelmente grafada pela primeira vez em uma matéria da revista Trip, em outubro de 1988, assinada pelo jornalista Otávio Rodrigues: “Descobrimos a Jamaica brasileira”, anunciava o índice.

Desde julho do ano passado a Quinta do Reggae preparava o terreno. A Praça da Criança, na esquina das ruas da Estrela e de Nazaré, na Praia Grande, tornou-se Praça do Reggae, graças à ocupação cultural realizada semanalmente, com bandas, DJs e radiolas revezando-se entre as atrações, numa clara demonstração prática do significado do termo “cultura reggae”.

Ladeado pelo governador Flávio Dino e pelo secretário de Estado da Cultura e Turismo Diego Galdino, o diretor do Museu do Reggae Ademar Danilo fala de igual para igual ao público presente. Foto: ZR

Ao descerramento da placa, o secretário de Estado da Cultura e Turismo Diego Galdino reagiu, brincalhão: “é a décima ou décima primeira placa que eu descerro, acho que isso também é inédito no Maranhão”, referindo-se a inaugurações de equipamentos culturais promovidos pelo governo Flávio Dino, na contramão do retrocesso brasileiro. Ao blogueiro ele anunciou para breve o Memorial João do Vale, em Pedreiras/MA.

“Hoje mesmo eu recebi nas redes sociais, comentários como “o Maranhão não tem com o que gastar dinheiro, vai gastar com reggae”. Vocês acreditam que tem quem pense assim?”, indagou o governador ao público presente.

Ele recebeu das mãos de Guiu Jamaica, histórico militante do movimento reggae, uma echarpe nas cores da bandeira da Jamaica, com a bandeira do Maranhão incrustada ali. O presente simboliza a relação entre as duas Jamaicas e a inauguração do museu é um reconhecimento institucional à força do reggae enquanto elemento da cultura do Maranhão.

“Não é à toa este museu ser instalado aqui. Toda essa beleza que nós estamos vendo, este conjunto arquitetônico, foi erguido ao longo dos séculos pela força do povo negro. Não é coincidência inaugurarmos o museu próximo do centro do poder político do Estado, num reconhecimento de que, hoje, no Maranhão, há espaço para todos”, declarou o governador.

“O reggae pode não ter nascido aqui, mas sua força hoje é inegável. Minha palavra hoje é gratidão: estou muito grato por estar aqui, inaugurar este museu é uma resposta a anos de discriminação, preconceito e racismo”, afirmou o jornalista e DJ Ademar Danilo, diretor do Museu do Reggae do Maranhão.

Ele não citou, mas provavelmente lembrava da invasão, em meados da década de 1980, da Polícia Militar ao Espaço Aberto, clube de reggae bastante movimentado durante anos, localizado no São Francisco. Ademar Danilo era estudante de Comunicação Social da UFMA, apresentava o Reggae Night – pioneiro no dial maranhense – com Fauzi Beydoun, e foi testemunha ocular da violência gratuita praticada pela polícia.

O episódio talvez não tenha sido citado pelo fato de a noite de ontem ser de festa, que não devia ser estragada por tristes memórias – que, esperamos, morem no passado. Presente em bom número, a polícia ontem, aliás, não teve trabalho.

Como de praxe, a Quinta do Reggae agregou diversos artistas do movimento – não me demorei, tendo acompanhado apenas a solenidade de inauguração do Museu do Reggae, enquanto a FM Natty Nayfson botava pra quebrar, literalmente.

O casarão que sedia o museu fica na Rua da Estrela, entre a Praça do Reggae e a sede da Secretaria de Estado da Cultura e Turismo (Sectur). A disposição de seus espaços internos homenageia antigos e pioneiros clubes de reggae da cidade: PopSom, União do Bairro de Fátima, Espaço Aberto.

A visita guiada nos mostra a reprodução de um clube de reggae, com sua simulação de bar, DJ, paredão de som, casal dançando – “aqui no Maranhão desenvolvemos um jeito diferente na forma de dançar”, já me disse em entrevista o DJ Joaquim Zion, versado no assunto.

Noutro ambiente, discos raros, como um exemplar de The harder they come, de Jimmy Cliff, I can see clearly now, de Johnny Nash, e Eu, você e a cidade, do rosariense Nicéas Drumont. Este último, lançado em 1982 e lembrado entre os 12 discos mais importantes da música popular produzida no Maranhão, em enquete do jornal Vias de Fato, “foi pioneiro ao registrar dois reggaes neste disco: Gavião vadio e Senzalas, com que tomou de assalto as rádios locais”, como escrevi à época.

Por ali se vê também a primeira guitarra usada pela Tribo de Jah, banda de reggae de maior êxito já surgida no Maranhão, liderada pelo citado Fauzi Beydoun, que doou o instrumento para o acervo do museu.

No último ambiente, um pátio do casarão, batizado Espaço Aberto em homenagem ao citado clube, grandes pôsteres reproduzem os rostos de nomes fundamentais para o gênero: Peter Tosh, Bob Marley, Jimmy Cliff e Célia Sampaio, reconhecimento a esta artista, ainda na ativa (hoje mesmo fez show na Praia Grande), levando adiante a bandeira do reggae e a bandeira da mulher negra neste universo.

Tevês na parede reproduzem uma linha do tempo destacando acontecimentos importantes para o reggae nos cenários mundial, brasileiro e maranhense, a exemplo do nascimento (1945) e falecimento (1981) de Bob Marley, primeiro artista do terceiro mundo a se tornar um popstar planetário, responsável pela popularização do reggae e, até hoje, seu maior nome; o pioneirismo de Otávio Rodrigues, não à toa apelidado Doctor Reggae, ao apresentar, em 1982, na Excelsior FM, de São Paulo, o programa Roots, Rock, Reggae, produzido por Maurício Kubrusly, inteiramente dedicado ao gênero jamaicano; e, entre muitos outros acontecimentos, a morte (1996) do DJ Antonio José, o Lobo, que causou comoção generalizada e grandes filas de carros e pessoas acompanhando o féretro até o cemitério – particularmente não lembro de cortejo fúnebre mais frequentado por estas bandas.

As linhas do tempo terminam em 2018, com a inauguração do Museu do Reggae do Maranhão, devendo manter-se em constante atualização. Pode ainda haver quem torça o nariz, mas se passo a passo, literalmente, o reggae perdeu o estigma da violência e saltou das páginas policiais para as páginas de cultura, agora com o seu reconhecimento oficial pelo poder público, quem poderá prever seu futuro?

Covers de responsa

Foto: Dovilé Babraviciuté

 

“A Nação acende Radiola de clássicos”, anuncia a Nação Zumbi já na capa de seu álbum de covers, Radiola NZ Volume 1 – o que já deixa o fã clube em polvorosa: certamente vem um volume 2 aí, mas quando?

Radiola NZ. Capa. Reprodução

É disco curto – nove faixas – mas coeso: a banda não desmonta as faixas que relê, mas tem a pegada mangue, o peso da Nação.

Gilberto Gil, que gravou com a Nação Zumbi ainda nos tempos de Chico Science, em Afrociberdelia (1996), comparece ao repertório: é dele Refazenda, faixa que abre o disco unindo os tambores dos pernambucanos aos metais dos baianos da Orquestra Rumpilezz, liderada pelo maestro Letieres Leite. É como se a banda devolvesse uma gentileza, mais de 20 anos depois.

Causou frisson o anúncio, ano passado, do encontro, no Rock’n Rio, da Nação Zumbi com Ney Matogrosso, para um show baseado no repertório do Secos & Molhados. Uns gostaram, outros não, especulou-se sobre um disco do cantor com o grupo (como aconteceu em Vagabundo, que Ney assina com Pedro Luís e A Parede). Em Radiola NZ o encontro entre Ney e a Nação é eternizado em Amor (João Ricardo/ João Apolinário), que contrasta a leveza da letra (“leve, como leve pluma, muito leve, leve pousa”) e do canto de Ney com o peso da Nação, uma de suas marcas.

O disco reverencia ainda o ídolo soul Tim Maia (Balanço) – que já comparecia ao repertório do Almaz, projeto paralelo de Seu Jorge com o guitarrista Lúcio Maia e o baterista Pupillo –, Roberto Carlos (Não há dinheiro que pague, de Renato Barros, autor de muitos hits da Jovem Guarda), The Specials (Do nothing, de Lynval Golding), o muito censurado Taiguara (Dois animais na selva suja da rua), Beatles (Tomorrow never knows, de Lennon/McCartney), Marvin Gaye (Sexual healing, de Gaye com David Ritz e Odell Brown) e David Bowie (Ashes to ashes).

O repertório é quase inteiro de clássicos, músicas muito conhecidas e por vezes muito regravadas. Não deve ter sido fácil, mas a Nação Zumbi cumpriu com coerência o desafio a que se propôs, atraindo novos públicos para a própria banda e para os autores que releem.

Talvez a camisa 10, digo, a faixa 10 pudesse trazer um Jorge Benjor, outro ídolo confesso da rapaziada. Mas para isso Jorge dü Peixe e companhia têm outro projeto paralelo, o Los Sebozos Postizos, em que integrantes da Nação Zumbi dedicam-se a reler a obra do carioca.

Baile quer manter as tradições do carnaval brasileiro

Festa idealizada por Joãozinho Ribeiro terá presença de 15 artistas, entre intérpretes e instrumentistas

Célia Maria (à esquerda) solta o vozeirão durante ensaio, observada por Joãozinho Ribeiro (de chapéu). Foto: Hugo Carafunim

 

Sobre Joãozinho Ribeiro já afirmou Zeca Baleiro: um Quixote musical. Onde houver dois ou mais cristãos interessados em boa música, ali estará João. Dois é modo de dizer, que com apenas dois nem ele mesmo faz qualquer coisa. Seu espírito agregador sempre transforma qualquer empreitada sua em um grande acontecimento.

É o caso do Baile Allah-lá-ô no Ali Babá, que ocupa o restaurante especializado em comida árabe no próximo sábado (13), a partir das 17h. Na banda, os Arlindos Carvalho (bateria) e Pipiu (contrabaixo), Marcão (guitarra), Fleming (percussão), Gonzaga (sax), Gerson (trompete) e Walber Carvalho (voz), egresso de Nonato e Seu Conjunto. O time de intérpretes que se revezará no palco tem, além do idealizador e idealista Joãozinho Ribeiro, Célia Maria, Gabriela Flor, Rosa Reis, Josias Sobrinho, Cesar Teixeira, Celso Reis e Chico Neis. Os ingressos custam apenas R$ 10,00 e podem ser adquiridos no local.

“Carnaval é a festa brasileira da liberdade, dos reencantamentos artísticos e, por que não, da PAZ? “Bandeira Branca, amor”, com “tanto rei vestido de mendigo; tanto mendigo vestido de rei”, “procurei pela cidade, não achei o meu amor”, “antes que o Carnaval nos separe… te gruda no meu fofão””, afirma Joãozinho Ribeiro, antecipando alguns clássicos carnavalescos que comparecerão ao repertório, incluindo músicas autorais.

“Será possível reunir, ajuntar, compartilhar Ari Barroso, Nássara, Lamartine Babo, Noel Rosa, Braguinha, Cristóvão Alô Brasil, Caboclinho, Zé Pivó, Cesar Teixeira, Josias Sobrinho, Joãozinho Ribeiro e um rol de intérpretes do mais reluzente quilate, tais como Celia Maria, Rosa Reis, Celso Reis, além de um time de músicos de prima, sob a batuta destes dois patrimônios das nossas humanidades, Arlindo Pipiu e Arlindo Carvalho? Será o Benedito? Ou a Benedita?”, indaga-se/nos, provocador.

A festa promete, valorizando as melhores tradições do carnaval brasileiro. Joãozinho Ribeiro arremata, certeiro: “plena certeza de que a jardineira não terá motivação nenhuma para ficar triste…”.

Bruno Batista lança hoje (27) em São Luís videoclipe de Caixa preta

Divulgação

 

Logo mais às 20h, de graça, no Cine Praia Grande (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), o cantor e compositor Bruno Batista lança o videoclipe de Caixa preta (classificação indicativa: 14 anos), faixa de Bagaça (2016), seu quarto disco.

Este que vos perturba terei o prazer de mediar um papo entre o artista, o diretor Arturo Saboia, a produtora Luna Gandra e o ator Raffaele Petrini, diretor do Cine Praia Grande. Após a conversa e a exibição do videoclipe, uma after party com entrada gratuita aguarda o público no Chico Discos (esquina de 13 de Maio com Afogados, Centro), em que Petrini assume seu terceiro papel: o de dj da festa.

Com patrocínio de TVN, através da Lei Estadual de Incentivo à Cultura do Maranhão, o videoclipe Caixa preta foi rodado em dois dias em um casarão do Centro Histórico ludovicense. É estrelado por Ana Carolina De Dea e Petrini e a equipe técnica se completa com Arturo Saboia (roteiro e direção), Luna Gandra (produção executiva/set), Elden Magrão (direção de fotografia), Cris Quaresma (direção de arte/figurino), Manoel (logger/drone) e Magaive (gaffer).

Nesta faixa de Bagaça, Bruno Batista (voz) é acompanhado por Rovilson Pascoal (violão e produção), Gustavo Ruiz (guitarra e synth), Meno del Picchia (contrabaixo), Felipe Roseno (percussões e percussões eletrônicas), Pedro Mibielli (violino), Glauco Fernandes (violino), Dhyan Toffolo (viola) e Marcus Ribeiro (violoncelo). O arranjo de cordas é de João Carlos Araújo.

Letra de Bruno Batista e música de Demetrius Lulo, Dandara e Paulo Monarco, Caixa preta é uma canção de amor com referências que vão de Caetano Veloso a Mestre Leonardo. Ouça e chegue cantando ao lançamento do videoclipe:

Luiz Claudio de volta às raízes

Encantarias. Capa. Reprodução

 

Outra agradável surpresa que nos chega no apagar das luzes de 2017 é Encantarias [Na Music, 2017, disponível por enquanto apenas no formato digital], primeiro EP solo do percussionista Luiz Claudio, paraense radicado no Maranhão há mais de 40 anos.

Luiz Claudio é um mago, um mestre, um bruxo, um… escolha o melhor clichê para classificar alguém que é muito bom naquilo que faz, embora clichês não sejam suficientes para traduzir sua musicalidade.

Encantarias, título mais que apropriado, dá conta do que Luiz Claudio pretende e consegue abarcar: tem bumba meu boi de zabumba, tambor de crioula, reggae, divino e choro, mas nada em formato puro. O percussionista reprocessa, reinventa, mas nada ali sobra. Não é o tipo de músico que, ao querer exibir suas habilidades, esconde àqueles que se somam ao trabalho.

Em Adeus (Mestre Zió), toada de despedida do Bumba meu boi de Leonardo da Liberdade, que abre o EP, o naipe de metais evoca o maestro pernambucano Moacir Santos, em arranjo assinado por Elder Ferreira (trombone) e Zeca Baleiro. O naipe de metais se completa com o trompete de Ramon Pinheiro e o time com Jeff Soares (violão e contrabaixo), Luiz Claudio, Ribão Zabumbaça, Ricardo Sandoval e Bruno Zabumba (percussões), Djalma Chaves e Anna Claudia (vocais), irmã de Luiz. Convidado especial, Baleiro canta e toca violão.

Figura fácil em fichas técnicas de shows e discos de diversos artistas brasileiros, alguns deles comparecem a Encantarias. Chico César enfeita Paracatu (Luiz Claudio e Mano Borges) com sua voz. A música já havia sido gravada por Luiz Claudio com os garotos do Som da Lata, projeto social e musical desenvolvido pelo percussionista, que trabalhava a fabricação de instrumentos de percussão e o ensino de música a jovens da periferia de São Luís – sob a batuta de Luiz Claudio o grupo participou de Shopping Brazil (2004), disco de estreia do compositor Cesar Teixeira. Ao final, a voz e o toque de Mestre Felipe, homenageado da faixa, batizada por onomatopeia que imita o som do meião e do crivador. “Era como ele imitava o som dos tambores quando nos ensinou. Eu juntei e fiz a música, que no final homenageia também outra dança antiga, dançada pelos avós dele, o conduru”, revela Luiz Claudio a Homem de vícios antigos.

Se “reggae e boi têm semelhantes passos”, como nos alertou Inaldo Bartolomeu na toada Luzes e estrelas, do Bumba meu boi da Mocidade de Rosário, Maranhão terra de poeta (Chico Coimbra) e Morena bonita (Dançador) é a perfeita tradução da assertiva: Luiz Claudio canta e toca em ritmo de reggae duas toadas de boi de zabumba. “Eu até batizei [informalmente] essa faixa de Melô da Liberdade, é uma homenagem que eu faço ao bairro, cujas expressões culturais mais fortes são o boi de zabumba e o reggae, e uma homenagem a estes mestres, compositores, já falecidos”, afirma.

Ufanista, a faixa afirma sobre o bumba meu boi: “nós temos o melhor folclore brasileiro”. Um apito em seu início faz o ouvinte mais apressado imaginar que ouvirá uma toada, mas logo é desenganado pela pulsação do contrabaixo, em diálogo com o andamento do boi de zabumba: “morena, vem olhar meu boi/ é feito de gente feliz/ o cartaz dele é grande/ se espalhou pelo país/ se tu é da região Norte/ pega um transporte/ e vem pra São Luís”. A faixa tem a adesão de Victor Freire (contrabaixo), Vini Freire (vocal) e Igor Freire (vocal), integrantes da banda Cena Roots, relativamente nova no cenário local, mas demonstrando dar conta do recado, nesta prova de fogo, o fogo que afina os tambores do anfitrião.

Divino (Luiz Claudio) reaproxima o cacuriá e o divino. A dança tem origem na festa do catolicismo popular, mas há algum tempo sacro e profano se dissociaram. Luiz Claudio religa as pontas, citando Mariquinha, tema de domínio público (como a quase totalidade das cantigas do divino e do cacuriá), emoldurado pela rabeca de Thomas Rohrer, suíço radicado no Brasil há mais de 20 anos, com quem Luiz Claudio já havia se encontrado nos estúdios, durante as gravações de Vô imbolá (1999), segundo disco de Zeca Baleiro.

Janela (Allan Carvalho e Luiz Claudio) é um diálogo entre raças e geografias. À faixa comparecem o choro (brasileiro), o fado (português), a morna (cabo-verdiana), o lelê (de São Simão), o bumba meu boi (de Pindaré), executados por Marcelinho Sete Cordas (violão e cavaquinho), Luiz Claudio, Allan Carvalho e Thiago Albuquerque (percussões). Embora os xodós confessos de Luiz Claudio sejam o boi de zabumba e o tambor de crioula, esta última música, por sua diversidade, funciona como uma espécie de síntese de Encantarias.

“Esse trabalho é fruto de um momento muito introspectivo meu, estou voltando às raízes. Eu comecei a música com a cultura popular, tocando em grupos na década de 1970, tocando com Leonardo. Depois viajei mundo afora, encontrei o jazz, toquei com músicos eruditos, músicos de jazz, MPB, sempre, graças a Deus, da mais alta qualidade. Agora estou voltando e pretendo seguir esse caminho, que é trabalhar os diversos ritmos aqui do Maranhão. Trabalhá-los de forma rítmica, de forma melódica, tentar mostrar ao público que os tambores não são apenas ritmo, mas têm harmonia, melodia, como eu fiz nesse cd, misturando com instrumentos tradicionais, e aos poucos mostrando esse meu lado autoral. Eu tenho muita coisa escrita, eu escrevo bastante. Nesse EP eu canto, tem duas músicas minhas. O lado b desse EP vai ter mais músicas autorais, sempre trabalhando no resgate dos ritmos da cultura popular maranhense, cantando, compondo, arranjando”, adianta.

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Ouça Adeus (Mestre Zió):

O jazz brasileiro de Caymmi

Dorival. Capa. Reprodução

 

Vem de longa data o reconhecimento da sofisticação da música popular brasileira, uma das mais interessantes do planeta. Voltemos no tempo para permanecer no universo do homenageado, Caymmi, de quando sua O que é que a baiana tem?, interpretada por Carmem Miranda, integrou a trilha sonora do filme Banana da terra, em 1939, para gringo ver. Ou quando sua Doralice conquistou o Carnegie Hall e a bossa nova (com jazz) de João Gilberto (e Stan Getz) conquistou o mundo.

Dorival [2017], disco que reúne Tutty Moreno (bateria), Rodolfo Stroeter (contrabaixo), André Mehmari (piano) e Nailor Proveta (saxofone e clarinete), “time dos sonhos, reunião de bambas, quarteto fantástico”, como assinala Joyce Moreno em texto no encarte, “levando a música de Dorival Caymmi, gênio da raça, a mares nunca dantes navegados”.

Individualmente os integrantes deste quarteto têm relevantes serviços prestados à música brasileira, aqui e no exterior – Dorival foi gravado no Rainbow Studio, em Oslo –, assim como o homenageado. Há quase 20 anos já haviam se reunido em disco, em Forças d’alma, como Tutty Moreno Quarteto. Agora, assinando pura e simplesmente com seus próprios nomes, credenciais que lhes bastam, presenteiam os ouvidos mais atentos com “uma daquelas provas de que o Brasil que o Brasil merece é possível”, para continuarmos citando Joyce.

Em 10 faixas abordam o universo criativo de Dorival Caymmi, dono de uma das obras mais particulares da história da música brasileira – Morena do mar e Milagre reaparecem na Suíte Caymmi, que traz ainda entre uma e outra, que se repetem, Dois de fevereiro. A abordagem é original, o baiano elevado a jazz, mesmo quando se trata do Samba da minha terra, sem perder a essência de brasilidade, a brejeirice, o clima praieiro. Entre outras, comparecem ao repertório Sargaço mar, João Valentão, A vizinha do lado e Só louco – se uma das forças da obra de Caymmi reside na lírica, é tanto o talento dos instrumentistas reunidos em Dorival que a supressão das letras não diminui o brilho e valor de sua obra.

Praia, mar, céu e Caymmi são evocados na arte que embala o disco, assinada pelo talentoso Gal Oppido. Não é o primeiro disco inteiramente dedicado ao cancioneiro caymmiano. Espero que não seja o último. O grande trunfo de Dorival é que os craques do time jogam para o conjunto. Aqui e ali sobressaem-se seus talentos individuais, mas não há vontade ou necessidade de um querer demonstrar maior virtuosismo que outro. O importante é re/embalar, em beleza diversa da original, a obra do gênio a quem escolheram acertadamente homenagear.

Constroem, a partir da desconstrução da obra de Caymmi, uma nova obra, com respeito e reverência, singela e comovente como o pai de Dori, Danilo e Nana inventou.

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Ouça A vizinha do lado (Dorival Caymmi), com Tutty Moreno, Rodolfo Stroeter, André Mehmari e Nailor Proveta:

A nova saída de Dado Villa-Lobos

Exit. Capa. Reprodução

 

No apagar das luzes de 2017 o ex-Legião Urbana Dado Villa-Lobos lança Exit [Rockit, 2017]. O disco abre com a pegada rock de 7×1 (Dado Villa-Lobos/ Nenung/ Gabriel Muzak), letra de forte cunho político: “e é só assombração/ no reino dos parasitas/ e todo bom cidadão/ sabe fingir que acredita/ e quanto custa morrer/ nesse consórcio de azar?/ que é comprar pra manter/ tanta mentira no ar/ vagabundos com controle total/ assassinos além do bem e do mal”, termina.

A letra de Fogueira de natal (Dado Villa-Lobos/ Nenung) é apropriada para estes tempos em que o disco chega: “o natal foi fogo/ o fogo eu que comecei/ quem sabe o ano novo/ me devolva o que eu sonhei”. A sonoridade evoca Os The Darma Lóvers, de Nenung, parceiro de Dado Villa-Lobos em seis faixas – além de assinar sozinho Partida.

Dado Villa-Lobos canta (melhor que nunca) e pilota vários instrumentos (guitarra, violão, cigarbox, fender e ebow) em um disco pop cuja sonoridade dialoga com Legião Urbana, Os The Darma Lóvers, Beastie Boys – cujo rap I don’t know vira Então vem, em versão dele –, New Order – cuja Every little counts é citada em Voltando pra escola (Dado Villa-Lobos/ Nenung/ Roberto Pollo) –, Belchior – os versos “piscava o sinal vermelho/ quando peguei na sua mão”, de A saudade dos unicórnios (Dado Villa-Lobos/ Nenung/ Estevão Casé), evocam Medo de avião instantaneamente – e Serge Gainsbourg, na língua e ritmo de L’oeil du drone (Lucas Vasconcelos, com versão de Dado Villa-Lobos para o francês), cujo título é mais uma demonstração de que o artista está sintonizado com estes tempos trágicos.

A time que se completa com o percussionista Estevão Casé e o violonista e guitarrista Lucas Vasconcellos, que assinam a produção do disco, passeiam ainda por Exit, entre outros, Marcelo Callado (percussão), Bruno Di Lullo (percussão), Nina Becker (coro), Roberto Pollo (hammond, moog e melotron), Diogo Gomes (trompete), Thiago Queiroz (saxofone barítono) e Everson Nunes (trombone).

Um resumo possível de Exit é o que aponta Lucas Vasconcellos em texto no encarte do disco: “Um cavalo que avança sobre as certezas. Esse bicho sem freio é a vida vindo, irremediável encontro e desencanto. Exit é a visão crua e mágica desses tempos, onde os seres imaginários convivem com o incêndio do dia-a-dia numa harmonia contundente”, diz um trecho.

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Veja o making of de Fogueira de natal (Dado Villa-Lobos/ Nenung):

Show da Eddie coroou o já consagrado BR 135

Foto: Zema Ribeiro

 

Com 30 anos de estrada, a Eddie é menos conhecida – mas não menos importante – que seus pares de manguebit, principalmente Nação Zumbi e mundo livre s/a. Mas os meninos de Olinda já estavam na área quando o boom se deu e seguem firmes, fortes e tendo o que dizer.

No camarim, após o show da banda ontem (2), na última noite de Festival BR 135, Fábio Trummer me contou que o grupo foi convidado a gravar o disco de estreia no mesmo período em que Chico Science o fez. “Vamos lá! A gente só vai acontecer se for em bando”, vaticinava o malungo. A Eddie, com sua sabedoria, recusou: “Chico, nós ainda não estamos preparados para isso”.

Só estreariam em disco em 1998, com o ótimo Sonic Mambo. Nação Zumbi e mundo livre s/a já tinham dois discos cada uma e o vocalista da primeira já havia falecido em um trágico acidente automobilístico no carnaval do ano anterior. A pressa é inimiga da perfeição e o segundo disco só sairia em 2002, Original Olinda Style, título que bem cabe de rótulo ao som da banda, que mistura punk, rock, maracatu, ciranda, frevo, surf music e outros carnavais. Sobre este disco, uma curiosidade: a grana dos direitos autorais pela gravação de Quando a maré encher (Fábio Trummer/ Roger Man/ Bernardo Chopinho) por Cássia Eller, em seu Acústico MTV (2001), ajudou enormemente em sua feitura. A música, aliás, foi um dos pontos altos – e não foram poucos – do show vibrante de ontem, um passeio por todas as fases destes 30 anos de carreira – quase 20, se contarmos a partir do debut discográfico.

Fábio Trummer (guitarra e voz), Alexandre Urêa (percussão e voz), Andret Oliveira (trompete, teclados e samplers), Rob Meira (contrabaixo) e Kiko Meira (bateria) botaram o público para cantar, dançar e aplaudir. De Quebrou, saiu e foi ser só (de Morte e Vida, o disco mais recente, de 2015) a Veraneio (que batiza o disco de 2011), passando por Danada (de Metropolitano, de 2006), Desequilíbrio (de Carnaval no Inferno, de 2008), Sentado na beira do rio e Pode me chamar (ambas de Original Olinda Style).

Quando um fã mais afoito gritou pedindo por O Baile Betinha, Urêa retrucou, bem humorado: “você já quer acabar o show, rapaz?”. Fazia calor, Trummer deu mais um gole na long neck e agradeceu à polícia: “pelo expediente eles já podiam ter ido embora, mas ainda estão aí para garantir a segurança de todo mundo”. A programação da noite estava atrasada e ao se despedirem, lamentou, para desespero do ótimo público presente: “ainda tínhamos umas seis ou sete músicas”. Atenderam aquele pedido e não voltaram para o bis.

Em uma rede social da banda, um comunicado postado por volta de meio dia de hoje (3) anuncia a remarcação de um show em Londrina/PR para o ano que vem, em virtude de não terem conseguido “logística em tempo hábil para sair de São Luís”. O BR 135 marcou, então, o encerramento desta turnê da Eddie – não poderia haver coroamento mais adequado para ambos. Este mês a Eddie disponibilizará outro single do disco novo, a ser lançado em 2018.

Pessoalmente, Fábio Trummer é ainda mais simpático. Em seu braço esquerdo cheio de tatuagens, mostro a ela a mosca que dá nome à banda, que compareceu ao encarte do primeiro disco. Aos 47, ele entra de férias para curtir outra estreia: esperar a chegada de seu primeiro filho.

O novo som de Brasília

Foto: BR 135/Divulgação

 

A Muntchako não entrega o ouro ao bandido de cara: a princípio o show lembra uma espécie de Buena Vista Social Cover, trocadilho infame, o que não seria pouco. No palco, o trio só evoluiu ao longo de sua apresentação, ontem (2), na última noite do Festival BR 135. Não demorou para o público estar completamente entregue, dançando, aplaudindo, erguendo os braços.

Os teclados de Samuel Mota (guitarra, banjo, programação e synths) evocam bandoneons e logo um tango argentino me vai bem melhor que uma cumbia. Com Rodrigo Barata (bateria e samplers) e Macaxeira Acioli (percussão, samplers e voz), ele assina todas as faixas do álbum de estreia do grupo [2017], um caprichado vinil com sete faixas e produção musical de Curumin, mago cujo toque de Midas é uma espécie de certificado de qualidade – o álbum está disponível para audição e download gratuito e legal no site do Muntchako. A capa é desenhada pelo paraibano Shiko e evoca o Edy Star glam de Sweet Edy [1974], com o personagem mascarado que a estampa usando um botton com a inscrição “Temer jamais”. Não à toa o disco abre com Golpe.

Não há fronteiras ou quaisquer limites para a sonoridade do trio, convergência de experiências distintas. São três cabeças, mas a lista de instrumentos usados no disco e no palco é enorme. Na apresentação de ontem, destaque para o sample da voz da funkeira carioca Deize Tigrona, trazida virtualmente à ilha em Cardume de volume, faixa de que participa no disco – sem ela a festa não estaria completa.

Brasília não é berço apenas de escândalos políticos nem estacionou no rock brazuca oitentista.

O sistema é bruto

Foto: Zema Ribeiro

 

Musical e geograficamente o Baiana System está localizado entre a pernambucana Nação Zumbi e a carioca O Rappa. Como o nome indica, Russo Passapusso e companhia vêm da Bahia.

A sonoridade do grupo é uma salada que vai de samba-reggae, axé, pagode, rock, reggae, rap, um som urbano urgente que discute questões idem – especulação imobiliária, desigualdades sociais, racismo, trabalho – embaladas em bases de contrabaixo, guitarra, percussão, programações eletrônicas e a guitarra baiana na linha de frente. As projeções, com a máscara-símbolo do Baiana System em destaque, são outro elemento à parte, compõem o cenário mas estão para além disso.

Russo Passapusso é um showman sui generis: bota o público pra dançar, erguer os braços, fazer barulho, mas sabe que está ali para abrir cabeças, diferente da polícia que, Brasil afora, o faz a base de cassetetes, como ele mesmo disse, a frisar com um exemplo engraçado, de Salvador, em que policiais chegaram para espancar populares que estavam “fazendo a roda” e caíram na gargalhada em resposta às risadas com que foram recebidos. Ufa, foi por pouco. “Salve a polícia simpática, educada”, cumprimentou.

O vocalista e compositor se divertiu: fez a maior parte do show em frente ao palco, um nível abaixo da banda, dançando com um par de cazumbas que fazia as honras da casa. “Cadê o boi?”, perguntou ao perdê-los de vista. Várias vezes foi até o gradil cumprimentar o público, exalando simpatia.

Lançado ano passado, Duas cidades, base do repertório do show de ontem (30/11), na Praça Nauro Machado, na programação do Festival BR 135, figurou em quase todas as listas de melhores discos do ano. Lucro (Descomprimindo) dialoga diretamente com Aquarius, filme de Kléber Mendonça Filho estrelado por Sônia Braga: ambos têm a especulação imobiliária como personagem central.

Eletronicamente malemolente a faixa-título retrata o abismo social entre as periferias e bairros nobres de qualquer cidade do mundo: “diz em que cidade você se encaixa?/ cidade alta, cidade baixa”, provoca, reflete, a partir da realidade soteropolitana. “Dignidade é poder trabalhar”, diz verso de Mercado, em tempos de reformas trabalhista e previdenciária sob a égide golpista. O coro de “Fora, Temer!”, estimulado por Passapusso, soou tímido.

Não houve bis. O Baiana System dá seu recado – seco, duro, preciso, direto, urgente – mas não faz charminho.

“Viver é correr riscos, poesia é risco”

O baiano Lucas Santtana se apresenta hoje (1º.), às 22h, pela primeira vez em São Luís, na Praça Nauro Machado (Praia Grande), de graça, na programação do Festival BR 135.

São sete discos lançados em quase 20 anos de carreira, álbuns bastante diferentes entre si, o mais recente, Modo Avião, não dará as cartas no repertório de hoje à noite: o set list de Balada de Lucas, nome do show, foi escolhido pelos fãs, pela internet.

Multi-instrumentista, seu nome já frequentou fichas técnicas de discos de Marisa Monte, Chico Science & Nação Zumbi, Jussara Silveira e Caetano Veloso e Gilberto Gil – é dele a flauta em Baião atemporal, de Tropicália 2 [1993], faixa que homenageia seu tio Tom Zé.

A direção musical do espetáculo é de Xuxa Levy e Lucas Santtana, que não tocará nenhum instrumento para ficar livre para dançar e interagir com o público, sobe ao palco escoltado por Dudinha Lima (contrabaixo e guitarra), Jr. Deep Drumagik (batidas eletrônicas e samples), Rafa Moraes (guitarra) e Lenis Rino (percussões e octapad).

Por e-mail, Lucas Santtana conversou com exclusividade com Homem de vícios antigos.

Foto: Edu Pimenta

 

Lucas, você acaba de lançar disco novo. Em vez de optar por fazer o show de Modo Avião, você fará um show baseado em escolha popular pela internet. É mais um dado de tua enorme capacidade de se reinventar?
​Eu só quero fazer o show Modo Avião em teatros, com as pessoas sentadas. Não faz sentido fazê-lo em festivais e casas noturnas. Como meu show mais eletrônico com o Bruno e o Caetano já estava na estrada há cinco anos, senti a necessidade de criar um show novo, com novos arranjos, outra concepção. Chamei o Xuxa Levy para dirigir o show, coisa que nunca tinha feito antes. Queria sair um pouco de dentro da minha cabeça e acho que nesse sentido foi uma abertura positiva. Até porque já tenho quase 20 anos de estrada. Então para subir num palco e cantar uma música de 15 anos atrás você tem que se reinventar, sem dúvida. Se não há mais sentido e prazer em dizer aquilo, melhor não dizer.

Você tem discos completamente diferentes em sua carreira. A reinvenção constante é uma necessidade?
​Para mim sempre foi mais uma questão de tesão e de urgência. De precisar fazer um disco de dub, ou de violão ou mais eletrônico etc. Naquele momento é aquilo que tira meus pés do chão, me faz gozar, me faz sonhar acordado.​ Sinto que preciso fazer aquilo, que é urgente para mim fazer. Não sinto obrigação de que sempre seja diferente, simplesmente é assim que meu lado artístico tem se manifestado. E pago caro por essa escolha de mudar o tempo todo. Mas é isso, tenho que fazer reverberar a minha essência. Se me desconectasse dela é que pagaria um preço muito mais alto. Viver é correr riscos, poesia é risco. Ainda mais nos dias de hoje. Viver para instigar os outros.

Você é sobrinho de Tom Zé. No que este parentesco te ajudou e te atrapalhou? Qual o tamanho da responsabilidade em carregar essa informação no DNA?
​Não me atrapalhou em nada, até porque quase ninguém sabe desse parentesco [risos]. E nunca me fiz valer dele também apesar de ter muito orgulho e pertencimento. Estudando o samba [1975] é um dos cinco álbuns mais importantes da música brasileira. Há ali pela primeira vez a simbiose da canção com o ruído de maneira harmônica​. Ao mesmo tempo um disco experimental e de cancioneiro popular. O uso de samples, ou a invenção deles, já que não existia ainda máquinas de sampler. Aquilo abriu as portas para muitas coisas que vieram a seguir, veja o disco do Rincón Sapiência [Galanga livre, 2017] que usa um sampler de Tom Zé.

Nesta apresentação você não tocará nenhum instrumento, ficando livre para dançar e interagir com o público. É possível que a ideia percorra outros festivais ou outras apresentações tuas?
​No último show com o trio eu tocava vários instrumentos. Era legal, mas isso me prendia muito ali. Tava com saudade de ficar livre para olhar no olho das pessoas, chegar mais perto delas e só me preocupar em cantar, em passar o recado. No show do Modo Avião também só tenho cantado. É como me sinto agora, pode ser que alguma hora mude de novo. Mas por hora é tudo que eu quero.

Seu show tem direção musical de Xuxa Levy, que produziu recentemente discos de Emicida e As Bahias e a Cozinha Mineira, colocando você lado a lado com o que de melhor a música brasileira tem produzido atualmente. Como você se sente em meio a essa cena?
​Orgulhoso de fazer parte de uma cena tão rica e diversificada, que só reafirma e fortalece tudo que veio antes de nós.

A seu ver falta atenção por parte dos meios de comunicação, que insistem na mesmice?
​Olhe, eu acho que basicamente falta educação no Brasil. Em todas as classes sociais. Falta diálogo e, sobretudo, maturidade. Ainda somos uma sociedade bastante imatura, e muito disso é por falta de educação. Os meios de comunicação são apenas mais um reflexo disso. Muito pior do que a mesmice é a irresponsabilidade desses meios, que vêm insuflando o ódio e as polarizações dentro dessa sociedade imatura. Os meios de comunicação só têm servido para deseducar e manipular uma massa de manobra de maneira inconsequente.

Que outros nomes você destacaria na atual cena independente brasileira?
​Todos que estão tocando no Festival BR 135 esse ano e muitos outros que não vieram esse ano, mas virão nos próximos.

 

Em Streets Bloom, seu clipe mais recente, você homenageia São Paulo, a maior cidade do Brasil. Agora chega pela primeira vez a São Luís, capital com características completamente diversas daquela megalópole. Quais as tuas expectativas?
​As melhores possíveis. De conseguir fazer um show legal para as pessoas. De trocar energia e ideias com elas. Mas, sobretudo, de fazer amigos. O que sempre mudou para mim em relação às cidades que já toquei várias vezes é que quando você faz amigos, voltar àquela cidade se torna algo completamente diferente. Em certa medida é como re-visitar parentes, entende? Tenho amigos de longa data em Recife, em Belo Horizonte, em Brasília… e voltar para tocar nessas cidades é saber da alegria de revê-los. Espero que role o mesmo em São Luís.

Quando você ouve falar em Maranhão, no que você pensa, musicalmente falando?
​As Radiolas, Tambor de Crioula, a festa do Boi​, e mais recentemente do governo do Flávio Dino, que foi apontado pela FGV como o governo mais transparente do Brasil. Precisamos valorizar tudo que é público. Isso é ser patriota de verdade.

“O produtor deve tentar sempre se ater à melhor qualidade possível de sua época”

“Me pegou desprevenido mesmo! Mas vou te respondendo no voo… Ó aí!”, escreveu o produtor musical Bruno Giorgi na resposta ao e-mail que lhe enviei com as perguntas desta entrevista.

O filho de Lenine ainda não tem 30 anos e já é um dos nomes mais requisitados do Brasil em sua área. Praticamente nasceu dentro de estúdios e viu produtores lendários em ação, como Tom Capone (1966-2004).

Em 2006, Bruno Giorgi abriu o estúdio O Quarto, na Urca, Rio de Janeiro, onde atua como produtor e engenheiro de som. Uma busca com seu nome na internet levará a um escultor brasileiro homônimo (1905-1993). Nosso entrevistado foi indicado ao Grammy latino pela engenharia de som de Chão (2011), disco de seu pai. Ele assina a mixagem e masterização de Ottomatopeia (2017), disco mais recente do também pernambucano Otto.

Bruno Giorgi está em São Luís ministrando a oficina Introdução à produção musical, hoje (30), amanhã (1º./12) e depois (2/12), das 14h às 17h, no Centro Cultural Vale Maranhão, na programação do Conecta Música, evento paralelo de formação do Festival BR 135.

Ele conversou com exclusividade com Homem de vícios antigos.

Foto: Flora Pimentel/ Divulgação

 

Bruno, qual é efetivamente o papel de um produtor musical e quais os limites de sua interferência no trabalho de um artista?
Tudo depende do projeto a ser produzido. Há projetos em que o produtor cria toda a parte musical em conjunto com o artista. Também existem os projetos em que só cabe ao produtor gravar da melhor forma possível, com a menor interferência possível.  Isso, hoje em dia, é definido pelo artista, não mais pelo produtor.

Um produtor musical necessariamente não precisa ser músico, mas isso ajuda?
Todo conhecimento ajuda. O produtor está no meio de um diálogo entre o artista (ou a banda), músicos, técnicos e público. Para conseguir trabalhar com essa gama de profissionais, quanto mais ferramentas ele tiver, melhor.

Pelão [o produtor João Carlos Botezelli, responsável pelo lançamento em disco de nomes como Adoniran Barbosa, Cartola e Nelson Cavaquinho], Hermínio Bello de Carvalho [letrista de música popular, descobridor de Clementina de Jesus] e o escritor Sérgio Porto [assinava com o pseudônimo Stanislaw Ponte Preta, foi ele quem encontrou o compositor Cartola trabalhando como flanelinha] produziram discos fundamentais, sem serem instrumentistas. São exceções?
Existem vários outros ótimos produtores que não são músicos. Esta é uma discussão interessante, inclusive. Quem é músico? É só quem toca um instrumento?

O quanto sentimento ajuda no trabalho de um produtor? Explicando melhor: cumprir o papel de produtor apenas pelo cachê resulta num trabalho menos bom que um produzido por alguém que se emocione com o trabalho do produzido?
Esta pergunta é muito boa e vai ser um dos motes da nossa oficina! Obrigado por ela. Acho que existem produtores que já chegaram em um grau de experiência que os permite trabalhar satisfatoriamente com quase qualquer projeto. No caso desta pergunta, que julgo ser bastante pessoal, respondo apenas por mim… Acho que o interesse de todas as partes é fundamental para o sucesso de qualquer material artístico. No fim das contas, o trabalho envolvido na produção de um disco é lento e muito subjetivo; é difícil conciliar projetos, pois o trabalho requer imersão… No meu dia a dia, acabo priorizando os projetos em que me sinto necessário de alguma forma e isso tem a ver, claro, com interesse. Respondendo mais diretamente: prefiro indicar algum profissional que imagino que se adeque melhor à proposta do artista se o projeto não me despertar interesse. Por outro lado… É muito difícil um trabalho não me interessar hoje em dia. A maioria das bandas e artistas que chegam até mim me conheceram através de algum projeto anterior em que trabalhei. Isso acaba fazendo uma espécie de “seleção natural”: quem me procura o faz por notar alguma afinidade estética com o que já produzi…

O barateamento das tecnologias facilitou a vida dos artistas por um lado. Por outro, pulverizou a produção. Com tanta oferta e tanta exposição, como se destacar? O produtor tem também algum papel fundamental nisso?
Não costumo pensar no avanço tecnológico como uma ameaça aos profissionais que precisam dominar alguma técnica. Também não acredito que a facilidade que veio com a tecnologia reduziu a qualidade das produções; acho o exato contrário. Tendo dito isso, acredito que só se sobressai o profissional com um trabalho consistente. Isso é difícil. Mas está muito mais fácil do que há 20 anos.

As formas de produzir e consumir música mudaram ao longo das últimas décadas: vinil, cd, download, streaming, a volta do vinil. Como você avalia esta linha do tempo?
O material base continua sendo a música. Acredito que o mercado muda, a forma de se ouvir música também muda, mas seguimos tentando fazer uma música que se conecte com o resto das pessoas no mundo. Por isto, acredito que esta mudança de paradigmas só venha como uma atualização do objeto que dá play na música e não em alguma característica desta arte. Acho que o produtor, diante disso, deve tentar sempre se ater à melhor qualidade possível de sua época. O meio dita pouca coisa (hoje em dia, quase nada).

Você já trabalhou com nomes importantes da música brasileira, entre os quais Lenine e Otto, em seu disco mais recente. Pode revelar aos leitores com o que você está ocupado atualmente?
Entreguei a versão física do disco novo da banda pernambucana Kalouv esta semana. Estou finalizando o primeiro disco do Deriva, projeto do Mateus Guedes, também de Recife. Mês que vem começarei o disco novo do Lenine. Esta semana também sai o disco novo do Cicero, que gravei ao lado do Pedro Carneiro.

Brilha um Estrela

Foto: Zema Ribeiro

 

Lucas é Estrela desde o sobrenome. O guitarrista paraense colocou a multidão para dançar e aplaudir, ontem (25), na Praça Nauro Machado (Praia Grande), na programação do Festival BR 135 Instrumental.

É bastante jovem, pouco mais de 20 anos, mas toca como se tivesse mais tempo de experiência que de idade. Tem pose de rock star, mas é generoso: não quer o palco só pra si. O grupo que lhe acompanha, um percussionista, um tecladista e uma guitarrista que também toca banjo, se reveza na função de band leader. Todos falam, interagem com o público.

Lucas Estrela brilha e isto não é um trocadilho barato. Para além da música, o que por si só bastaria, usa uma camisa com paetês e um sapato lustradíssimo, parece que acabou de sair do engraxate, realçam-lhe o brilho.

É um homem bonito, com cabelos compridos inicialmente presos, mas que depois ele solta, balançando ao ritmo do que toca: siriá, tecnobrega, guitarrada, tecnoguitarrada, lambada. Nunca ouvi um brega de churrascaria tocado com tanta sofisticação. A sonoridade do quarteto faz o público parecer um enorme grupo de figurantes em cena de festa em filme de cineasta pernambucano com trilha sonora de DJ Dolores.

O Pará é tradicionalmente um celeiro de bons guitarristas. Lucas Estrela perpetua a tradição sendo moderno, ousado. Ano passado lançou Sal ou Moscou, seu disco de estreia. O primeiro a me falar dele foi o jornalistamigo Jotabê Medeiros, que assistiu a seu show no Se Rasgum em 2016, entrevistou-o e publicou uma matéria na CartaCapital. Quando comentei há poucos dias que o veria no Festival BR 135, o crítico musical mandou: “o garoto arrebenta”. De fato.

Ao fazer os agradecimentos, Lucas Estrela disse ter parentes no Maranhão, “metade da família no Pará, metade aqui em São Luís”. Várias pessoas na fila do gargarejo responderam ao cumprimento. Depois o artista desceu para o meio da multidão, empunhando sua guitarra, dançando e engrossando o coro de “Fora, Temer!”.

Ao anunciar o fim do show, Lucas Estrela ouviu de um ou outro tirador de onda mais exaltado: “toca Raul!” e “Calypso!”. Quando voltou para o bis, mandou: “vamos fazer mais uma. Não, vamos fazer logo mais duas” e seguiu com seu repertório autoral e dançante, cúmplice do público em êxtase do início ao fim.

Da Europa à Ilha

O grupo Quartabê se apresenta pela primeira vez em São Luís hoje (24). O show acontece às 21h30, na Praça Nauro Machado (Praia Grande), na programação do Festival BR 135 Instrumental – a programação de hoje na praça tem início às 19h e por ela passarão ainda os maranhenses DJ Pedro Sobrinho e Black & Tal, o paraense Lucas Estrela, além do Instrumental Pixinguinha, às 17h, na Feira da Praia Grande. A programação completa pode ser acessada no site do festival.

 

O Quartabê estreou em disco em 2015, com o ótimo Lição #1 Moacir, dedicado ao repertório de Moacir Santos. Este ano lançaram o EP Depê, também dedicado ao repertório do genial maestro pernambucano, com participações especiais de Juçara Marçal, MC Sofia, Tulipa Ruiz, Tim Bernardes e Arrigo Barnabé.

 

Após uma baixa – a saída da contrabaixista Ana Karina Sebastião –, Joana Queiroz (saxofone tenor, clarinete, clarone e flauta), Maria Beraldo (clarinete, clarone e sax alto), Mariá Portugal (bateria) e Rafael Montorfano, o Chicão (teclados) acabaram de chegar de sua primeira turnê europeia. O agora quarteto passou por Alemanha, Áustria, Espanha, França e Portugal. Foram 10 apresentações em 22 dias.

“Rumamos para o Festival BR135, no Centro Histórico de São Luís do Maranhão! Primeira vez da banda no Estado! Estamos ansiosíssimos para chegar nessa cidade maravilhosa que é São Luís, num Festival lindão, DE GRAÇA, tão cheio de gente bacana tocando. Dia 24 (sexta)”, assim a banda anunciou sua chegada à ilha em um boletim distribuído por e-mail a seu fã clube.

Por e-mail a baterista Mariá Portugal conversou com exclusividade com Homem de vícios antigos.

O quarteto em foto de José de Holanda

Vocês estiveram recentemente em turnê pela Europa e gravaram um single na Alemanha. Como foi a receptividade do público? Este single aponta algum caminho para um novo disco?
Na verdade gravamos um single na Espanha junto com a banda Forastero, dentro do Projeto SON Estrella Galicia, depois de ter dividido o palco no El Sol, em Madrid. Já participaram deste projeto Anelis Assumpção e Tulipa Ruiz. Este single significou principalmente uma troca de vivência com a banda, o que é uma forma muito interessante de entrar no ambiente musical do lugar, bem mais profundo que apenas fazer um show e ir embora. Passamos um dia inteiro no estúdio e gravamos uma música deles, e eles uma nossa.

No primeiro disco vocês homenagearam Moacir Santos. O próximo disco seguirá a trilha das lições de um mestre? Quem será o homenageado?
Sim, já estamos preparando nossa Lição #2, que será novamente sobre um compositor brasileiro (que não podemos revelar por enquanto, mas quem for ao nosso show consegue adivinhar).

A Quartabê agora é um quarteto. Como é se adaptar à nova formação?
Sim, desde setembro somos um quarteto. Como agora não temos baixista, dividimos a função do baixo entre nós quatro – ora o Chicão faz o baixo com sintetizadores, ora Joana ou Maria no clarone com auxílio de pedais, ora eu faço no MPC. Estamos bem felizes com a sonoridade que conseguimos, que sai do formato tradicional de quinteto de jazz que tínhamos com a Ana Karina Sebastião. Creio que essa mudança abriu uma série de possibilidades estéticas bem interessantes, e que com certeza refletirão no Lição #2.

A ida de Joana para uma residência artística na Argentina ano que vem pode vir a modificar novamente a formação do grupo? Ou ainda não se pensa efetivamente nisso?
A residência da Jojô será de apenas duas semanas, mas a verdade é que já estamos acostumadas com o fato de nós quatro sermos muito ativas profissionalmente e termos projetos paralelos. Isso é uma das coisas que fazem com que a Quartabê seja a banda que é. Todos nós estamos bem empolgadas com as conquistas dos últimos tempos e a fim de fazer acontecer. Ao que tudo indica, 2018 será um ótimo ano para a Quartabê.

Vocês tocam pela primeira vez em São Luís. Quais as expectativas? Musicalmente, o que vem à sua cabeça ao ouvir falar no Maranhão?
Estamos super empolgadas! Sabemos da riqueza musical maranhense e que tem muita gente esperando pela Quartabê por lá. Musicalmente nos vêm muitos nomes como os de Mestre Antonio Vieira, Dona Teté, Papete, a geração de Zeca Baleiro e Rita Benneditto, todo o mundo do Boi e do Tambor de Croula, toda a cena de reggae maranhense, Tião Carvalho, Lopes Bogéa… tantos outros. Pessoalmente, tenho uma história antiga com São Luís. Quando tinha por volta de 17 anos me hospedei junto com minha mãe na casa do percussionista Arlindo Carvalho. Aprendi muita coisa com ele e conheci vários outros músicos incríveis. Foi uma experiência inesquecível e transformadora.

E para além de musicalmente?
Arroz de cuxá, camarão seco com farinha d’água do Mercado Central e Guaraná Jesus!

Qual a base do repertório que vocês estão preparando para tocar aqui?
Será uma mistura dos nossos dois discos, Lição #1: Moacir e Depê (ambos dedicados à obra de Moacir Santos), com uma palhinha do Lição #2.

Você e Maria gravarão no próximo disco de Elza Soares. Para você, qual o significado de estar no sucessor de A mulher do fim do mundo?
Sem dúvida é um privilégio imenso. Nos dá a sensação de que estamos fazendo parte de um momento histórico. Só temos a agradecer.

A atualidade de Guilherme Arantes

A simples menção ao nome de Guilherme Arantes evoca diversos sucessos de sua autoria, não poucas baladas radiofônicas facilmente assobiáveis até hoje e temas em trilhas sonoras de novelas. Ouvir seu disco sem os encartes – sim, são dois – à mão nos leva a pensar em como ele tornou à sonoridade oitentista que o alçou ao gosto popular, apesar de certa sofisticação melódica.

Flores & cores. Capa. Reprodução

Ouvir seu disco com os encartes à mão é perceber que evocar aquela sonoridade foi justamente sua intenção. Um dos encartes traz longo texto reproduzindo a caligrafia do compositor, pianista e cantor, em que ele se debruça sobre a gênese de Flores & cores [2017], seu 27º. álbum em 41 anos de carreira – após o lançamento, ano passado, de um documentário e um box comemorativo das quatro décadas de trajetória, iniciada com a banda progressiva Moto Perpétuo, que lançou um único disco, homônimo, ele se sentiu livre para recomeçar.

Revolveu velhas fitas cassetes e papéis amarelados que estavam se esfarelando com o tempo, retomou coisas antigas, mexeu em coisa ou outra entre letras e melodias e o resultado é um disco que conjuga a sonoridade de seu período de maior sucesso com os dias atuais.

Semente da maré é um dos primeiros hits do disco, apesar do tema árido e urgente: os refugiados ao redor do mundo. “Me vejo em qualquer morada…/ não conheço mais qual país/ corresponde a qual lembrança/ onde fui parar, o que eu fiz…/ duelo perdido, desde a tenra infância…/ …e o refugiado olha ao redor…/ sem ver semelhança”, diz a letra, facilmente assobiável, perfeita para o rádio na hora do rush.

A banda base de Guilherme Arantes, que pilota diversos pianos e teclados, é formada por Gabriel Martini (percussão e violões), Willy Verdaguer (contrabaixo) e Alexandre Blanc (violões e guitarras). O projeto gráfico do disco evoca ares psicodélicos, em diálogo com o tema de amor da faixa-título. Gravado no estúdio Coaxo do Sapo, na Bahia, há momentos solares, como Numa onda (Nada no mar) e Praia linda, músicas que falam de amor, tal qual Chama de um grande amor, mais escancarada.

Em tempos de música feita para consumo imediato e descarte idem, Guilherme Arantes recicla o conteúdo de seu baú, a revelar o porquê de sua longevidade artística. Música boa não tem idade e o paulista é um artista dos dias atuais.

Ouça Semente da maré: