Não à toa Samba [2014, comédia dramática, 120 min.] é um dos destaques do Festival Varilux de Cinema Francês – em cartaz em 80 salas do Brasil até amanhã (17); em São Luís, no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença).
O filme é o aguardado sucessor de Intocáveis [Intouchables, 2011, comédia, 112 min.], sucesso de público e crítica, de Eric Toledano e Olivier Nakache.
A música brasileira está presente na trilha, com Gilberto Gil (Palco) e Jorge Benjor (Take it easy, my brother Charles), mas Samba não é sobre o gênero musical nacional difundido internacionalmente.
O personagem-título (Omar Sy) é um imigrante senegalês ilegal que vive fugindo da polícia e se pendurando – literalmente – em empregos os mais diversos: lavador de pratos e vidraças, segurança, separador de material reciclável em uma usina, cozinheiro.
Uma vez apanhado pela polícia, até poder pedir novo visto, Samba tem que escapar como pode, usando documentos falsos, evitando lugares movimentados e até mesmo se equilibrando em telhados. Ele vive com um tio, que há mais tempo em Paris, possui visto legal e trabalha como cozinheiro em um restaurante chique.
Preso pela condição de clandestino, conhece Alice (Charlotte Gainsbourg), uma executiva que presta serviço voluntário para uma organização não governamental que luta pelos direitos dos imigrantes na França. No primeiro atendimento, entre barra de cereal, remédios para dormir e números de telefone, ela não dá ouvidos à recomendação de distanciamento feito por uma colega (Izia Higelin) no trabalho voluntário. Outro personagem que merece destaque é o de Tahar Rahim, imigrante árabe que se passa por brasileiro – segundo ele é mais fácil conseguir trabalho e mulheres –, que vira parceiro de aventuras de Samba Cissé.
Com muitos momentos divertidos – não foram poucas as vezes em que a plateia gargalhou – o filme é engraçado e, para além do riso fácil, discute problemas sociais contemporâneos, não exclusivamente franceses. Um trunfo do par de diretores, aliás: encher salas com pessoas que certamente não iriam ao cinema para ver (apenas) realidades nuas e cruas.
Samba é duro demais para ser comédia e divertido demais para drama.
Apolônio Melônio (23 de julho de 1918 – 2 de junho de 2015) tinha poesia até no nome. Nenhum outro bumba meu boi tinha nome mais apropriado para (res)guardar os seres mágicos que habitavam aquela Floresta, em especial os cazumbás. Tamanha foi sua devoção à Floresta que o grupo tanto era chamado Boi da Floresta como Boi de Apolônio. Faleceu na noite de ontem (2), aos 96 anos, vítima de insuficiência renal após duas semanas internado.
Dessa vez é verdade, após duas barrigadas: uma há poucos dias, fruto do irresponsável jornalismo nosso de cada dia, que publica sem checar; outra, há muito tempo, em 1954, quando um jornal listou-o entre as vítimas do Maria Celeste, navio em que trabalhava – foi estivador –, que afundou após um incêndio.
“Mestre Apolônio havia escapado espetacularmente, prendendo o fôlego e mergulhando por metros e metros sob a superfície do mar em chamas. Nos intervalos do fogaréu sobre as águas, emergia para respirar. Assim conseguiu alcançar a Beira Mar”, lembrou recentemente o cineasta e professor universitário Murilo Santos, em uma rede social.
Nascido em São João Batista – outra predestinação, nascer em lugar com nome de santo junino – Mestre Apolônio veio para São Luís em 1939. Há 42 anos fundou o Boi da Floresta. Antes, com o saudoso Coxinho, foi um dos fundadores do Boi de Pindaré, do mesmo sotaque do grupamento que agora perde seu líder.
“Apolônio foi muito grande em tudo. Fez um trabalho lindo na Floresta, que segue. Tem que ter investimento no bumba meu boi o ano todo, para gerar renda, lazer, turismo, conhecimento”, defendeu a jornalista Giselle Bossard, diretora e roteirista de Brincando na floresta [Brasil, 2014, 30 min.], que ilustra este obituário, documentário curta-metragem sobre o boi e seu amo. Ela é favorável à garantia de um auxílio-saúde e um valor mensal para os mestres de cultura popular a partir de determinada idade. “Estes mestres precisam, levam uma vida pesada”, defende.
Em 2007 Mestre Apolônio foi um dos contemplados com o Prêmio Culturas Populares Mestre Duda 100 anos de Frevo, concedido pelo Ministério da Cultura (MinC). Traduzindo as necessidades apontadas por Bossard, à época, o dinheiro do prêmio custeou um tratamento de saúde do artista.
Pouca gente sabe, mas é o pernambucano Bezerra da Silva (Recife, 23 de fevereiro de 1927 – Rio de Janeiro, 17 de janeiro de 2005) quem toca percussão no disco de estreia de Zé Ramalho (descontado o Paêbirú, lançado três anos antes, dividido com Lula Cortes), que abre com Avôhai, Vila do Sossego e Chão de giz, levando-nos a crer que estamos diante de uma coletânea.
Era 1978 e, qual o paraibano Zé, “vige, como tem Zé na Paraíba”, como cantaria Jackson do Pandeiro, o próprio Bezerra da Silva um José de batismo, era um nordestino radicado na Cidade Maravilhosa, e assim seguiu até falecer, então um especialista em cocos e outros gêneros tradicionais do Pernambuco natal. Só depois é que Bezerra cairia no samba, no partido-alto e particularmente no que pejorativamente passaram a chamar de “sambandido”, injustiça pura.
Bezerra da Silva identificou-se com os marginais: biscateiros, desempregados, operários, ambulantes e toda sorte de moradores das favelas cariocas, acima de tudo compositores, embora não vivessem (nem vivam hoje) de música. Foi sua melhor voz.
Parte desta galeria desfila em Onde a coruja dorme [documentário, Brasil, 2012, 72 min., direção: Marcia Derraik e Simplicio Neto], gravado com Bezerra ainda vivo, ele nos guiando pelo título, as ladeiras, vielas e habitações simples de morros cariocas, mina que guardava seus fornecedores de obras-primas, de temas e personagens os mais variados: drogas, caguetes, malandros, otários, policiais, delegados, políticos, sogras e o que mais lhes desse nas cucas. “Como é que eu vou cantar o amor, se eu nunca tive?”, indaga Bezerra em determinada altura do documentário.
O filme joga luz ao repertório de Bezerra, desmistificando a pecha de “cantor de bandido”, dando nomes e rostos a autores de clássicos até hoje cantados e regravados como Malandragem, dá um tempo [de Adezonilton, Popular P e Moacyr Bombeiro] e A semente [de Felipão, Roxinho, Tião Miranda e Walmir da Purificação], entre inúmeras outras.
Se por um lado, com sua interpretação definitiva, Bezerra da Silva praticamente ofuscou os compositores que gravou – com um intérprete desses, quem se interessa em saber quem compôs o quê? –, por outro, seu repertório caiu tão no gosto popular que às vezes é possível pensar que esta ou aquela é de domínio público.
Eis aí o trunfo de Onde a coruja dorme: apresentar alguns dos fornecedores de matéria-prima, sambas da melhor qualidade, aos discos de Bezerra. Comparecem 1000tinho (sic), Adezonilton, Barbeirinho do Jacarezinho, Cláudio Inspiração, Juarez da Boca do Mato, Moacyr Bombeiro e Nilson Reza Forte, entre outros. A etimologia de seus engraçados nomes “artísticos” dariam outro documentário.
Em meio às dificuldades cotidianas, prevalece o bom humor. A música desta galeria – e de Bezerra, portanto – sempre foi baseada em fatos reais. Lembrá-los, causos e músicas, em meio a rodas de samba e algumas garrafas, garante boas risadas a personagens e espectadores.
No geral, nada importa mais para o brasileiro médio que o futebol. Por causa do esporte se morre e se mata, num fanatismo inexplicável. Não à toa o tricampeonato mundial da Seleção Brasileira, no México, em 1970, com Pelé e companhia, foi usado como um reforço ao “ame-o ou deixe-o” travestido de civismo – e cinismo – da ditadura militar. Anos depois, o fim daquela década deu início ao maior movimento de contestação do regime dos generais em um clube de futebol: a Democracia Corinthiana.
O auge se deu em 1982 – quando a ditadura militar brasileira chegava à maioridade – e 83, com o Corinthians ganhando um bicampeonato paulista, com sobras de talento, futebol-arte, elegância e coesão. “Ganhar ou perder, sempre com democracia” era o slogan.
Paraense de nascimento, médico de profissão, socialista por opção, filósofo Brasileiro de batismo, Sócrates era o comandante da guinada à esquerda dentro do clube paulista, em que tudo passou a ser decidido coletivamente, reagindo a outra ditadura que ali se perpetuava, ganhando outras dimensões e conotações.
Os tempos eram outros, o rock brazuca, em seu nascedouro, ainda tinha algo a dizer, estádios não eram arenas, o futebol ainda não era apenas um esquema globalizado de jogadores com salários de cifras incontáveis, fora a publicidade, e ninguém tinha nada a ver com a vida privada dos craques.
Uma fala do apresentador Serginho Groisman sintetiza Democracia em preto e branco – futebol, política e rock n’ roll [Brasil, documentário, 90 min., direção: Pedro Asbeg], filme que resume bem essa história: estão ali os três assuntos do subtítulo, que em geral somos ensinados a não discutir – certamente por ranço da ditadura –, o último por mera questão de gosto (cada um tem o seu). Às vezes a conta era fechada com religião, outro assunto indiscutível – ouvi a advertência muitas vezes na infância e adolescência.
Narrado por Rita Lee e fartamente ilustrado pelo nascente brock e por golaços corintianos da época – torça-se ou não pelo alvinegro do Parque São Jorge, é inegável a categoria daquele elenco –, o filme traz depoimentos de músicos, jornalistas, jogadores de futebol e políticos, para contar um capítulo importante da história recente do Brasil, sob uma ótica bastante original.
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Acontece hoje (24), às 16h, no auditório Mário Meireles (Centro de Ciências Humanas da Universidade Federal do Maranhão), a sessão de abertura da mostra Cinema Pela Verdade, que em 2015 chega à sua quarta edição.
Após a sessão, gratuita e aberta ao público em geral, este que vos perturba participa do debate com os professores Luiz Eduardo Lopes (História/ UFMA/ Pinheiro) e Adriana Facina (Programa de Pós-Graduação em Antropologia Social/ Museu Nacional/ UFRJ), coordenadora pedagógica do projeto.
Segunda edição da festa CineraMA acontece sexta-feira (20), no Chico Discos, com entrada franca
Divulgação
A curadoria do projeto CineraMA já selecionou os cinco argumentos que serão trabalhados pela equipe, junto dos autores, transformando-os em roteiros ao longo de 2015.
A lista será conhecida nesta sexta-feira (20), às 20h, no Chico Discos (Rua Treze de Maio, 289-A, altos, esquina com Afogados, Centro), onde acontece a segunda edição da festa CineraMA.
Conforme o regulamento que regeu o concurso, cada autor receberá um prêmio em dinheiro de R$ 1.000,00 e participará do processo de transformação de seu argumento em roteiro – os curtas-metragens serão rodados ainda este ano.
A festa CineraMA terá exibição dos premiados Acalanto, de Arturo Saboia, e Carlos e Zelinda – A estrela e o vagalume, de Beto Matuck e Celso Borges. O primeiro é baseado em um conto do escritor moçambicano Mia Couto; o segundo, na vida do casal de folcloristas Carlos e Zelinda Lima. A animação fica por conta da discotecagem de Raffaele Petrini, com o melhor das trilhas sonoras de cinema direto do vinil.
O projeto CineraMA tem patrocínio da Vivo, através da Lei Estadual de Incentivo à Cultura do Maranhão.
Serviço
O quê: festa CineraMA. Onde: Chico Discos (Rua Treze de Maio, 289-A, altos, esquina com Afogados, Centro). Quando: dia 20 (sexta-feira), às 20h. Quanto: entrada franca. Maiores informações: (98) 999663333 (Mavi Simão, produtora).
Tairo Lisboa é um dos nomes que tem ajudado a movimentar a cena criativa de São Luís de ao menos dois anos para cá. Foi através dele que ouvi falar pela primeira vez em Phil Veras e Tiago Máci, por exemplo.
Do primeiro produziu shows no Chico Discos. Do segundo, organizou uma exposição de caricaturas, no mesmo lugar – minha geladeira ostenta um ímã com Cesar Teixeira, que viria a ser personagem de música sua tempos depois, mas esta é outra história. O nome do produtor figura no encarte do recém-lançado Mete o amor, forte, EP do segundo.
Há algum tempo Tairo Lisboa foi selecionado em um concurso para o qual inscreveu um roteiro – ou a ideia – de um documentário sobre Patativa. Tempos depois fui convidado a prestar meu depoimento sobre a madredivina dama.
Xiri meu ficou pronto e foi exibido em sessões superconcorridas no Cine Praia Grande, ocasião em que o público pode conhecer todos os curtas-metragens que resultaram do projeto São Luís nos 4 Cantos, idealizado por Mavi Simão, responsável também por Cinerama e Maranhão na Tela.
Lembro que eu mesmo não consegui assistir ao doc de Tairo, contentando-me, aquela noite, com um cachorro-quente do Souza, a volta para casa e um “fica para a próxima”. O público na porta do cinema era tanto que houve, na mesma noite, uma segunda sessão – mas disso só soube depois, já tinha ido embora.
Discípulo – voluntário ou não – de Murilo Santos, cineasta e fotógrafo que sempre volta aos lugares para “prestar contas” do que andou captando com suas lentes, Tairo Lisboa realizou uma sessão de exibição de Xiri meu na Feira da Praia Grande, um dos habitats naturais da autora de Colher de chá. Por um motivo ou outro acabei perdendo também.
Só fui ver o filme na noite em que Patativa lançava Ninguém é melhor do que eu, seu disco de estreia, em show no Porto da Gabi – bar que ficou famoso pelo reggae semanal realizado às sextas-feiras há três anos, cuja proprietária é personagem de um dos sambas – o Samba dos seis – gravados no disco, outra paisagem frequentada por Maria do Socorro Silva, nome de pia de Patativa.
Mas o filme que vi era diferente – eu não aparecia (isso era o de menos). Tairo andou mexendo em coisa e outra para participar de um ou outro festival – em alguns, mais conservadores, teve que trocar inclusive o título, já que não pegava bem, ter em suas programações, um dos nomes pelo qual é conhecido, no Maranhão, o órgão sexual feminino, como indica uma nota no encarte do disco de estreia de Patativa.
Recentemente Tairo Lisboa disponibilizou a íntegra da versão, digamos, original de Xiri meu no Youtube. A protagonista está em franca divulgação de seu primeiro disco. Vejam o filme e divirtam-se enquanto o diretor nos conta o que está tramando para 2015.
Festa embalada por trilhas de cinema acontece 11 de dezembro no Chico Discos
Com patrocínio da Vivo, por meio da Lei Estadual de Incentivo à Cultura, e realização da Mil Ciclos Filmes, acontece no próximo dia 11 de dezembro (quinta-feira), às 20h, no Chico Discos (Rua Treze de Maio, 289-A, esquina com Afogados), o Cine Baile Coletiva.
Para convidados, a festa apresentará o projeto CineraMA, que realizará 10 curtas-metragens de ficção ao longo de 2015 e contará ainda com outras três festas temáticas, além de uma mostra com os filmes realizados pelo projeto. Na ocasião, além da apresentação das ações que integrarão o CineraMA, também será lançado o regulamento do concurso de argumentos que dará origem ao roteiro dos curtas.
“Queremos que as pessoas ligadas ao audiovisual e à literatura, que têm boas ideias, participem, se inscrevam. Nesse primeiro momento serão selecionados 10 argumentos, que se transformarão em roteiros e serão filmados ano que vem”, explica a idealizadora do CineraMA Mavi Simão.
O Cine Baile Coletiva é também uma coletiva de imprensa, em que os profissionais dos meios de comunicação ficarão por dentro das ações previstas pelo projeto para o ano que vem. “É uma forma diferente, original, de divulgarmos as ações, misturando trabalho e diversão. Como dizemos no slogan da CineraMA, é o Maranhão fazendo cinema como nunca e festejando como sempre”, comenta Mavi.
A animação será garantida pela discotecagem de Raffaele Petrini, amante de cinema e colecionador de discos de vinil. Suas agulhas reescreverão as trilhas das vidas dos presentes: soundtracks antológicas serão lembradas. A festa promete. Sem hora para subirem os créditos.
Serviço
O quê: Festa Cine Baile Coletiva. Lançamento do projeto CineraMA. Quando: 11 de dezembro (quinta-feira), às 20h. Onde: Chico Discos (Rua Treze de Maio, 289-A, esquina com Afogados, Centro). Quanto: Grátis. Para convidados. Assessoria de imprensa: Zema Ribeiro | (98) 981220009 | zemaribeiro@gmail.com Idealizadora do projeto: Mavi Simão | (98) 999663333 | mavisimao@globo.com
Em Vale tudo: o som e a fúria de Tim Maia [Objetiva, 2007, 392 p.], de Nelson Mota, o cantor genial e doidão começa pesando 60 quilos em 1954 e termina com 120 em 1997 – morreria em 15 de março de 1998, e a última frase do livro trata justamente disso.
Maior problema do livro, essa cronologia do peso – por que por demais linear – é também o maior problema de Tim Maia [Brasil, biografia, 140 minutos], filme de Mauro Lima inspirado no livro do jornalista.
Talvez por que a vida de Sebastião Rodrigues Maia tenha sido, por si só, cheia de altos e baixos. Do menino entregador de marmitas ao primeiro lugar nas paradas com o disco de estreia, à prisão por roubos e posse de drogas nos Estados Unidos, à gravação de Roberto Carlos para Não vou ficar, à adesão do artista a seita Universo em Desencanto: está tudo lá.
Tim Maia, o filme, de fotografia inspirada, consegue resgatar o clima e o ambiente de uma época, percorrendo o que de mais importante aconteceu na trajetória meteórica do biografado, cuja vida curta – morreu aos 55 anos, vítima dos excessos a que se submeteu – mesclou, em iguais proporções, a genialidade e a doideira.
Um dos grandes trunfos do filme é justamente não optar por um ou outro Tim Maia, mas tentar mostrar que suas duas bandas se retroalimentavam – e às vezes entravam em curto-circuito.
Outra opção interessante é a história ser narrada por Fábio (Cauã Reymond) – Juan Zenón Rolón, cantor paraguaio radicado no Brasil, inicialmente padrinho de Tim na noite carioca, depois músico de sua banda –, autor de outro livro sobre o professor de violão de Roberto e Erasmo: Até parece que foi sonho: meus trinta anos de amizade e trabalho com Tim Maia [Matrix, 131 p.], lançado no mesmo ano do livro de Nelson Motta.
Personagem controverso, sobretudo depois das discussões sobre biografias não autorizadas – suscitadas sobretudo a partir da censura que impôs a Paulo César de Araújo e a Editora Planeta por Roberto Carlos em Detalhes –, o Rei, ainda antes de receber a coroa, é retratado de forma exageradamente caricata.
Por falar em biografias, Tim Maia é um capítulo importante da cinematografia brasileira de um gênero que, apesar de cada vez mais difícil de ser realizado, tem produzido bons frutos ao longo dos últimos anos.
Hoje o professoramigo Ramusyo Brasil tem dose dupla de lançamento: às 20h no Cine Praia Grande (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande) ele realiza sessão de pré-lançamento de Maranhão 669 – Jogos de Phoder, um “filme de terror político”. A entrada é gratuita. Os ingressos devem ser retirados na bilheteria com meia hora de antecedência.
Na sequência, às 23h, no Porto da Gabi (Aterro do Bacanga), ele lança O reggae no Caribe brasileiro, fruto de sua tese de doutorado Reggae no Maranhão: música, mídia, poder, defendida em 2011 no Programa de Pós-Graduação em Ciências Sociais da PUC/SP. Sua pesquisa foi contemplada com prêmios de Melhor Tese de Doutorado da Associação Nacional dos Programas de Pós-Graduação em Ciências Sociais (Anpocs, 2011) e Melhor Tese de Doutorado da área de Ciências Humanas e Sociais (Fapema, 2012). O livro, financiado pelo edital de apoio à publicação da Fapema, sai pela editora Pitomba.
Desde que descobri a coincidência tive um orgulho meio besta de ter nascido no mesmo dia de Manoel de Barros. Como se dividirmos signo e data de nascimento nos desse alguma espécie de intimidade. Ele exatos 65 anos mais velho.
“O que é bom para o lixo é bom para a poesia”, aprendi com ele, que inventou coisas como o “abridor de manhãs”. “Tudo que não invento é falso”, o mantra me ecoa no juízo, aprendido em Só dez por cento é mentira, de Pedro Cezar, a ótima cinebiografia do mato-grossense.
Hoje o poeta virou passarinho e voou fora da asa. Sem mais a dizer – quisera ter escrito isso em “idioleto manoelês archaico” –, deixo-lhes um poema, que diz muito sobre si e sua obra.
Hoje (29), no Colégio Universitário (Colun/UFMA), às 13h15, este que vos perturba dialoga com estudantes sobre Setenta [Brasil, documentário, 96min., direção: Emilia Silveira]. O título do documentário, que encontra e entrevista diversos deles, alude aos 70 militantes de esquerda exilados, trocados pelo embaixador suíço Giovanni Enrico Burcher, sequestrado pela resistência à ditadura militar.
A exibição integra o Circuito Universitário de Cinema, que está acontecendo em todas as capitais brasileiras e, em São Luís, tem como agente mobilizadora Nadia Biondo, estudante de Comunicação da UFMA. O circuito é realizado pela MPC & Associados e tem patrocínio da Petrobras. Suas sessões são gratuitas e abertas ao público.
O Circuito Universitário de Cinema estreia, em São Luís, o filme 500 – Os bebês roubados pela ditadura argentina, de Alexandre Valenti.
A sessão acontece às 14h, no Cine Teatro Viriato Corrêa, no IFMA do Monte Castelo.
O Circuito exibirá ainda os filmes Setenta, de Emília Silveira, e Duas Histórias, de Ângela Zoe, que também têm como temática as ditaduras instaladas na América Latina na segunda metade do século XX.
A realização do Circuito é da MPC & Associados e Nádia Biondo assina a mobilização local.
Nota do blogue: a convite de Dida Maranhão, com quem já tinha trabalhado quando assessorei Lourival Tavares, fiz a assessoria de comunicação para o lançamento do filme O camelo, o leão e a criança, do diretor paranaense radicado no Maranhão Paulo Blitos. Conversei com ele antes de ver o filme (tinha visto apenas um trailer), embora a entrevista só tenha sido publicada depois da sessão de estreia. Por isso, por exemplo, não aparecem, nem no texto de abertura, nem na entrevista, qualquer elogio à sublime trilha sonora, de autoria de Joaquim Santos, expert nisso, ou qualquer opinião sobre o filme, bem feito e bonito, embora me incomodem as cenas de making of integradas à trama.
Vias de Fato entrevistou o ator e diretor paranaense Paulo Blitos, que acaba de lançar O camelo, o leão e a criança, seu primeiro longa-metragem. Filme está em cartaz nos Cines Praia Grande e Lume
O ator e diretor durante a entrevista no Cafofo da Tia Dica. Foto: Zema Ribeiro
POR ZEMA RIBEIRO
A sinopse de O camelo, o leão e a criança, primeiro longa-metragem do ator e diretor paranaense Paulo Blitos, 60 anos, fala em “espantoso, estranho e inusitado, tal como se inserem, de modo geral inadvertidos, no curso da vida cotidiana”.
O filme mescla a história de vida de seus três personagens à tipologia do filósofo alemão Friedrich Nietzsche, encontrada no capítulo Das três transformações, de seu clássico Assim falava Zaratustra.
Com uma peça de teatro, alguns curtas e uma aposentadoria na bagagem, o ex-engenheiro chegou à São Luís há pouco mais de um ano, para realizar o filme, e acabou morando.
Em cartaz nos Cines Praia Grande (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande) e Lume (Edifício Office Tower, Renascença), O camelo, o leão e a criança teve sessão de estreia no último dia 21 de agosto, no primeiro. O filme foi rodado entre o Paraná (Curitiba) e o Maranhão (São Luís, Morros e Santo Amaro).
No Cafofo da Tia Dica, por detrás da livraria Poeme-se, na Praia Grande, o diretor conversou com o Vias de Fato sobre o filme e sua trajetória, do Paraná ao Maranhão, desde a engenharia até o cinema.
Paulo Blitos em cena de “O camelo, o leão e a criança”. Frame do vídeo. Reprodução
Como surgiu a ideia de um filme com essa tipologia nietzschiana? O camelo, o leão e a criança é retirado da tipologia do Nietzsche. Eu peguei a tipologia e tentei observar se isso acontecia nas histórias de pessoas. O filme é baseado em histórias reais. Tem três personagens centrais. Um personagem, que é a linha mestra do filme, que é um professor [interpretado por Paulo Blitos], a história é baseada em minha história.
Como o cinema entrou em sua vida? Eu sou engenheiro de formação. Trabalhei 30 anos em uma empresa, comecei como engenheiro, fui gerente, depois de cerca de 15 anos, larguei tudo [as atividades de engenharia e gerência], e fui trabalhar com treinamento, dentro da própria empresa. Larguei mão da engenharia, como eu digo “eu fui engenheiro”. Fui trabalhar com treinamento, a coisa da implantação da Qualidade Total, naquele tempo. Teve um gerente de área que bancou e eu fui trabalhar na área operacional. Nessa empresa eu me aposentei. Lá eu comecei a me envolver com arte, fui fazer curso de teatro para fazer treinamento. Foi através do curso de teatro, que eu fiz com um rapaz [Mauro Zanatta], que inclusive é um dos atores que está fazendo o trabalho [de O camelo, o leão e a criança] agora com a gente. Eu levei o teatro para dentro da organização, isso foi inovador, nessa área, nas empresas, em Curitiba.
Qual era a empresa? A Copel, uma empresa do setor elétrico [patrocina o filme, através da Lei de Incentivo à Cultura do Ministério da Cultura]. É uma empresa renomada em termos de treinamento, sempre contratando pessoas para fazer treinamento, mas não tinha essa coisa do teatro, da arte. Eu fui fazer teatro para aprender e acabei levando para dentro da empresa, montamos um grupo de teatro. Daí a arte começou a entrar em minha história. Nessa época eu já estava largando a engenharia, e buscando coisas mais filosóficas, estudava Física Quântica, Filosofia, eu gostava de usar isso dentro do treinamento, não ficar naquela coisa muito mecanicista, muito cartesiana. Então fiz esse curso que me ajudou. Sempre li bastante. Eu lia Nietzsche com 17 anos. Não entendia nada. Mas eu adorava! [risos]. Muita gente passou por essa experiência. Eu sempre gostei de Filosofia, mas acabei enveredando por outro caminho. Depois eu voltei, mas queria aplicar isso, não ficar só no hobby.
E sua carreira de ator e diretor? Houve uma carreira para além das atividades na empresa? A primeira atuação foi em 1999, no teatro. Eu comecei com treinamento em 1994, com esse rapaz, fiz um curso em Curitiba, para poder dar os cursos que eu dava na empresa. Ele me criou, digamos assim, foi o primeiro professor de teatro que eu tive. Ele me preparou para a questão da interpretação, e até hoje. Eu tive um trabalho premiado em um festival no sul, em Pinhais [no Paraná], Tuareg [exibido dia 16 no Cine Praia Grande, em sessão seguida de debate com o ator], curta-metragem rodado nos Lençóis [Maranhenses]. É um monólogo, eu ganhei o prêmio de melhor ator nesse festival. O teatro foi minha entrada como ator, fiz uma peça só, no circuito externo, o resto trabalhei mais na empresa, fazia algumas esquetes com atores que trabalhavam comigo. Eu me dedicava mais à empresa, acabei não me dedicando muito a uma carreira de ator. Sempre tive uma coisa de buscar, gosto quando tenho uma participação também na construção do texto. Essa peça que a gente fez, a gente fez muitas conversas sobre física quântica, espiritualidade, daí saiu o roteiro. Eu sempre procuro me envolver com o tema dos trabalhos que eu faço, no teatro e agora no cinema. Eu tenho que estar sentido, o afeto tem que estar presente. Eu fiz um curta que era de um amigo meu [Jul Leardini], parceiro no teatro, ele fez o roteiro de minha primeira peça, foi diretor, é codiretor desse filme [O camelo, o leão e a criança]. Ele ia ser o diretor, se o filme fosse rodado em Curitiba, mas como eu trouxe o filme para cá, eu assumi a direção, por uma contingência.
Você está morando em São Luís? Sim. Há um ano. Vim para São Luís fazer o filme, precisei ficar e gostei de ficar.
Fale um pouco das locações do filme. O filme foi rodado em Curitiba, São Luís, Lençóis, em Santo Amaro, e Morros. Em Curitiba nós fizemos algumas cenas internas, quase não aparece a cidade, e algumas cenas no campo, área rural, não dá para saber que é Curitiba. São Luís dá para saber que é a cidade, as cenas externas caracterizam bem a cidade.
De sua aposentadoria para o teatro e cinema foi um salto automático? Quando eu me aposentei, fiquei parado um tempo, fiz palestras fora, não estava mais querendo ficar na área organizacional. Primeiro fizemos um curta, não deu certo. Desenvolvemos o roteiro juntos, eu e esse meu amigo que era meu diretor, o Jul Leardini, na época nós nos juntamos, tinha uma outra pessoa, uma mulher que era minha companheira na época, e a gente fez o roteiro. Umas discussões, umas conversas dos três, questões filosóficas, existenciais, fizemos as filmagens. Foi em 2009, meu início no cinema foi em 2009, é recente. Eu me aposentei em 2008. Ele estava fazendo o curso de cinema em Curitiba, achamos um câmera interessado, mas não deu certo. A ideia do filme foi legal, mas o filme não chegou a ser concluído. Tem baixa resolução, a gente não quis nem colocar no youtube. Está parado, não foi concluído. Em 2011 começamos um segundo, com o mesmo pessoal, mudamos os câmeras. Pegamos a produtora que hoje está aqui comigo. Fizemos um curta chamado Ser lacerante, concluído no final de 2012. E fizemos uma animação, um curta, super oito, tem um festival de super oito em Curitiba, é super curta, tem três, quatro minutos. Este foi premiado e o roteiro é meu.
Filmes curta-metragem ainda têm uma vida muito restrita ao circuito de festivais. Qual a vida de teus filmes, em termos de exibição? Ser lacerante é um filme pesado, não foi selecionado por festivais. Esse de super oito foi feito para o festival. O terceiro foi Tuareg, para um festival em Taguatinga [no Distrito Federal] e para Pinhais, onde teve essa premiação. Curta no Brasil basicamente é festival. Hoje alguns canais, o Canal Brasil, parece que começam a exibir. O Tuareg não foi selecionado aqui no Guarnicê [festival de cine-vídeo].
E o processo de financiamento de tuas obras? O Tuareg eu banquei. Os outros foram feitos em cooperativa. Ser lacerante, que foi concluído, o que não foi concluído também. Cada um dá seu trabalho e se acontecer alguma premiação a gente divide. Em Tuareg nós gastamos cerca de 10 mil. Para O camelo, o leão e a criança captamos 80 mil de 277 mil. É um filme com uma proposta, uma linguagem mais artística, não tão convencional, não tão linear, hollywoodiana. A ideia é trabalhar muito com zoom, com luz, trabalhar com close, conseguimos um orçamento mais em conta [o filme tem patrocínio da Copel, através da Lei de Incentivo à Cultura do Ministério da Cultura].
Voltando à São Luís: como foi a decisão de fazer o filme aqui? Eu e minha produtora estamos juntos desde o começo [o início de sua carreira]. Eles [parte da equipe de produção do filme] vieram para cá em maio do ano passado, morar. Eu vim visita-los em junho, tínhamos uma ideia de fazer alguma coisa, um texto que eu tinha, que acabou gerando o Tuareg. Fomos para os Lençóis conhecer e acabamos filmando em cinco dias. Eu já tinha mandado o projeto [de O camelo, o leão e a criança] para a Lei Rouanet, aprovamos no final de 2012. Quando eu estava aqui, em junho, visitando-os, saiu a notícia de que havíamos sido contemplados com 80 mil, um terço do valor pedido. Estávamos aqui, eu e a produtora. A ideia era fazer o filme lá, o Jul ia ser nosso diretor. Daí resolvi vir para cá e fazer aqui. Apostamos nisso, viemos para cá, trouxemos tudo o que precisávamos. Vim fazer o filme e fui ficando, experimentei morar. O resultado foi o filme, vou lançar o filme em Curitiba também.
Gostaria que você comentasse um pouco do elenco e das personagens. Mauro Zanatta, que foi meu professor, interpreta o personagem baseado na vida do Jul, ele representa ser manco, o Jul tem uma paralisia. A ideia é que ele está representando de fato o próprio diretor [Jul Leardini, codiretor de O camelo, o leão e a criança]. Meu personagem se baseia na história de um professor, tem um pouco da minha história, das minhas ideias. O terceiro personagem é uma médica, esposa de meu consultor. Ela passou elementos da história dela, usamos no roteiro, para essa atriz interpretá-la. É uma médica muito ligada com espiritualidade, misticismo.
Como foi desenvolver o roteiro? Eu e Jul já tínhamos uma história anterior, dos filmes anteriores. Nos primeiros filmes a gente fala muito da gente. Os primeiros curtas são trabalhos filosóficos, não tem muito enredo, muita história pessoal. A ideia foi juntar essa questão filosófica, que a gente trata nos curtas, num filme falando de nossas histórias, fazendo uma ponte com a Filosofia. Daí veio a história do Nietzsche, do camelo, do leão e da criança. Conseguimos identificar, na história do Julmar [Jul Leardini], ele sofrendo discriminação por causa da paralisia dele, eu tenho uma história em relação a vícios, na verdade peguei um pouco da história do meu pai, foi alcoólatra, teve internações, eu junto com minha história. A médica apareceu depois. Nós não tínhamos uma mulher e queríamos uma ligada com o misticismo. Nossas conversas filosóficas elas versavam sobre questões sociais, filosofia, ciência, e espiritualidade. Buscávamos alguém que pudesse falar de uma vivência mística, de cura. Essa médica, além da cura da medicina mesmo, isso está no âmbito retratado no filme, ela volta-se mais para a questão da mística. Ela trouxe a história dela, dentro das práticas religiosas. Ela passa por meditação, budismo, e acaba desenvolvendo uma relação com religiões amazônicas, ayahuasca, Santo Daime, o professor também acaba usando. A gente trouxe tudo isso para o filme. Montamos o roteiro a partir de dados trazidos por essas histórias pessoais. Aí tivemos a participação desse meu amigo psicanalista [João Perci Schiavon, consultor do filme], ele trabalha muito a questão da psicanálise com a arte. Ele trouxe isso para o filme também. O professor faz essa ponte.
É possível resumir as intenções do filme? É a gente conseguir ver essa tipologia que o Nietzsche apresenta na história de três pessoas comuns e a gente conseguir perceber as fases de camelo que nós vivemos, a fase de leão, até a fase de criança. Conseguir enxergar essa tipologia. Nós pegamos essa tipologia específica e vamos ver como é que isso se encaixa na minha história pessoal, na história do ator e na história dessa médica. As histórias caminham em paralelo. Os três personagens estão se mostrando desde o início do filme. Há uma linearidade, a fase camelo no começo, mais característica para um e para outro, o professor que tem uma característica mais forte, o camelo do ator já mistura um pouco com a discriminação, a sociedade age sobre, e a da mística [a médica] com a religião. O professor tem uma relação mais subjetiva, mais psicológica, dele mesmo, o ator está mais ligado com a questão com a sociedade, e a mística está mais ligada com a questão religiosa, a espiritualidade, com a prática religiosa. Eu convergi essas três linhas para chegar ao professor. O professor é a linha mestra. Você consegue perceber as situações claramente, camelo e leão. A criança é outra história: eu usei de metalinguagens, vamos dizer assim. Eu não conseguia dizer onde é que está essa criança. Tem muito a ver com o super homem do Nietzsche. Eu não conseguia achar uma saída para isso, mas eu sinto que tem uma criança em alguns momentos da minha vida, em alguns momentos em que estou entregue para aquilo, os cursos que eu fazia.
A criança é uma constante? O Nietzsche fala que a criança não tem passado nem futuro: ela é inteira no presente. Não há diferenciação entre ela e o objeto: ela é o objeto. É o corpo que se configura. “Ame aquilo que te acontece, você é aquilo que te acontece”. Eu tenho momentos de criança, mas eu não consigo pegar e traduzir isso em uma atividade como eu consigo ver meu processo de leão, meu processo de camelo, assim como eu conseguia ver o processo do ator e da médica. Essa criança talvez não seja um processo para chegada, talvez o leão e o camelo sejam. É preciso passar pelo camelo, depois ser leão, pra chegar na criança finalmente. Como são passos, eles conseguem se apresentar como processo. A criança, como é mais um estado, vai se apresentar de forma não completa, não continuada, ela vai se apresentar em flashes, em situação, principalmente para a gente, que vem sempre sendo camelo e leão. Como é que eu mostro isso no filme? Eu tive uma sacada que espero que passe no filme.
Antes de São Luís, você sempre morou em Curitiba? Estive em Florianópolis um tempo, outro no Rio, mas sempre em Curitiba. Isso aqui [São Luís] é muito rico, é muito para entender ainda. Tem uma cultura que ao mesmo tempo em que reage, se opõe ao desenvolvimento neoliberal cultural europeu, acho que o Sul acabou se entregando muito mais a isso, Paraná, São Paulo, Porto Alegre, Minas, a coisa do europeu está muito mais clara, mais visível, aqui se tem uma coisa mais africana, indígena, europeia também. É para entender. Eu vejo uma desobediência civil, às vezes, parece que o povo faz só para desobedecer mesmo, a gente vê isso na rua, no trânsito, no jeito, alguns costumes. Eu vejo uma coisa às vezes tribal, deslumbramentos às vezes. Às vezes eu brinco, o carro é o espelhinho, tem uma disputa no trânsito. Por outro lado é interessante, não se submeteu. No Sul o que se vê: não se vê a pobreza na cidade, você vê a cidade limpa, a pobreza está na periferia. Aqui você vai na [Avenida dos] Holandeses, vira a esquina, é uma coisa mais verdadeira, um retrato de nossa civilização ocidental.
Da engenharia para a filosofia e o cinema e parece que agora para a antropologia. [Risos] A filosofia acaba buscando. No filme, a fala final conta uma história dos nômades, Deleuze [Gilles Deleuze, filósofo francês] fala muito nisso, é um cara que eu respeito na filosofia. Esse meu amigo consultor tem uma ligação forte com o Deleuze, é tradutor de Deleuze aqui no Brasil. Não está explícito, mas está lá. Tem essa coisa não linear, uma coisa assim, a gente até mexe com a questão do tempo, mas não o tempo cronológico. A personagem começa remetendo a uma história que teria acontecido no passado. As primeiras cenas são os três em preto e branco. Só que eles estão com a mesma figura de hoje, até o final do filme, e isso é proposital. Poderíamos ter feito o cara mais novo, maquiagem, outro ator, mas queremos sair dessa linearidade, dessa cronologia. A gente trata também essa coisa da filosofia com alguns textos, no filme. Uma característica do filme é essa: você não sabe se o professor é casado, se é pai, se é filho, se é homossexual, se não é. Você sabe da problemática dele, é tratar da questão, do problema dele, como ele se relaciona com as coisas da vida dele. O filme não mostra questões pessoais, isso para todos os personagens. Eles podem ser qualquer coisa, não vai fazer diferença. A gente trata das questões para as quais o filme foi feito: a questão do conhecimento, a questão do vício, a questão da discriminação e a mulher com a questão da religiosidade.
Ficha técnica: Roteiro e Direção: Paulo Blitos. >>> Codireção: Jul Leardini. >>> Produção: Paulo Blitos e Sync Cultural. >>> Elenco Principal: Paulo Blitos, Mauro Zanatta (preparação de elenco em Curitiba), Vanessa Gonsioroski, Raimundo Reis. >>> Direção de Fotografia e Câmera: Evandro Martin. >>> Som, Edição e Montagem: Edemar Miqueta. >>> Trilha Sonora: Joaquim Santos. >>> Direção de Produção: Élida Aragão (Maranhão), Suzana Aragão (Paraná). >>> Direção de Arte: Dida Maranhão. >>> Argumento: Paulo Blitos, João Perci Schiavon, Jul Leardini, Ana Lahis Tano Schiavon. >>> Consultor: João Perci Schiavon >>> Preparação de elenco (no Maranhão): Igor Nascimento.
O camelo, o leão e a criança, primeiro longa-metragem do curitibano Paulo Blitos foi rodado entre Paraná e Maranhão
Paulo Blitos em cena de “O camelo, o leão e a criança”. Reprodução
Como O camelo, o leão e a criança, seu primeiro longa-metragem, a trajetória do cineasta Paulo Blitos não é convencional. Engenheiro de formação, o teatro entrou em sua vida quando trabalhava em uma empresa do setor energético, em Curitiba, onde se aposentou.
“Trabalhei 30 anos, comecei como engenheiro, fui gerente, depois de cerca de 15 anos, larguei tudo [as atividades de engenharia e gerência], e fui trabalhar com treinamento, dentro da própria empresa. Larguei mão da engenharia, como eu digo “eu fui engenheiro”. Comecei a me envolver com arte, fui fazer curso de teatro para fazer treinamento. Foi através do curso de teatro, que eu fiz com um rapaz [Mauro Zanatta], que inclusive é um dos atores que está fazendo o trabalho [de O camelo, o leão e a criança] agora com a gente”, conta.
O filme é baseado na tipologia nietzschiana do capítulo Das três transformações, de Assim falava Zaratustra, conhecida obra do filósofo alemão. Blitos, que teve consultoria do psicanalista João Perci Schiavon (USP), conta que lia o bigodudo desde a adolescência. “Sempre li bastante. Eu lia Nietzsche com 17 anos. Não entendia nada. Mas eu adorava! [risos]. Muita gente passou por essa experiência. Eu sempre gostei de Filosofia, mas acabei enveredando por outro caminho. Depois eu voltei, mas queria aplicar isso, não ficar só no hobby”, revela.
“Eu peguei a tipologia e tentei observar se isso acontecia nas histórias de pessoas. O filme é baseado em histórias reais. Tem três personagens centrais. Um personagem, que é a linha mestra do filme, que é um professor [interpretado por Paulo Blitos], a história é baseada em minha história, mesclada a de meu pai”, adianta.
“A ideia do filme é a gente conseguir enxergar essa tipologia que o Nietzsche apresenta na história de três pessoas comuns e perceber as fases de camelo que nós vivemos, de leão, até a fase de criança. Nós pegamos essa tipologia específica e vamos ver como é que isso se encaixa na minha história pessoal, na história do ator e na história dessa médica”, resume.
Fora do trabalho na empresa, Blitos tem uma peça de teatro e três curtas-metragens na bagagem. O quarto [cronologicamente o primeiro realizado] não chegou a ser veiculado. “A ideia do filme foi legal, mas o filme não chegou a ser concluído. Tem baixa resolução, a gente não quis nem colocar no youtube. Está parado, não foi concluído”, revela, sem se lamentar. O mais recente, Tuareg, rodado em Barreirinhas/MA, em cinco dias, foi exibido sábado passado (16), no Cine Praia Grande, em sessão seguida de debate com o diretor/ator. O monólogo, que participou de festivais em Taguatinga/DF e Pinhais/PR, foi premiado no último.
O camelo, o leão e a criança foi rodado no Paraná (Curitiba) e Maranhão (São Luís, Morros e Santo Amaro). “Em Curitiba nós fizemos algumas cenas internas, quase não aparece a cidade, e algumas cenas no campo, área rural, não dá para saber que é Curitiba. São Luís dá para saber, as cenas externas caracterizam bem a cidade”, adianta.
O lançamento do filme acontece em sessão para convidados/as nesta quinta-feira (21), às 20h, no Cine Praia Grande. Interessados/as em geral poderão ocupar vagas de convidados/as faltantes, mediante disponibilidade. A partir dessa exibição o filme entra em cartaz na sala do Centro de Criatividade Odylo Costa, filho. Na mesma data o filme entra em cartaz no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença), às 16h.
Sinopse
“Três transformações do espírito vos apresento: como o espírito se transforma em camelo, o camelo em leão, e o leão, finalmente, em criança” (Nietzsche em Assim falava Zaratustra). É com o espantoso, o estranho e o inusitado, tal como se inserem, de modo geral inadvertidos, no curso da vida cotidiana, que o filme O camelo, o leão e a criança se constrói. Um professor de filosofia da ciência, um ator e diretor de teatro, uma médica e mística vivem diferentes fases de suas vidas (baseadas em histórias reais e relacionadas à tipologia nietzschiana). Cada uma das personagens se depara, em sua linha de vida, com a dimensão do estranho, seja na experiência de discriminação e seu fundo de violência, seja na vertigem do vício e da loucura, seja, ainda, no indizível do transe místico. O encontro com o real e a comoção que o filme desencadeia exigirão novos modos de pensar, de agir, de existir.
Trailer
Ficha Técnica
Gênero: ficção
Duração: 88 minutos
Roteiro e Direção: Paulo Blitos
Codireção: Jul Leardini
Direção de Fotografia e Câmera: Evandro Martin
Som, Edição e Montagem: Edemar Miqueta
Trilha Sonora: Joaquim Santos
Direção de Produção: Élida Aragão (Maranhão) e Suzana Aragão (Paraná)
Produção: Paulo Blitos e Sync Cultural
Direção de Arte: Dida Maranhão
Assessoria de comunicação: Zema Ribeiro
Rodado no Maranhão e Paraná, longa-metragem de Paulo Blitos dialoga com a obra de Nietzsche
Cartaz. Reprodução
O Cine Praia Grande, no Centro de Criatividade Odylo Costa, filho (Praia Grande), será palco do lançamento de O camelo, o leão e a criança, longa-metragem de Paulo Blitos, rodado no Paraná e no Maranhão. A sessão de lançamento acontece dia 21 de agosto (quinta-feira), às 18h, a partir de quando o filme entra em cartaz nos cines Praia Grande e Lume (Office Tower, Renascença).
O filme entrecruza a trajetória de três personagens centrais, identificando neles a tipologia nietzschiana do capítulo Das três transformações, de Assim falou Zaratustra, importante obra do filósofo alemão.
Cada personagem se depara com a dimensão do estranho: a experiência de discriminação e seu fundo de violência, a vertigem do vício e da loucura, e ainda o indizível do transe místico.
Homem de vícios antigos 