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Entre o riso e a desgraça

Parasita. Cartaz. Reprodução
Parasita. Cartaz. Reprodução

 

Merecidamente o sul-coreano Parasita [Coreia do Sul, 2019, 132 minutos; em cartaz no Cine Lume] figurou em diversas listas de melhores filmes de 2019, uma quase unanimidade ao lado de títulos como Bacurau e Coringa.

A tríade guarda semelhanças: abordam, de maneiras particulares, certa convulsão social, a partir de seus países de origem, mas dando um panorama do mundo, entre a ascensão de governos de extrema-direita e conflitos bélicos.

Parasita. Frame. Reprodução
Parasita. Frame. Reprodução

O filme de Bong Joon-ho é, ao mesmo tempo, comédia, drama e suspense, com suas reviravoltas. Conta a história da família Ki-taek, pobres moradores do subúrbio, que vivem numa casa insalubre, sem trabalhar – roubam o sinal de wi-fi de vizinhos e sofrem com uma inundação. “Eu preferia que fosse comida”, diz a filha em reação a uma pedra trazida de presente por um amigo, com a desculpa de ser um amuleto.

A trama se desenrola a partir de o filho Kim ir dar aulas particulares de inglês à bem nascida herdeira dos Park. A partir daí, em uma sequência surpreendente no roteiro bem urdido, eles começam a se infiltrar na mansão, dando um jeito de forçar demissões de antigos empregados, usando métodos nada convencionais.

Seria mero moralismo barato, no entanto, tachá-los simplesmente de charlatões. É, em certa medida, também, um microcosmo social vingando-se do sistema, do fosso social entre milionários e miseráveis (que no Brasil só aumenta).

Com sua bela fotografia e atuações firmes, Parasita, vencedor da Palma de Ouro em Cannes, nos coloca diante de dilemas como o limite da dignidade, da paciência, do senso de humor e da tolerância humanos. Seria desnecessário dizer, mas num tempo em que ironias precisam ser anunciadas e piadas explicadas, não é que se ache legítimo o uso da violência ou da vingança, mas a ficção aponta a possibilidade de um colapso. Exatamente como em Bacurau e Coringa, também criticados por isso, aqui e acolá.

Sobram críticas ao vira-latismo em voga (muito comum no Brasil também) entre os que acham que tudo o que é produzido nos Estados Unidos é bom e merece ser copiado. A senhora Park diz algumas vezes ao longo do filme que este ou aquele objeto é bom por que foi importado de lá.

Como seus citados pares de temporada, Parasita é um filme que além de todas as qualidades, gêneros e temas que se propõe a discutir, transita com desenvoltura entre o blockbuster e o filme de arte. Difícil de classificar, mas não de entender, refletir ou simplesmente apreciar, ao menos àqueles que ainda se permitem a isso ou aquilo.

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Veja o trailer:

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Um baile de cinema

Super Orquestra Arcoverdense de Ritmos Americanos. Cartaz. Reprodução

 

Um homem montado em um jumento transforma-se numa espécie de minotauro. Um minotauro moderno pode ter como segunda parte do corpo uma motocicleta. E é por uma espécie de labirinto que somos conduzidos ao longo do poético Super Orquestra Arcoverdense de Ritmos Americanos [documentário, Brasil, 2016, 80 minutos], de Sergio Oliveira, com roteiro dele, Leo Pyrata e Renata Pinheiro, estreia nacional da semana – em São Luís em cartaz no Cine Lume.

O filme é povoado por jumentos, burros, jegues e outros animais que puxam carroças, além de bodes, cachorros e galinhas. Prescinde de palavras ao acompanhar uma viagem do grupo que lhe intitula, carinhosamente conhecido também pela sigla Super Oara, outro destaque musical da cidade que já deu ao Brasil o Coco Raízes de Arcoverde e o Cordel do Fogo Encantado, estes, nomes tidos como representantes de uma cultura mais “pura”, “genuína”, do lugar, apesar do flerte do último com o rock’n’roll.

Mescla o fazer musical do grupo, entre guitarra, contrabaixo, bateria, percussão, saxofone, trompete, trombone e piano, sob a regência do maestro Beto, à vida cotidiana do município do sertão pernambucano, distante 256 km da capital Recife, entre obras, trânsito, o tanger dos animais, o fim de feira, uma corrida de jegues, um inusitado encontro de easy riders agrestes, crianças brincando.

Em um de seus ônibus, a Super Oara vai de Arcoverde a Serra Talhada tocar em um aniversário de 15 anos, na sede da AABB local. Seu repertório, como o nome do grupo indica, é especializado em standards americanos, e ao longo do filme ouvimos clássicos como New York, New York (John Kander/ Fred Ebb), sucesso de Frank Sinatra, Bridge over troubled water (Paul Simon), regravado entre outros por Elvis Presley (a que vimos um dos integrantes da banda vendo um vídeo em um laptop durante a citada viagem), Fly me to the moon (Bart Howard), já gravada por aqui por Paula Toller, In the mood (Joe Garland), por aqui tema da minissérie Agosto, baseada no romance homônimo de Rubem Fonseca, e, entre outras, Am I black enough for you (Kenny Gramble/ Leon Huff), sucesso de Billy Paul, na cena em que uma espécie de Michael “moonwalk” Jackson cover dança com o bumba meu boi de Arcoverde.

Super Orquestra Arcoverdense de Ritmos Americanos, o filme, não se pretende uma cinebiografia do grupo quase sexagenário, tanto é que só do maestro Beto sabemos o apelido, ao longo de sua duração – quantos brasis há no Brasil por conhecermos? É um cinema inventivo, de puro deleite, que abusa da força poética das imagens, entre a realidade (documental) e a fantasia, à revolução dos bichos orwelliana, em que também os burros cantam e dançam.

É ao mesmo tempo um belo tributo à cultura nordestina e um retrato – não necessariamente uma crítica – das influências estrangeiras que chegam ao lugar. Se a elite criticou a substituição de jumentos por motocicletas, “graças ao Bolsa Família”, o documentário revela um convívio harmonioso entre uma e outra ferramentas, o que acaba por se tornar uma perfeita metáfora intercultural.

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Veja o trailer:

https://vimeo.com/296015652

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Cinemateca Lume estreia hoje (6), com sessão seguida de debate com diretores

Divulgação

 

“Meus pais [os poetas Nauro Machado (1935-2015) e Arlete Nogueira da Cruz] foram os grandes responsáveis por eu ser um apaixonado pelo cinema. O fato de ir quase diariamente para uma sala de projeção foi o que me moldou a ser hoje um cineasta”, declarou-me em entrevista, em 2011, Frederico Machado.

Mais que cineasta, Fred, como é carinhosamente chamado pelos mais próximos, é um homem de cinema, na acepção mais ampla da expressão, tendo ao longo destes anos de dedicação à sétima arte colecionado monumentos de resistência, mesmo quando acossado por dívidas: a locadora Backbeat (a maior do Nordeste e certamente uma das maiores do país, num momento em que o setor perde a batalha para os serviços de streaming), o Cine Lume (com três estreias semanais, ponto fora da curva em relação a qualquer outra sala em São Luís), a Lume Filmes (por onde realiza suas próprias obras e projetos em que acredita) e a Escola Lume de Cinema (que colaborou na formação de toda uma geração de diretores/as, atores/atrizes e técnicos/as).

Hoje (6), Frederico Machado inaugura mais uma pedra fundamental nesta trajetória ímpar: às 20h, no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença), com entrada gratuita, acontece a primeira sessão da Cinemateca Lume, que pretende ser uma referência em se tratando de acervo fílmico produzido por diretores/as locais.

Serão exibidos seis filmes, sendo o sexto um filme surpresa, cujo título não foi anunciado. Os outros cinco são Jardins suspensos, de Euclides Moreira, Amniogênese, de Rose Panet, Carnavalha, de Ramusyo Brasil e Áurea Maranhão, Marina, de Taciano Brito, e Você é diferente, de George Pedrosa.

Após a exibição haverá debate com os diretores.

Está nos planos de Frederico Machado realizar uma sessão mensal da Cinemateca Lume, prestigiando as diversas vertentes do cinema local, sem distinção de gênero, metragem ou outras de qualquer natureza, sempre seguida de debate com os realizadores, e com entrada franca. Nomes como Breno Ferreira (Walter do 402), Francisco Colombo (Avesso) e Maria Thereza Soares (José Louzeiro: depois da luta) já confirmaram participação em edições vindouras da Cinemateca Lume.

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Os herdeiros de José

Júlia Konrad, Erasmo Carlos e Jaloo em cena de Paraíso perdido. Frame. Reprodução

 

A princípio, é a trilha sonora que tem garantido bom público a Paraíso perdido [drama/musical, Brasil, 2018, 110 min.; classificação indicativa: 14 anos; em cartaz no Cine Lume, Sessão Vitrine Petrobras], novo filme de Monique Gardenberg, diretora do exitoso Ó paí, ó [2007] e do subestimado Benjamim [2003, baseado no livro homônimo de Chico Buarque]. Mas é preciso dizer: à frente da ótima trilha sonora há um enredo múltiplo, com diversas histórias se cruzando, em um roteiro muito bem urdido.

Paraíso perdido é uma boate com ares de cabaré e certa sofisticação perdida ao longo do tempo neste tipo de ambiente – falo do luxo do lugar e do capricho dos números musicais. A casa é administrada por uma família, cujo patriarca é José, na interpretação papo firme de Erasmo Carlos. Neste ambiente familiar sui generis os artistas da noite são os próprios filhos e netos de José.

“Esqueçam a vida lá fora e sejam felizes aqui no Paraíso perdido, o lugar para aqueles que sabem amar”, José faz o convite aos frequentadores de sua boate – e este se estende a nós, espectadores, que por quase duas horas nos emocionamos, contemos as lágrimas (ou não) e por vezes seguramos o ímpeto de cantar junto e aplaudir ao final de cada número.

A partir daí, diversas histórias se cruzam, costuradas por uma trilha sonora que funciona como uma espécie de antologia sentimental que vai de Reginaldo Rossi a Roberto Carlos, de Raul Seixas a Waldick Soriano, de Odair José a Carly Simon, de Ângela Maria a Márcio Greyck, de Paulo Sérgio a Belchior, entre outros, desfiladas entre (poucas) versões originais e (muitas) releituras por um elenco de híbridos: Seu Jorge, ator e cantor cujo talento já foi posto à prova em vários discos e filmes, o cantor Jaloo, que dá conta do recado ao interpretar Ímã, e Júlio Andrade, ator que se sai bem fazendo covers no papel de Ângelo. A direção musical é de Zeca Baleiro.

O tributo à música cafona não se encerra no soundtrack: personagem central na trama, o policial vivido por Lee Taylor chama-se Odair.

Amores perdidos (e re/encontrados) são o pano de fundo de um filme que joga holofotes sobre temas urgentes como a violência contra a população LGBTI, os direitos de idosos, pessoas com deficiência e detentos, os “bicos” de policiais, a covardia e brutalidade da ditadura militar brasileira, instalada com o golpe de 1964, e o momento político conturbado que vive o Brasil desde o golpe de 2016.

Tantos temas são encaixados com maestria no roteiro de Monique Gardenberg sem o menor risco de o filme tornar-se panfletário desta ou daquela causa, e inteligentemente propor o debate sobre todas elas, ao menos a quem procurar ir além da superfície. Mas mesmo a quem se contentar com ela, perceberá tratar-se de um filme sobre amores e afetos, artigos tão em falta no Brasil de hoje.

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Veja o trailer de Paraíso perdido:

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Bastidores

O processo. Frame. Reprodução

 

A estreia nacional de O processo, aguardado documentário de Maria Augusta Ramos, acontece hoje (17), em todo o Brasil. Em São Luís o filme será exibido no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença). Por enquanto, o filme tem apenas quatro exibições garantidas na sala: hoje e amanhã, às 18h20 e às 20h40. Sua continuidade em cartaz depende de seu desempenho e fica aqui o puxão na orelha esquerda: melhor ir ver um filme declaradamente de esquerda que ficar a torto e à direita pedindo boicote ao Netflix, ao Padilha e aO mecanismo, não é?

Dito isto, devo dizer mais: O processo é um filme ao mesmo tempo doloroso e hilariante. Doloroso por comprovar a farsa que foi o processo, o impeachment, o golpe, a tomada do poder pelos golpistas. Hilariante por mostrar o quão ridícula e mesquinha é a direita brasileira. E olha que Maria Augusta Ramos fez o filme por dentro do time de defesa de Dilma, isto é, o acesso privilegiado da cineasta foi à esquerda, tomando partido, enterrando de vez a balela da imparcialidade, se é que alguém ainda acreditava nisso.

Mas é um filme honesto. Justamente por isso. Aliás, para ser melhor, talvez apenas se em vez de O processo se chamasse O veredito: ora, só os que insistem na cantilena de que não foi golpe não creem que o destino, não de Dilma Rousseff, presidenta legitimamente eleita, mas o do país, já estava traçado, em um jogo de cartas marcadas. Havia o remédio, era preciso inventar a doença.

Tecnicamente, O processo é um filme relativamente fácil de fazer. Um filme que acompanha os bastidores de figuras de proa na defesa não de Dilma Rousseff, mas da Constituição Federal, da democracia brasileira e das instituições que por elas deveriam zelar. Além da direção e roteiro de Maria Augusta Ramos cabe destacar o trabalho da montadora Karen Akerman.

Às imagens feitas propriamente para o filme, unem-se imagens de arquivos de emissoras de tevês, sobretudo públicas, mostrando o ridículo de votos pró-impeachment como os de Jair Bolsonaro (que dedicou-o a Carlos Alberto Brilhante Ustra, reconhecido torturador de que a própria Dilma Rousseff foi vítima quando presa política) e Eduardo Cunha (“que Deus tenha misericórdia dessa nação”), o choro cínico de Janaína Paschoal (advogada autora da peça inicial do processo), ao pedir desculpas à presidenta, e a nobreza e elegância de Chico Buarque, presente à sessão de depoimento de Dilma ao Senado, a dar mais uma prova de que o compositor sempre esteve do lado certo da História.

Como bons brasileiros, o ex-Ministro da Justiça e ex-Advogado Geral da União José Eduardo Cardozo, a senadora Gleisi Hoffmann e o senador Lindberg Farias riem no melhor estilo “seria cômico se não fosse trágico”, no decorrer do filme, o que lhes torna mais humanos e portanto mais próximos da parcela de eleitores/espectadores que verá O processo.

Eis um trunfo do trabalho de Maria Augusta Ramos, merecidamente premiado nos festivais de Berlim (terceiro lugar no prêmio do público de melhor documentário), Visions du Réel (Suíça, melhor longa-metragem) e IndieLisboa (melhor longa-metragem, júri popular, em Portugal), entre outros.

Linear e quente, O processo estreia hoje no Brasil, após iniciar uma trajetória bem-sucedida na Europa, citando fatos ocorridos mês passado, com o país sob a égide do golpe político-jurídico-midiático. No meio disso tudo, Dilma Rousseff denuncia o caráter machista e misógino do enredo kafkiano que a destituiu do poder, devolvendo o Brasil à linha da pobreza e transformando-o de potência em piada no cenário internacional.

Michel Temer, o ilegítimo, na cadeira que não lhe pertence desde o início do teatro do golpe, amargando o mais alto índice de impopularidade de um presidente desde a redemocratização (se é que podemos falar nisso no Brasil), não aparece no filme. Uma sacada inteligentíssima de Maria Augusta Ramos, que antecipa o exercício que a História fará muito em breve: colocá-lo no seu devido lugar, de personagem insignificante, apesar de tudo.

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Veja o trailer de O processo:

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Um mundo em extinção

Severina. Cartaz. Reprodução

 

Um sebista solitário, ermitão, com pretensões literárias permite a visita constante de uma cliente cujo único intuito é roubar livros. Atraído por sua beleza e por seu gosto literário, ele acaba se apaixonando pela mulher misteriosa, a despeito de logo descobrir não ser sua única vítima: ela tem um séquito de livreiros furtados e corações partidos. É esta paixão o mote de Severina [Brasil/Uruguai, 2018, drama; direção: Felipe Hirsch; em cartaz no Cine Lume], antes de qualquer coisa uma bela declaração de amor aos livros.

Parece falar sobre um mundo que não existe mais: os personagens dialogam com uma arquitetura tida como decadente, apenas em nome de um suposto conforto e segurança trazidos pela modernidade – a urbe tem papel destacado no filme, nos passeios a pé do casal protagonista, ou de bicicleta, quando ele sai à procura dela.

Parece falar sobre um mundo que não existe mais, no qual, por conta desta mesma suposta modernidade, não há mais espaço para sebos, livrarias de rua ou cinemas fora dos ambientes climatizados dos shopping centers e vizinhos de barulhentas praças de alimentação.

Mais que aos livros, Severina é uma declaração de amor à literatura, ao cinema, às artes em geral, e a um modo de vida infelizmente a cada dia mais tido como démodé, sem espaço para qualquer delicadeza.

A película mistura elementos de drama, comédia romântica e romance policial. O espectador, qual um detetive, se vê envolto num mistério, a começar por saber se o enredo aconteceu de fato (ainda que na ficção) ou se é tudo fruto da imaginação do protagonista.

Severina. Frame. Reprodução

 

Baseado no livro homônimo, do guatemalteco Rodrigo Rey Rosa, Severina percorre o convívio entre o sebista e a mulher misteriosa, loucuras de amor, o cotidiano de um casal que lê junto, e um velho em coma. Em tempo: o diretor é brasileiro, o casal protagonista argentino (Javier Drolas e Carla Quevedo) e o filme foi rodado em Montevidéu, no Uruguai.

Obviamente Severina é recheado de citações literárias, entre capas expostas no sebo, nas mãos dos leitores, trechos lidos em tertúlias ou sublinhados pelo livreiro, a vida imitando a literatura (e o cinema) e ajudando a construir a narrativa, de rara delicadeza poética.

A determinada altura, por exemplo, quando o livreiro oferece seu sebo para pagar uma dívida por furtos passados de sua companheira, outro sebista, já tendo aceitado o negócio, troca toda a livraria por um único exemplar, supostamente roubado por ela da biblioteca de Jorge Luis Borges, com anotações do escritor nas bordas do livro, gesto cuja grandeza somente será compreendida pelos devotados aos “objetos transcendentes”.

Bob Dylan, não exatamente um escritor, apesar de ter escrito livros, venceu o Prêmio Nobel de Literatura em 2016, dado que não está em Severina. Dele lembro apenas para dizer do enorme prazer proporcionado, como se já não bastasse tudo isso, por citações a Hermeto Pascoal e João Gilberto.

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Re-Fellini

Ao descobrir o cinema de Fellini, Lucy tenta se corresponder com o ídolo. Frame. Reprodução

 

Federico Fellini (1920-1993) é como sarapatel: ou se ama ou se odeia.

Em busca de Fellini [In search of Fellini; EUA, drama/romance, 93 min; exibido esta semana no Cine Lume, Edifício Office Tower, Renascença] é uma linda homenagem ao cinema do italiano, autor de obras-primas como 8 ½, A doce vida, Amarcord, A estrada da vida e Noites de Cabíria, entre muitos outros – e por extensão, a música de David Campbell uma bela homenagem a Nino Rota, colaborador constante do homenageado.

O filme se passa em 1993, ano da morte de Fellini, e acompanha a viagem da americana Lucy Cunningham (Ksenia Solo) até a Itália, após descobrir o cinema felliniano e apaixonar-se pelo cineasta em um festival chamado Tutto Fellini – título de uma exposição ocorrida no Brasil em 2012 no IMS/RJ e Sesc Pinheiros.

Reverente, o filme não deixa de tirar onda: Claire (Maria Bello) e Kerri (Mary Lynn Rajskub), mãe e tia de Lucy, respectivamente, repetem o que comumente se ouve de quem não compreende o universo onírico de Fellini: “quem vê isso?”, perguntam-se, referindo-se aos filmes do diretor, tidos como “confusos”. É hilariante a cena em que uma diz: “essa é a parte que eu mais gosto”, enquanto a outra responde: “mas você ainda não viu isso”, e ouve de volta: “me refiro a ter chegado ao final”.

O filme de Taron Lexton é hábil ao entremear a obra de Fellini na jornada de Lucy, enquanto sua mãe definha, vítima de um câncer. “A vida é isso: seguir seus próprios sonhos”, diz um personagem a determinada altura. Mais felliniano impossível.

Aos 20 anos, Lucy deixa a bolha em que vivia, sob os cuidados da mãe superprotetora, para viver uma aventura idílica, recheada de atrasos, desencontros, fugas, perigos, paixões, fantasia e poesia.

“O visionário é o único realista”, nos ensina Fellini, em frase citada mais de uma vez em Em busca de Fellini. Mais do que nunca, nos tempos sombrios em que vivemos, o cineasta tem razão.

Para ver e se embriagar.

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O micróbio da poesia

Os poetas Severina Branca e Jorge Filó em cena de O silêncio da noite é que tem sido testemunha de minhas amarguras. Frame. Reprodução

 

As reações à palavra poesia podem ser as mais diversas. Muita gente pode lembrar uma não rara desastrada experiência escolar, quando professores tentam empurrar goela abaixo, e pior, fazer decorar versos que ao aluno e seu entorno fazem nenhum sentido. Outros pensam em coisa de iluminados, gente com inspiração divina para cometer versos ou coisa parecida.

Dessacralizar o universo da poesia é justamente o que faz o documentário O silêncio da noite é que tem sido testemunha de minhas amarguras [documentário, Brasil, 2016, 78 min.], do serra-talhadense Petrônio Lorena (que assina também a trilha sonora), que estreia hoje (22) no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença). Literalmente um baita título, síntese de dor e delícia de ser poeta.

Dessacralizar talvez nem seja bem o termo: a poesia continua sendo sagrada. O que o filme mostra, no entanto, é que pode ser fruto da cabeça (e coração) de qualquer reles mortal. Há uma cena em que um poeta, num bar (uma das locações mais constantes do documentário), advoga a favor do uso de álcool e outras drogas – em nome da poesia.

Geograficamente, o filme se localiza na divisa entre Paraíba e Pernambuco, em Ouro Velho e Prata, naquela, e São José do Egito, neste, lembrando mitos da poesia nordestina, entre vivos e mortos, privilegiando depoimentos de poetas em vez de especialistas – comparecem histórias de, entre outros, Lourival Batista e Biu de Crisanto.

Sobra bom humor em constantes exercícios de memória: não raro um poeta lembra uma glosa bem humorada, contextualizando a situação em que o verso foi composto, a tiração de onda de um repentista para com outro, a resposta deste àquele, e por aí vai. No fundo, a gente se sente bebendo entre amigos, a relembrar velhos causos, e rindo.

O longo e poético título é mote dado por Severina Branca a Didi Patriota. De poeta a poeta, ela também boêmia e prostituta, é uma das personagens mais interessantes do longa-metragem, considerada por muitos a Eleanor Rigby do Nordeste.

As reações à palavra poesia podem ser as mais diversas. Para alguns, ela significa a própria vida e sina.

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Veja o trailer de O silêncio da noite é que tem sido testemunha de minhas amarguras:

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Fogo que não brinca

Limpam com fogo. Cartaz. Reprodução

 

A prática não é recente mas, convenhamos, tornou-se recorrente mais recentemente: incêndios criminosos em favelas como método barato de desapropriação ou reintegração de posse. Higienização e gentrificação, a gente vê por aqui, poderia dizer o slogan de uma rede de tevê, onde certamente nunca se verá Limpam com fogo [documentário, Brasil, 2016, 84 min.], título mais direto impossível.

O documentário conta o drama de diversos moradores de várias favelas paulistanas vítimas de incêndios, cujas investigações, com a construção de um discurso midiático a serviço de imobiliárias, construtoras e incorporadoras patrocinadoras de jornais e políticos, sempre aponta cinicamente para curtos-circuitos em gambiarras, panelas em fogões improvisados, o material utilizado no erguimento dos barracos ou qualquer outra desculpa que sirva para desresponsabilizar o poder público ou tirar o foco da especulação imobiliária, a real interessada em determinadas áreas.

O filme conta com depoimentos de especialistas como Ermínia Maricato, ex-secretária municipal de Habitação e Desenvolvimento Urbano de São Paulo (1989-1992) e ex-secretária executiva do Ministério das Cidades (2003-2005), e Guilherme Boulos, coordenador do Movimento dos Trabalhadores Sem Teto (MTST), então ainda não alçado à condição de pré-candidato do PSol à presidência da república, colocando-os em diálogo com o drama das vítimas.

Em determinada altura, um dos entrevistados revela ter filmado um dos incêndios que consumiu a favela em que morava. Segundo ele, uma emissora de tevê ofereceu uma boa grana pelas imagens, mas ele preferiu não vender, por achar errado ganhar dinheiro em cima da tragédia alheia, no que o filme de Rafael Crespo, Conrado Ferrato e César Vieira também acerta: não há exageros, pieguice ou exploração gratuita da desgraça alheia. As vítimas são retratadas em seus papéis, de protagonistas de suas próprias histórias, agentes políticos, com sua organização, sua relação afetiva com as comunidades, projetando discussões sobre a função social da propriedade, entre outros temas de direitos humanos – direito à moradia, direito à cidade, transporte público, trabalho etc. O filme foi realizado com recursos obtidos através de crowdfunding.

Temporalmente o documentário se localiza nas gestões municipais do petista Fernando Haddad (2013-2016), que aparece no filme, e do então democrata Gilberto Kassab (2006-2012), hoje no PSD, que se negou a gravar entrevista.

Limpam com fogo é um instantâneo de Brasil, retratando alguns episódios de uma tragédia entre tantas possíveis, que todos os dias acontecem cada vez mais, infelizmente.

O filme foi exibido no Festival Internacional Lume de Cinema, encerrado hoje (21), no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença). Por iniciativa dos professores Raoni Muniz, Rose Panet e Débora Garreto, do Curso de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Estadual do Maranhão (Uema), Limpam com fogo será exibido novamente amanhã (22), às 10h, no Cine Lume, para estudantes da instituição – a sessão extra é aberta ao público em geral. Os ingressos custam R$ 12,00.

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Veja o trailer de Limpam com fogo:

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Filme de Sérgio Ricardo abriu ontem Festival Internacional Lume de Cinema

Antonio Pitanga e Osmar Prado durante as gravações de Bandeira de retalhos. Foto: divulgação

 

Sérgio Ricardo é mais conhecido como autor das trilhas sonoras de Deus e o diabo na terra do sol (1964) e O dragão da maldade contra o santo guerreiro (1969), de Glauber Rocha, e pelo episódio em que, ao interpretar Beto bom de bola, música de sua autoria em um festival da TV Record, em 1967, irritado, quebrou o violão e atirou pedaços do instrumento contra a plateia.

Um lado seu que pouca gente conhece é o de cineasta. Sua mais recente realização, após mais de 40 anos longe das claquetes, o longa-metragem Bandeira de retalhos [drama, Brasil, 2018, 90 min.] foi exibido ontem (15), no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença), na abertura do 5º. Festival Internacional Lume de Cinema.

O filme parte de um episódio real, a tentativa de despejo de moradores do morro do Vidigal, no Rio de Janeiro, em 1977. A partir deste mote, Sérgio Ricardo desenvolve um roteiro com elementos que mostram o quão pouco o Brasil mudou em quatro décadas.

A trama costura o típico morro para gringo ver, com seus encantos, roda de samba e alegria, com o morro típico de tragédias como a que recentemente vitimou Marielle Franco, vereadora do PSol no Rio de Janeiro.

Sérgio Ricardo é sagaz ao questionar “quem é bandido?”, se um perseguido pela polícia, cria daquela favela, que viu os pais serem assassinados, ou se os poderosos de terno e gravata (ou com a farda cheia de divisas), a extorquir e agir a serviço da especulação imobiliária e do poder político e econômico – quase sempre uma coisa só.

É uma obra de ficção (embora baseada em fatos reais), mas qualquer semelhança com a realidade, e com o Brasil sob a égide dos golpistas, não é mera coincidência – e justifica o retorno de Sérgio Ricardo, aos 85 anos, ao cinema.

O diretor resgata imagens em preto e branco do noticiário da época, com depoimentos de moradores e autoridades, mesclando-as à trama, em que os atores mais conhecidos são Antonio Pitanga (João da Lua, um cego que é a memória viva do morro) e Osmar Prado (o deputado Délio dos Santos). De baixíssimo orçamento, o filme foi realizado com recursos captados através de crowdfunding.

O roteiro é bem urdido e podemos dizer que se trata de um filme de final ao mesmo tempo feliz e triste. No campo social, a comunidade vence a batalha. Já ao terreno do amor o destino não reserva a mesma sorte.

Serviço

O 5º. Festival Internacional Lume de Cinema segue até a próxima quarta-feira (21). Veja a programação completa.

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Novo curta de Rose Panet estreará no Festival Internacional Lume de Cinema

[release]

Amniogênese é o primeiro filme de ficção da cineasta

Amniogênese. Frame. Reprodução

Em meio à vasta e rica programação do Festival Internacional Lume de Cinema, a cineasta Rose Panet lança seu novo filme. Trata-se da estreia da diretora no universo da ficção, com o curta-metragem Amniogênese, que integrará a sessão de abertura do festival, ao lado do curta espanhol Ainhoa, de Ivan Sainz-Pardo, e do longa Bandeira de retalhos, de Sérgio Ricardo, autor de trilhas sonoras de filmes de Glauber Rocha, famoso por quebrar um violão e atirar pedaços do instrumento contra a plateia num festival de música popular brasileira.

Amniogênese, de Rose Panet, foi filmado na Biblioteca Pública do Estado do Maranhão Benedito Leite, como atividade de um curso na Escola Lume de Cinema de que a diretora e roteirista participou. O filme apresenta espíritos no limbo, em diálogo sobre nascer e não nascer, viver e morrer.

“Eu fiz a partir de um sonho que tive quando estava grávida de meu segundo filho. A ideia permaneceu comigo e levou anos até eu materializar”, revela Rose Panet. Sem diálogos, o filme tem trilha sonora do compositor russo Kai Engels – cuja música já comparecia à trilha sonora de Manuel Bernardino: o Lenin da Matta, documentário da diretora, que estreia em abril na TV Senado.

Amniogênese, segundo os dicionários médicos, é a formação do âmnio, a bolsa membranosa que contém o líquido amniótico onde flutua o bebê. “É um filme que também discute as dores e as delícias de ser mulher, com decisões às vezes difíceis, que precisam ser tomadas. Curioso também é que de forma não intencional, agora em uma ficção, a gente torna ao terreno do espiritismo, tema presente no documentário Manuel Bernardino: o Lenin da Matta”, revela.

Aminiogênese traz no elenco Daniel Costa, Dida Maranhão (assistente de produção e maquiagem), Domingos de Jesus, Fabíola Rocha, Fred Egyto, Guilherme Verde, Thiago Santos (assistente de direção) e Wilka Sales. Rose Panet assina direção, roteiro, produção e fotografia (com Beto Matuk e Denis Carlos). O filme tem montagem e sonorização de André Garros.

Serviço – A sessão inaugural do Festival Internacional Lume de Cinema acontece nesta quinta-feira (15), às 19h, no Cine Lume (Edifício Office Tower, Renascença). Os ingressos custam R$ 12,00.

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O protagonismo de Torquato

Torquato Neto – Todas as horas do fim. Cartaz. Reprodução

 

A voz de Jards Macalé em sua parceria com Torquato Neto em Let’s play that (1972) e a voz de Jesuíta Barbosa no poema Cogito, cujo último verso dá título a Torquato Neto – Todas as horas do fim [documentário, Brasil, 2017; em cartaz no Cine Lume, sessão diária às 20h30], abrem o filme de Eduardo Ades e Marcus Fernando, coalhado de referências, fazendo jus ao homem múltiplo e intenso que foi o tropicalista piauiense.

O primeiro anuncia: “quando eu nasci/ um anjo louco/ um anjo solto/ um anjo torto/ muito louco/ veio ler a minha mão”. E arremata: “vai bicho/ desafinar o coro dos contentes”. O segundo, voz que acompanhará o espectador por todo o filme, lê poemas, cartas e textos jornalísticos de Torquato Neto – cuja voz, de seu único depoimento gravado, de 1968, também é usada.

É um filme reverente, cuja montagem inteligente evoca todas as facetas de seu protagonista: poeta, letrista de música popular, jornalista, ator. Os depoimentos que ajudam a contar sua história são cobertos por trechos de filmes do cinema marginal e do cinema novo. As rápidas aparições de nomes como Gilberto Gil, Caetano Veloso e Tom Zé são filmadas em super oito, de modo a manter a estética da época e não destoar das imagens de arquivo – resultado semelhante ao de No, de Pablo Larraín.

Curioso é o depoimento de Moreira Franco, ex-governador do Rio de Janeiro, hoje ministro-chefe da secretaria-geral do governo do ilegítimo, nome ligado a escândalos na política nacional, apelidado pelo saudoso Brizola de Gato Angorá, primeiro amigo de infância de Torquato Neto.

Entre as inúmeras citações cinematográficas – uns mais conhecidos, outros mais raros – comparecem O bandido da luz vermelha (1968, de Rogério Sganzerla), Vidas secas (1963, de Nelson Pereira dos Santos), Macunaíma (1969, de Joaquim Pedro de Andrade), Deus e o diabo na terra do sol (1964, de Glauber Rocha), Nosferato no Brasil (1971, de Ivan Cardoso, em que Torquato atua), O demiurgo (1970, de Jorge Mautner, em que Caetano atua), Apocalipopótese (1968, de Raymundo Amado), e Hitler terceiro mundo (1968, de José Agripino de Paula).

Se Gal Costa (uma das grandes intérpretes de Torquato) e Jards Macalé (um de seus muitos parceiros) não comparecem em depoimentos, aparecem cantando Mamãe, coragem (parceria com Caetano Veloso), ele tocando violão na banda dela. Não faltam composições como Pra dizer adeus (parceria com Edu Lobo), Geleia geral, A rua e Marginália II (as três com Gilberto Gil) e Deus vos salve esta casa santa (com Caetano), a dar ideia do quão relevante foi Torquato, não apenas para o Tropicalismo, apesar do suicídio aos 28 anos.

Torquato Neto escrevia compulsivamente. Foto: divulgação

A morte de Torquato Neto completou 45 anos em novembro passado e as homenagens que lhe têm sido prestadas ajudam a jogar novas luzes sobre sua obra. O piauiense foi o homenageado da última edição da Balada Literária, organizada pelo incansável Marcelino Freire – ano passado, além de São Paulo, seu território tradicional, chegou a Teresina, cidade natal de Torquato, e Salvador, para onde ele se mudou aos 16 anos e onde conheceu “o pessoal da Tropicália”.

A gaúcha radicada no Maranhão Isis Rost transformou seu trabalho de conclusão de curso em Ciências Sociais (UFMA) no livro O risco do berro – Torquato Neto: morte e loucura [ed. da autora, 2017], cujo projeto gráfico evoca a Navilouca, revista de número único editada por Torquato com Waly Salomão (1943-2003), que no filme sintetiza o amigo como uma atualização de Carlos Drummond de Andrade, Manuel Bandeira e Décio Pignatari. A autora foca, desde o título, em dois temas pouco presentes a Torquato Neto – Todas as horas do fim.

O documentário não especula, nem tira conclusões, mas faz bonito ao somar-se aos esforços de manter vivo o espírito de Torquato, protagonista da Tropicália, através de sua obra, vasta e diversa, para alguém que morreu tão jovem.

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Veja o trailer de Torquato Neto – Todas as horas do fim:

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Quantas vidas cabem numa só?

Lou. Frame. Reprodução

 

Quantas vidas alguém precisará viver para viver uma vida como a de Lou Andreas-Salomé [1861-1937]? Esta é uma das perguntas possíveis ao término de uma sessão de Lou [drama/histórico/biografia, Alemanha/Suíça; 113 min.; em cartaz no Cine Lume], de Cordula Kablitz-Post, cinebiografia da escritora e psicanalista que influenciou Sigmund Freud [interpretado por Harald Schrott], o pai da psicanálise – só dizer isto já dá ideia da grandeza da personagem.

Bem realizado na reprodução de cenários e figurinos da época, o filme parte da decisão da protagonista de escrever sua biografia, aos 72 anos. Entra em cena a figura de Ernst Pfeifer [Matthias Lier], então desempregado, que acabará por virar o administrador do espólio de Lou Andreas-Salomé [Nicole Heesters interpreta a personagem aos 72 anos; Katharina Lorenz, dos 21 aos 50; Liv Lisa Fries, aos 16; e Helena Pieske, aos seis], até sua própria morte, responsável pela redescoberta da mulher que se insurgiu contra os padrões então vigentes.

A história tem início em 1933, no período entre-guerras. Lou  é uma senhora reclusa que já havia parado com os atendimentos. O filme se equilibra bem entre os diálogos entre a protagonista e seu datilógrafo – que acaba assumindo um papel misto de repórter e confidente –, que também acaba se apaixonando por ela, e no vaivém das histórias que conta, remontando à infância em São Petesburgo e ao mundo que ganhou ao desafiar a mãe e o status quo, após a morte do pai.

Numa época em que às mulheres não era dado o direito de estudar, é isto o que Lou faz, simplesmente por não aceitar a condição subalterna imposta ao sexo feminino. Seu primeiro livro é publicado com um pseudônimo masculino: os editores de então não acreditavam no sucesso de um livro escrito por uma mulher. Acabou por tornar-se pioneira da psicanálise e do feminismo; no primeiro campo dedicou-se à sexualidade feminina; no segundo, antecipou-se a sistematizações acadêmicas que só aconteceriam no século XX.

Em suas conferências é seguida por um devotado René Maria Rilke [Julius Feldmeier] que, por sugestão dela, adota o pseudônimo Rainer e vem a ser o poeta que conhecemos hoje, tantos anos depois. É ele quem irá quebrar sua repulsa ao casamento, que acreditava ser um sinônimo de perda de liberdade, após a dispensa de pretendentes do naipe dos filósofos Paul Rée [Philpp HauB] e Friedrich Nietzsche [Alexander Scheer].

Sua luta por liberdade tinha um quê de egoísmo, ela mesmo admite a determinada altura. “O que mudou para as mulheres?”, pergunta a seu privilegiado interlocutor noutro momento. Mas certamente inspirou a insurgência de outras mulheres e a (r)evolução que vemos, infelizmente ainda, mais lenta do que gostaríamos e do que o necessário.

A cinebiografia certamente ajudará a jogar luzes sobre esta personagem tão importante quanto desconhecida do grande público. O silêncio sobre ela e sua obra ajuda a compreender as relações de poder estabelecidas, contra as quais Lou dedicou toda a sua vida e obra.

Merecem destaque os grafismos em que Lou movimenta-se por estáticos cartões postais. Piegas é a forma como se apresenta o deus com quem conversa na infância e de quem se lembra no divã de Freud, o que nem de longe tira o brilho do filme, ousado como sua protagonista, ao decidir abarcar tantos aspectos da vida – ou das vidas? Quantas ela viveu numa só? – de Lou Andreas-Salomé.

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Veja o trailer de Lou:

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As elipses

Jovem mulher. Frame. Reprodução

 

Jovem mulher [Jeune femme, drama, França, 2017; em cartaz no Cine Lume], da estreante Léonor Serraille, vencedor da Câmera de Ouro em Cannes, é um filme que se explica pelas elipses: é no não dito que os espectadores têm que prestar atenção. Por exemplo: Paula [Laetitia Dosch] engravida, mas não há sequer uma cena de sexo explícito na película. Tampouco há a certeza se ela e Ousmane [Souleymane Seye Ndiaye], colega segurança da loja de calcinhas em que trabalha, transam.

Se nas primeiras cenas a protagonista parece uma fracassada, obcecada que rasteja em busca do homem que supostamente ama, aos poucos vamos nos afeiçoando à personagem de olhos bicolores e percebendo que ela é senhora de si, dona da situação.

Abandonada pelo namorado após uma década de relacionamento, Paula, sem dinheiro, abriga-se na casa de amigos, em hotéis baratos, até “fixar residência” num “buraco de rato”, como ela mesmo dirá. Zanza por Paris, com quem tem uma relação de ódio. Em Paris ou qualquer lugar temos que viver, é mais ou menos o que invariavelmente responde a quem pergunta por que então ficar na cidade.

O filme é carregado de bom humor, em tiradas sutis. Num encontro no metrô, por exemplo, ela finge ser quem não é; noutro, responde com certa agressividade a um passageiro que lhe alerta que o celular está tocando e que ela se esqueceu de tirar o crachá: “e você se esqueceu de tirar a gravata. A gravata é o crachá dos idiotas”.

Jovem mulher perpassa diversas situações e relacionamentos. As conturbadas relações de Paula com Joachim Deloche [Grégoire Monsaingeon], o professor e fotógrafo de quem engravida, e com sua mãe [Nathalie Richard], com Lila [Lila-Rose Gilberti], de quem se torna babá, e com a mãe da menina [Erika Sainte], que a contrata, numa inversão de sentimentos: quando a garota se afeiçoa à babá, a mãe perde a confiança, diante de deveres de casa mal corrigidos, serviços domésticos pendentes, horários não cumpridos e, sobretudo, guloseimas oferecidas à criança.

No meio disso tudo há uma bela gata, peluda e graúda, e uma cicatriz que acompanhará Paula por todo o filme, talvez simbolizando outras cicatrizes colecionadas em sua vida de jovem mulher.

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O horror recontado com bom humor

 

Bye bye Alemanha [Bye Bye Germany; Es war einmal in Deutschland…; comédia, Alemanha/Inglaterra, 2017, 102 min.; em cartaz no Cine Lume – Office Tower, Renascença] aborda tema espinhoso, o horror da segunda guerra mundial e seus campos de concentração, de maneira bastante inusitada. É um misto de drama e comédia (romântica), mas não se assuste o leitor mais apegado ao politicamente correto ou o que porventura imaginar que este não é um tema para se brincar: o filme é ao mesmo tempo ousado e delicado. Reconstituição primorosa, merecem destaque figurino e fotografia.

Conta a história de um punhado de amigos judeus cujo objetivo é um só: deixar a Alemanha, passada a segunda grande guerra. Como precisam de muito dinheiro para isso, desenvolvem uma estratégia bastante peculiar para empurrar a desconhecidos produtos de cama, mesa e banho. De porta em porta tornam-se pequenos golpistas – longe do status dos que ocupam o poder central no Brasil, hoje, outro horror – que se equilibram entre fugir do passado e qualquer senso de ética.

A graça toda desta comédia dramática reside no depoimento recheado de flashbacks prestado por David Bermann (Moritz Bleibtreu) à agente americana Sara Simon (Antje Traue), sobre serviços prestados por ele ao nazismo. Graças a seu talento como piadista, descoberto por agentes do exército alemão, ele sobreviveu aos campos de concentração onde morreram seus pais e irmãos.

Insólita, a história é baseada em fatos reais: o filme se apoia em um romance de Michel Bergmann – que assina o roteiro com o diretor Sam Garbarski – e refaz a trajetória deste inusitado personagem, que ensinará piadas a Hitler, para que este, com sua prodigiosa memória, impressione Mussolini, quando de uma visita do fascista italiano ao alemão.

Por falar em livros, eu mesmo só havia visto tanta graça em uma obra sobre tema tão difícil no autobiográfico Reminiscências do sol quadrado [José Olympio, 2014, 112 p.], em que o ator e compositor (comunista) Mário Lago narra, com bom humor suas agruras nas prisões políticas que enfrentou durante as ditaduras no Brasil. No caso de Bye bye Alemanha, a história beira o absurdo e o próprio protagonista afirma que em determinados momentos não consegue acreditar em si próprio ou no que conta – ou canta? – à agente.

Em tempos caretas e neoconservadores, o filme desperta o riso, tão necessário quanto difícil diante do triste estado de coisas atual, mas vai além de mero entretenimento ao contribuir para o debate sobre os limites da (sétima) arte quando se trata de abordar tema tão espinhoso através de sua recriação ficcional, ainda que baseada em fatos reais.